“PHOSPHENE DREAM” 2010. THE BLACK ANGELS

La psicodelia sigue estando presente y The Black Angels son uno de sus máximos exponentes actualmente. Son tejanos, de Austin, el nombre de la banda lo tomaron de la letra de una canción de la Velvet Uderground. Se juntaron a finales de 2004 y son creadores de un sonido propio y particular -una potente psicodelia garagera de la que no deja indiferente- y en el que se reconocen influencias a las que ellos ponen su sello cubriéndolas de un velo sombrío jugando con ritmos repetitivos y melodías oscuras y el desarrollo sinuoso de las canciones, que son billetes para viajes sin desplazamiento llenos de experiencias sensoriales. También han sido banda de acompañamiento de Roky Erickson (fundador y líder de The 13th Floor Elevators). Los multinstrumentistas que forman The Black Angels son Alex Maas (voz, bajo, teclados), Christian Bland (guitarra, drone machine, órgano), Nate Ryan (bajo, guitarra), Kyle Hunt (Teclados, percusión, bajo, guitarra) y Stephanie Bailey (batería), todos juntos forman un poderoso y experimentador combo sonoro capaces de transmitir coordenadas para traspasar la a veces opaca realidad.

“Phosphene Dream” es su tercer LP, un estupendo disco de psicodelia sesentera, de blues-rock, de psych-rock y de oscuridad lisérgica lleno de atmósferas envolventes  con explosiones guitarreras y ruidismo bien encauzado. Fue grabado en Los Angeles, las labores de producción corrieron a cargo de Dave Sardy y fue publicado por el sello Blue Horizon. El disco gana enteros escucha tras escucha, háganme caso, un discazo “tan pertubador como cautivador”, como leí en una crítica no recuerdo dónde… The Black Angels, punta de lanza de la neo-psicodelia actual.

“SEE YOU IN HELL” 2014. LOS SENTÍOS

Los Sentíos están de vuelta –si es que alguna vez se marcharon-, de vuelta a lo que más les gusta, el rock’n’roll. Ellos son los abanderados de la escena rock’n’roll sevillana, por su buen hacer, por trayectoria y por actitud. Yo siempre he dicho que la actitud no se ensaya, o se tiene o no se tiene, no valen las medias tintas, y ellos la tienen porque les apasiona lo que hacen y lo que hacen lo convierten en forma de vida. 16 años ya del comienzo de la andadura da para mucho y este mucho en manos diestras como las suyas se traduce en calidad en las composiciones y poderío en directo. Los Sentíos lo fundaron Edi Tachera, Antonio León y Miguel Díaz. Ellos han sido los permanentes Sentíos, el “nucleo duro” y el alma de esta banda tan particular y que la perspectiva que da el paso del tiempo pondrá en su sitio, pues como suele ocurrir en la España que padecemos desde hace demasiado tiempo, proyectos geniales como este pasan desapercibidos demasiadas veces.

“See you in hell” es un mini-LP de 5 canciones editado en vinilo de 10” y también en formato digital. Es la antesala de lo que será su próximo LP que tienen previsto grabar el próximo otoño. Con este mini-LP comienza la relación de Los Sentíos con Grabaciones Cowabunga, que también se hará cargo de la edición del próximo LP. Con “See you in hell” Los Sentíos han dado un giro espléndido a su estilo, eminentemente power-popero, virando hacia la americana a base de madera, poderoso contrabajo, lap steel y cambiando las baquetas de la batería por escobillas pero manteniendo su estilo propio en las guitarras y la pluma afilada en sus letras. Ha sido grabado en los estudios La Mina con Raúl Pérez como ingeniero de sonido. Ahora Los Sentíos son Edi Tachera (voz principal), Antonio León (guitarra y coros), Miguel Díaz (guitarra solista y coros), Rafa Torres (contrabajo) y Alberto Romero (batería) y cuentan en este disco con la colaboración de Paul Laborda (lap steel, trompeta y armónica). Este es la 5ª referencia en la larga trayectoria de estos sevillanos para los que el humor y la fina ironía son estandarte -basta coincidir con ellos en una barra de bar cualquiera para dar fe de ello-. Este es un disco “realmente bonito”, como ellos lo definen, una maravilla de disco de esos que te salvan el día y que consiguen sacarte una sonrisa por muchos motivos que tengas para todo lo contrario y que te incita, por qué no, a abrirte una cerveza y disfrutar de la escucha. La cuidada edición en vinilo merece hacerse con ella, ilustrada con una foto de un concierto callejero en la capital hispalense. Pueden hacerlo a precio módico aquí:

http://www.cowabungastore.com/cms/grabaciones-cowabunga-store/

Y para los que lo prefieran en digital (descarga canción a canción) aquí:

http://lossentios.bandcamp.com/

Los Sentíos están de gira para presentar este nuevo trabajo, no lo duden, si pasan por su ciudad vayan a verlos y si no es el caso cojan el coche y hagan kilómetros para hacerlo, valdrá la pena, asegurado, se aceptan reclamaciones a la dirección de contacto de este blog. Larga vida a Los Sentíos, y si no es así nos vemos en el infierno amigos!

“SINGLE-MINDED” 1987. MODEST PROPOSAL

Modest Proposal fueron un cuarteto mod de Washington DC que comenzaron andadura a mediados de los 80. Su sonido era puro power pop con algún tinte punk. El cuarteto eran Neal Augenstein (voz), Bill Crandall (guitarra y voz), Perry Flint (bajo) y Bob Minard (batería). Un único disco grabaron y un par de singles antes de este y después cambiaron de nombre, The Mondays pasaron a llamarse, mismo vocalista aunque no sé si misma formación. En 2009 se volvieron a juntar para dar un concierto en su ciudad, más allá de eso je ne sais pas…

“Single-minded” es su único albúm de estudio. Grabado en cuatro sesiones entre 1984 y 1987 y editado por el sello Unicorn Records. Una maravilla de disco compuesto por 12 enérgicas y vibrantes canciones, donde las melodías y la sección rítmica encajan a la perfección. Un disco rompedor de caderas de principio a fin, infalible en cualquier guateque.

“¡TOCA BREAKBEAT, PERRO!" 2014. BLUSA

De Blusa ya se ha hablado aquí. Fue hace tres años con motivo de su EP “Rotary”. Blusa llevan muchos años haciendo esto, post-rock de calidad. Ahora han vuelto por fin con un disco, en el que han aparcado la electrónica que usaban para sus bases en el anterior EP y la claqueta que impone esto para marcar el tempo, ganando en libertad según cuentan.

Blusa, sevillanos ellos e inquietos exploradores sonoros, son Daniel Barja, Jorge Marmesat (guitarras), Curro Molina (bajo y creador de todo el grafismo del disco así como del inquietante video de su primer single) y Antonio Ortiz (batería). 14 años ya de trayectoria –con algún paréntesis por el camino- dan forma al universo sonoro de Blusa, un universo instrumental de atmósferas guitarreras apoyadas en una base rítmica vigorosa. Blusa siguen siendo unos desconocidos, una rareza que merece atención por la calidad de sus composiciones y por la capacidad de emocionar de estas.

“¡Toca breakbeat perro!” es el segundo largo de Blusa compuesto por 10 canciones de melodías misteriosas cargadas de electricidad donde las guitarras conversan mientras el bajo y la batería se encargan de la propulsión necesaria para el viaje. Es un disco laberíntico donde hay que tomarse el tiempo necesario para su disfrute, abrir el oído y un poco de volumen y no amedrentarse con sus geniales picos de intensidad y dejarse llevar por los diferentes estados de ánimo que provocan. Fue grabado en los estudios sevillanos La Mina, pagado de sus propios bolsillos. La promoción y distribución corre a cargo de Sello Salvaje. El título del disco viene de una anécdota ocurrida durante un concierto hace ya muchos años en algún pueblo perdido cuando uno de los lugareños en estado de embriaguez y seguramente dueño de un coche de estética “tunning” se acercó al escenario y les soltó esta frase. La edición del disco de momento es sólo en cd-digipack en formato físico o descarga digital (esperamos ansiosos la edición en vinilo), aquí:

http://sellosalvaje.bandcamp.com/album/toca-breakbeat-perro

Blusa con este disco siguen avanzado en su personal trayectoria y enriqueciendo la interesantísima escena local sevillana, en flor desde hace años.

“THE PERFECT PRESCRIPTION” 1987. SPACEMEN 3

Hace ya más de tres años que este blog echó a andar por estos lares virtuales. El tiempo pasa muy deprisa, es verdad, sobre todo cuando ya no te interesa. El primer disco de Spacemen 3 fue uno de los primeros de los que se habló aquí. Ahora de nuevo Spacemen 3, con el que le sigue, el 2º disco, este más que maravilloso “The Perfect Presciption”, reeditado por Fire Records el año pasado, vinilo celeste de 180 gramos. Yo lo he recibido por correo hace poco, una delicia el volver a escuchar a esta banda capital -para mí lo son-. Estos intrépidos y psicotrópicos exploradores dan en el clavo con este disco. Sí, la Velvet, los Stooges y otros muchos pululan entre sus canciones, es evidente, pero ellos tienen su propio sonido a través de sus armonías psicodélicas, y lo hacen tela de bien.

La psicodelia de Spacemen 3 comenzó en 1982 en Rugby, Inglaterra. Antes de grabar su primer trabajo se foguearon en salas de pequeño aforo. En 1986 publican su primer disco y el último en 1991, ya deteriorada la relación entre ellos. Spacemen 3 eran Jason Pierce y Peter Kember (líderes y firmantes de sus canciones). Su legado fue y sigue siendo influencia para muchos otros que vinieron detrás y para mí sigue siendo un grupo dueño de un sonido único, muy grandes.

“The Perfect Prescription” es la obra mayor de Spacemen 3, un disco de minimalismo psicodélico. En este disco sus miembros eran Jason Pierce, Peter Kember, Sterling Roswell y Jon Mattock Ya sé que me repito con lo de “viaje sonoro”, ya lo he utilizado antes para definir algún otro disco pero no puedo dejar de referirme a este como tal, un viaje especialmente intenso, y si no prueben a escucharlo en el sofá con volumen y mejor si tienen a mano alguna sustancia para desordenar un poco los sentidos, viaje sin desplazamiento asegurado.

“#3” 1996. DIABOLOGUM

Este disco de Diabologum lo escuché muchas veces, hace años. Llegué a él gracias al sello Green Ufos que lo distribuyó y promocionó en España. Su sonido rock experimental, oscuro e intenso y la rabia que se translucía en las canciones me atraparon a la primera escucha y aunque recuerdo que al principio me chirriaban sus letras en francés a las que no llegaba, sabía que había verso interesante a descifrar en ellas. Ahora los he recuperado y aunque el no llegar a las letras por la barrera del idioma nunca me ha condicionado –siempre he pensado que la voz humana es un instrumento maravilloso sin necesidad de articular palabras coherentes- cierto es que las palabras enriquecen el asunto y para apreciar este matiz evidentemente es necesario entenderlas, al menos a priori. Ahora las letras de Diabologum me resultan menos extrañas, menos lejanas, a pesar de que aún me queda mucho camino para poder comprenderlas totalmente, no me engaño.

Diabologum comenzaron a principios de los 90 en Toulouse, en el sur de Francia. En 1993 Michel Cloup, Arnaud Michniak, Pierre Capot y Anne Tournerie sacaron el primer disco de Diabologum. Después los miembros fueron yendo y viniendo menos el “nucleo sólido” formado por Michel Cloup y Arnaud Michniak, los dos motores creativos del grupo. Ellos hacían un rock ruidoso con melodías pop pero de un fondo sonoro abstracto con muchos añadidos experimentales, consiguiendo darle un matiz a sus canciones impactante y poderoso. Fueron un referente en el rock más underground francés. En 1998 se separan, Michel Cloup sigue con otro proyecto llamado Expérience y Arnaud Michniak hace lo mismo con Programme.

“#3” es su tercer y último disco, publicado en el sello Lithium –al igual que los anteriores-. En este disco sustituyeron el cantar por textos hablados llenos de poesía. Es un disco muy intenso y visceral lleno de atmósferas oscuras, críticas y llenas de indignación en las que se evidencia el desencanto. También hay un monólogo  capaz de romperle el corazón a cualquiera de la actriz  Françoise Lebrun que aparece en la película de Jean Eustache “La Maman et la Putain” (1973). La 1ª escucha quizá no se antoja fácil por su complejidad pero luego la bruma se disipa aunque sin marcharse del todo. Un disco de culto el que grabaron estos audaces aventureros sonoros y que casi 20 años después suena tan actual como entonces, quizá ahora con más motivo.

“BIG WHEEL AND OTHERS” 2013. CASS McCOMBS

Cass McCombs nació en 1977 (buen año, también el mío) en California. Su actitud hacía la vida ha sido la de un nómada durante años pegado a su guitarra acústica, buscando el siguiente sitio donde parar pero no el suficiente tiempo como para dar lugar a echar raíces, sin las facilidades que da el hecho de tener dinero en el bolsillo y siempre con la creatividad como estímulo vital. Además de su carrera en solitario también ha girado con muchas otras bandas que no eran la suya. Su música es intimista, con cierto toque dramático y sobre todo de una maestría y un buen hacer evidentes.

“Big Wheel And Others” es el séptimo disco de este prolífico cantautor editado por Domino Records y producido por él mismo, grabado en diferentes estudios y con diferentes ingenieros de sonido. El disco está dedicado a Karen Black, actriz, guionista y cantautora que murió el año pasado. Ella interpreta una de las canciones del disco. También hay tres cortes curiosos en él pertenecientes al corto “Sean” (1970) en el que se escuchan las reflexiones de un niño en el San Francisco de finales de los 60. Este es un disco enorme y no sólo por sus 19 canciones, lo es porque no es un disco para asimilar en una escucha, requiere paciencia y adentrarse en él con calma, sin buscar el hit y prestando atención a como las canciones se entrelazan, se desarrollan y terminan creando el ente al que pertenecen que no es otro que este discazo, extenso, sí, pero merecedor de la oportunidad de ser escuchado sin prisa, degustado con quietud. La recompensa a este recomendable ejercicio son 85 minutos fantásticos, con una paleta de sonidos muy variada capaces de sacarte de cualquier borrasca mental en la que te halles inmerso o al menos provocar algunos claros por los que escapar.

A Cass McCombs lo pude ver en directo a finales de enero en Rouen, en Le106, un antiguo almacén del puerto reconvertido en magnífica sala de conciertos y exposiciones. Y hace unos días he recibido este disco por correo y lleva poniendo banda sonora desde entonces a mi humilde morada. Doble vinilo de cuidada edición con unas inquietantes ilustraciones en la portada y también en la contraportada. Maravilloso.

“SOMETIMES TOO MUCH AIN´T ENOUGH” 2013. THE EXCITEMENTS

Hace un par de findes me cogí el coche y me fui a Evreux, a la sala l´Abordage a ver a esta fabulosa banda en directo. Se me escaparon el otoño pasado cuando actuaron en Paris pero esta vez no. Y vaya si mereció la pena, menudo conciertazo que se marcaron estos chicos comandados por la voz de Koko Jean Davis y su poderío sobre el escenario aunque bien es verdad que el escenario les quedaba pequeño sobre todo a ella. La próxima vez espero verlos en un escenario a su medida, lo merecen. Y por supuesto les compré el disco.

The Excitements son de Barcelona, formados hace algo más de tres años. Lo suyo es el rhythm and blues y el soul interpretado de manera impecable. La fundación de la banda fue obra de Adrià Gual y Daniel Segura, quienes juntaron a un exquisito elenco de músicos para ello y encontraron vía internet a la piedra angular, es decir, a ella, la mozambiqueña Koko Jean Davis. Como toda banda de soul que se precie la voz ha de ser poderosa y estimulante y ella cumple a la perfección estos parámetros aportando además carisma. Y no sólo eso, también baila, salta, jalea, anima e incluso firma discos y pósteres con su carmín a mano para grabar sus labios en sus autógrafos tras el concierto y si es necesario te canta algún estribillo de las canciones de los singles que venden para que la  identifiques, y eso breves minutos después de darlo todo en el escenario. The Excitements son Koko Jean Davis (Voz), Lalo López (Guitarra solista), Adrià Gual (Guitarra rítmica), Daniel Segura (Bajo), Marc Benaiges (Batería), Marc Lloret (Saxo alto) y Nicolás Rodríguez-Jáuregui (Saxo Barítono). Estos chicos no paran de dar conciertos, sobre todo allende fronteras donde se están haciendo de una buena reputación. Kilómetros y kilómetros por Europa cargados con sus instrumentos, está claro que es su vocación.

“Sometimes Too Much Ain´t Enough” es su segundo disco, editado por el sello barcelonés Penniman Records y grabado en mono, dándole con ello un exquisito toque añejo. De la producción se ha encargado Mike Mariconda. En él hay versiones pero también composiciones propias. Una buenísima sección rítmica apoyada por unos eficaces metales y todo ello catapultado por la feroz energía de Koko. Todo un torbellino sonoro de música negra de calidad que pide a gritos volumen para su escucha. Discazo, sin discusión alguna.

“LEÓN BENAVENTE” 2013. LEÓN BENAVENTE

León Benavente es un grupo reciente formado por músicos ya más que rodados y con kilómetros encima cada uno de ellos, algunos de ellos han compartido kilómetros en la furgoneta de Nacho Vegas como parte de su banda en sus giras por los pueblos de nuestra decadente España. Pero cada uno de ellos tiene un pasado musical que rememorar como parte de otra formación o en solitario. Cuentan que el origen del grupo está en un accidentado viaje de uno de ellos en un viejo coche bajando de Asturias a Madrid, y entre León y Benavente se quedó tirado. Allí, en medio de la nada –y sé de lo que hablo, he vivido en Asturias y en esa parte del viaje el paisaje es simplemente el páramo desmoralizador, más aún si te quedan por delante muchos kilómetros como era mi caso- esperando a que le rescatara la grúa llamó por teléfono a otro de los futuros integrantes planteándole el escribir canciones juntos y formar una banda. Y de ahí se juntaron un asturiano, un gallego, un murciano y un aragonés, ellos son: Luis Rodríguez, el de la llamada desde el arcén de la carretera (guitarra), Abraham Boba (voz y teclados), Edu Baos (bajo, miembro de Tachenko) y César Verdú (batería, miembro de los geniales Schwarz).

Su primer disco homónimo es un disco contundente e intenso de atmósferas oscuras y con una potente sección rítmica como centro de poder. Grabado en Madrid y producido por ellos mismos, como no. Sus letras hablan de la penosa y cruda realidad nacional presente, una crítica social tratada con ironía como no puede ser de otra manera. Las voces femeninas invitadas son Irantzu de La Buena Vida y Cristina de El Columpio Asesino. Un disco vibrante que pide ser escuchado de principio a fin, estupenda banda sonora mientras deambulas por ciudades que no son tuyas y que desde la distancia del expatriado sus narraciones abrasivas y reflexivas cobran mucho más sentido, y el desencanto también. Gran disco.

“A FEAST OF WIRE” 2003. CALEXICO

Calexico es una banda de Tucson, Arizona, cuyos líderes son Joey Burns (voz y guitarra) y John Covertino (batería). Se conocieron al formar parte ambos de la banda Giant Sand (liderada por el gran Howe Gelb) en Los Ángeles, ellos dos conformaban la sección rítmica al bajo y a la batería. Cuando aún tocaban con Giant Sand ya tenían un proyecto paralelo llamado Friends of Dean Martinez, después de este formaron Spoke (bajo cuyo nombre editaron un disco en 1996) que finalmente pasó a llamarse Calexico, . Se mantuvieron ocupados durante un tiempo también en la banda de Howe Gelb para finalmente volcarse con Calexico. Definir la música que hacen se vuelve complicado pues ellos son unos exploradores de sonidos, músicas y culturas que convierten en una refinada mezcolanza,  reconocible –o no- debido al particular sello con el que impregnan sus composiciones. Se dice de ellos que hacen folk-rock fronterizo teñido de americana a lo que yo añadiría jazz y variedad de músicas latinas, en fin, que de patrones convencionales y purismo no va lo suyo.

“A Feast Of Wire” es su cuarto disco de estudio, un disco de ricas mezclas rítmicas. Para grabarlo el elenco fue numeroso, 12 músicos fueron los artífices. La inquietud experimentadora de la banda se plasma en las melodías y la diversidad de instrumentos que se reúnen en este disco donde hay cabida para una exquisita variedad de géneros, texturas e imágenes. Música evocadora magistralmente interpretada con la que pasar la tarde a modo de compañía sonora que finalmente consigue atrapar toda tu atención dejando de lado lo que tenías entre manos por muy urgente o importante que fuera. Una reproche dejaré caer: un gran disco como este se merece una portada a la altura de su contenido y, evidentemente, no es el caso. Una lástima.

“LEADER OF THE PACK” 1964. THE SHANGRI-LAS

Últimamente este blog ha estado un poco en barbecho y no porque la música haya dejado de ser capital en mi vida o porque ya no quiera compartirla a través de este blog sino más bien por razones banales (léase pereza). Intentaremos sacudirnos esta última y recuperar la inercia.

The Shangri-Las fueron uno de los “girls group” más sobresalientes de los años 60. Surgieron en 1963 cuando aún eran teenagers de la curiosa unión de dos grupos de hermanas, por un lado Mary y Betty Weiss (aunque esta última se mantuvo casi siempre en un segundo plano, con poca participación en los directos y ni siquiera presencia en las sesiones de fotos) y del otro lado las hermanas gemelas Marge y Mary Ann Ganser. Eran originarias del barrio neoyorquino de Queens, lo que les hacía diferenciarse del resto de grupos de chicas de la época, ya que crecer en un barrio duro como ese les hacía ser menos recatadas, por decirlo de alguna manera. El dramatismo era el ingrediente principal de sus letras, ellas encarnaron su propia versión del melodrama teenager. Estuvieron activas hasta 1968, cuando el grupo se disolvió. Al año siguiente Mary Ann Ganser murió de sobredosis de barbitúricos (aunque aún hay dudas sobre esto). En 1977 el resto de sus compañeras se juntaron para grabar de nuevo pero no publicaron el resultado por no estar satisfechas con él. En los 80 se reunieron para dar varios conciertos.

 
“Leader of the pack” es el LP de debut de las Shangri-Las, aunque bien es verdad que ellas fueron más un grupo de canciones (singles) que de discos. El hacedor de este disco a modo de productor y compositor principal fue George “Shadow” Morton, aunque no todas las canciones son originales, también hay 3 versiones de canciones que no pertenecen a las Shangri-Las. Como curiosidad la canción que da título al disco –y que fue su mayor éxito en EE.UU.- fue censurada durante años por la BBC, demasiado violenta en opinión de sus censores, poco recomendable para oídos adolescentes. Ellas fueron pioneras en incluir pistas sonoras extramusicales en sus canciones (ruidos varios, chasquidos de dedos, graznidos, cristales rotos, motores de motocicleta…). Las Shangri-Las fueron y siguen siendo grandes, ellas rompieron con los clichés de la época con sus tragedias y melodramas y con su rock´n´roll cubierto de un velo de inocencia, para mí ellas son imprescindibles, no hay debate que valga sobre esto.

“HAUNTED HEAD” 2013. KID CONGO & THE PINK MONKEY BIRDS

Kid Congo & The Pink Monkey Birds es el último proyecto de Brian Tristan (verdadero nombre de Kid Congo Powers). El currículum musical del señor Tristan es simplemente impresionante y proporcional a su talento, como no. Ha tocado en The Gun Club, en The Cramps y hasta con el mismísimo Nick Cave y sus Bad Seeds. Lo suyo es la guitarra y la voz, del bajo se encarga Kiki Solis, de los teclados y también de la guitarra Jesse Roberts, y Ron Miller de la batería. Estos últimos son The Pink Monkey Birds, su banda desde 2009 (aunque no todos sus miembros de hoy están bajo su mando desde entonces).

“Haunted Head” es su tercer disco con los The Pink Monkey Birds. Un viaje sonoro comandado por la voz nasal de Kid Congo Powers salpicado de paisajes dispares donde encontrar sensualidad, swing, blues y por supuesto rock´n´roll. Atrévanse, merece la pena. Asegurado.

“GIRL FROM THE NECK DOWN” 2012. SUZI CHUNK

Suzi Chunk es una galesa con una voz preciosa y portentosa. Su inspiración es el pop elegante de los 60s y 70s. Lleva en la música desde finales de los 90s formando parte de bandas varias. Es el año pasado cuando comienza una nueva aventura musical, dando un paso al frente para apoderarse del micro con poderío junto con su banda de acompañamiento Groovy Uncle, comandada por Glenn Prangnell. Lo suyo es el soul de corte mod. Insisto con su voz: fabulosa.

“Girl From The Neck Down” es el debut en largo de Suzi Chunk –poco antes publicó un single-. Grabado en Sandgate Sound Studios en Kent y publicado por State Records, cuyo lema es algo así como “discos que suenan como discos”. Las composiciones son de Glenn Prangnell. La instrumentación de las canciones –discreta, sin efectismos- sirve de excelente respaldo a la voz de Suzi, que suena como si fuera una gran dama de la Motown. Este disco es una maravilla rebosante de sonidos sesenteros a degustar con volumen, como no. Se puede comprar a través de la web de State Records (vinilo de 180 gramos), yo ya lo he hecho.