“SEASON OF YOUR DAY” 2013. MAZZY STAR

Hay discos que merecen el quedarte en casa un domingo primaveral por la mañana por muy soleada que sea esta y poner toda tu atención en escucharlo y deleitarte con ello. Este disco es uno de esos.

Mazzy Star se formaron en Santa Monica, California, en 1989 a partir del grupo Opal en el que militaban David Roback (guitarra) y su antigua novia Kendra Smith (bajista, también en los míticos The Dream Syndicate). Hope Sandoval, amiga de Roback, se convirtió en la vocalista cuando Kendra Smith dejó el grupo en medio de una gira. Siguieron un tiempo como Opal para después crear Mazzy Star. Roback y Sandoval, dos personajes esquivos y celosos de su intimidad, son el núcleo creativo de Mazzy Star, encargándose ella de las letras y él de la composición musical aunque en sus discos también se rodean de otros músicos para crear sus particulares atmósferas sinuosas. Ellos hacen una especie de folk-pop psicodélico cocinado a fuego lento con resultados sublimes que abrazan y reconfortan tanto si tu estado de ánimo está en horas bajas como si por el contrario te encuentras en un estado luminoso, su música posee esta dualidad. Minimalismo rock y sofisticación psicodélica.

“Season Of Your Day” es su cuarto disco, es el reencuentro, la continuación de Mazzy Star después de 17 años en los que sólo publicaron un single dos años antes de este disco, la continuación de esta fórmula magistral que ellos tan bien conocen. De nuevo la voz melancólica de Hope Sandoval y la guitarra de David Roback vistiéndola, como si el tiempo entre su anterior disco y este hubiera sido detenido, aunque ellos hayan seguido durante este largo periodo con diferentes proyectos y colaboraciones musicales, fieles a ellos mismos y a su manera de crear canciones juntos. “Música para amantes, música para corazones rotos” afirmaron en el comunicado de prensa previo al lanzamiento del disco. Un disco que han editado en su propio sello Rhymes Of An Hour. Un disco de parajes de ensoñación, con esa voz de enigmática dulzura merecedora de superlativos y la elegancia y mesura de esas melodías y esos arreglos magistrales. Un disco con el que emocionarte, enamorarte, ver la luz o todo lo contrario. Una joya atemporal sublime para disfrutarla en privado, en casa, tranquilamente, sin distracciones.

“BLACK AND WHITE” 1969. TONY JOE WHITE

El investigar hacia atrás en esto que llamamos música popular, hace que por el camino te encuentres joyas que brillaron y que siguen brillando a pesar del tiempo pasado. Y que te has perdido durante muchos años de tu vida pero a las que al final has llegado, a conciencia o de casualidad y ya te pertenecen. A mí me ha pasado varias veces, este disco es una de ellas. Lo descubrí en un guateque mañanero prolongación de la noche en casa de un amigo, donde hicimos chistes sobre el peinado de Tony Joe White en la foto de portada del disco comparándolo con una ensaimada mallorquina antes de ponerle la aguja encima y subir el volumen.

Tony Joe White es un veterano músico, cantante y compositor con más de dos decenas de discos publicados, nacido en 1943 en Oak Grove, Louisiana, que aún hoy en día se atreve con una gira mundial. Era el más joven de siete hermanos, criado en una granja de algodón. Las influencias de las que estuvo rodeado fueron el blues, el country y el góspel pero también por la música cajún, un mezcla de estilos musicales tradicionales introducido en el siglo XIX por los colonos franceses de Canada. De todo esto se sirvió para crear su propio género, el swamp-rock. Tony Joe White es conocido como The Swamp Fox (el zorro del pantano). Comenzó tocando en los bailes de la escuela para después formar varias bandas y tocar por multitud de clubes nocturnos de Louisiana y Texas. En 1968 se marcha a Nashville a comenzar su carrera en solitario cantando sus propias composiciones. En los 80 desapareció de la escena pero siguió entre bambalinas componiendo canciones de éxito para otros. Volvió en los 90 aunque sigue siendo un desconocido para muchos.
 

“Black And White” es su debut y el primero de los tres discos que grabaría para el sello Monument Records. El productor de esta obra mayor fue Billy Swan y los músicos David Briggs (piano & órgano), Jerry Carrigan (percusión), Norbert Putnam (bajo), Chip Young (guitarra), Jimmy Isbell (percusión), Bergen White y Cam Mullins (arreglos). Tony Joe White pondría la voz y se ocuparía de la armónica y la guitarra. Las primeras seis canciones del disco, su cara A, fueron compuestas por él. Entre ellas “Soul Francisco”, todo un éxito de la época en Francia. La cara B del disco son composiciones no propias pero de las que se adueña con maestría. El crear un género en sí mismo con la publicación de tu primer disco es algo sólo al alcance de unos pocos, de los grandes, y Tony Joe White es uno de ellos. Este disco está reeditado por Warner Music y merece formar parte de cualquier colección que se precie, amor a la primera escucha garantizado.

“LAMENT” 2014. EINSTÜRZENDE NEUBATEN

De todos, todos los conciertos en los que estuve el año pasado hubo uno de ellos que superó con creces al resto. Y no fue otro que la puesta de largo en directo de este “Lament” de mis admirados Einstürzende Neubaten. Ya se ha hablado aquí de ellos, geniales lutieres post-industriales creadores de sonidos y atmósferas únicas desde hace más de 30 años, y referirse a estos germanos como únicos hace que la palabra cobre aún más sentido, porque realmente lo son. Este concierto del que hablo tuvo lugar un frio y lluvioso lunes de noviembre en una elegante sala del boulevard Rochechouart de Paris llamada Le Trianon. Fue allí donde nos citaron los alemanes al numeroso público que nos reunimos allí a un precio poco módico pero que creo que la mayoría pagamos gustosos después de hacer balance de lo recibido . Y es que este último disco de los Neubaten no es un disco al uso –si es que alguno de ellos llega a serlo- si no que surge del encargo que les hace el ayuntamiento de la pequeña ciudad belga de Diskmuide para conmemorar el centenario del comienzo de la  I Guerra Mundial, una ciudad esta que la sufrió de lleno. Concebido como un espectáculo para ser representado en directo, fue en esta ciudad donde se estrenó a primeros de noviembre de 2014 para llevarlo de gira por diferentes ciudades que fueron escenarios de la contienda. Un réquiem de más de 70 minutos en el que han utilizado elementos ya existentes como composiciones previas y grabaciones históricas para salpicar de realismo esta obra, según ellos recreada en un estudio solo por dejar constancia pero planteada completamente para el directo. Una original representación de la primera gran guerra de la humanidad sin patriotismos ni nostalgia por lo perdido.

Este disco se grabó en Berlín, en andereBaustelle Tonstudio y producido por Einstürzende Neubaten y Boris Wilsdorf. Un doble vinilo de 180 gramos cada uno de cuidada edición, con desplegable interior donde dan cuenta de todos los elementos utilizados en su creación y que sin duda ayudan a descifrar mejor su contenido y donde agradecen la ayuda recibida de organismos oficiales, museos y archivos varios. Obra mayor este “Lament” que demuestra que Einstürzende Neubaten siguen siendo la vanguardia sonora de esta decadente Europa que nos toca compartir. Como prueba de ello en el reproductor debajo de estas líneas la canción “The Willy-Nicky Telegrams” basada en la correspondencia telegráfica entre el Kaiser Guillermo y su primo político el Zar Nicolás II al inicio de la contienda.

“CATCH MY SHOE” 2010. THE EX

The Ex son una banda con más de 30 años de singladura. Originarios de Ámsterdam, en los Países Bajos, son un colectivo con ideas sociales y políticas claras y comprometidos con el movimiento okupa aunque para ellos el centro de sus intereses es la música. Y fieles a su proyecto musical (que ellos mismos gestionan desde el principio de su carrera) pero sin dejar de investigar otras músicas y experimentar con ellas para añadirlas a sus discos, que incluyen free jazz, músicas étnicas del este de Europa y también de África, ampliando así su abanico de influencias que añadido a su particular manera de hacer punk dan como resultado un sonido propio y reconocible. El cuarteto se formó en 1979 y sin bien por el camino se apearon dos de sus componentes originales (entre ellos el vocalista G.W. Sok, que lo hizo en 2009), fueron reemplazados y siguen manteniendo la coherencia y la pasión por lo que hacen. Ellos se refieren a sí mismos como una banda de directo, y que es sobre un escenario donde se ve realmente su parte más intensa e importante. A día de hoy The Ex son Arnold de Boer (voz y guitarra), Andy Moor (guitarra y guitarra barítona), Terri Hessels (guitarra y guitarra barítona) y Katherina Bornefeld (percusiones).    

“Catch My Shoe” es el primer disco que grabaron con el nuevo vocalista, Arnold de Boer. De nuevo aquí The Ex da muestra de su poderío sonoro a base de guitarras afiladas, ritmos disonantes y su ruidismo energético. Publicado, como no, en su sello Ex Records y grabado en los estudios Electrical Audio en Chicago con la ayuda de Steve Albini. Cuentan con la colaboración de Roy Paci a la trompeta en un par de canciones. Un disco musculoso de poderosa pegada, con la intensidad y la crudeza marca de la casa de estos holandeses irreductibles.

De que a The Ex hay que verlos en directo doy fe. Va a hacer dos años que los pude ver en l’Abordage, en Evreux. Aquella noche el telonero fue Zerfu Demissie, que les acompañaba en la gira, un etíope que consiguió tenernos a todos en silencio y expectantes de su voz y de los extraños sonidos graves que salían de las gruesas cuerdas de su enorme instrumento tradicional. Y después de está exótica experiencia la explosión sonora vertiginosa de The Ex, que mantuvieron una intensidad durante todo el concierto impropia de gente ya bien entrada en años como ellos (menos su vocalista, el “jovencito” del grupo). Aquella noche volví a casa con este disco bajo el brazo y con la sensación de haber asistido realmente a un conciertazo, uno de esos que recordarás siempre.

“DARKER CIRCLES” 2010. THE SADIES

The Sadies es una banda de rock con influencias del country, del folk e incluso psicodélicas entre otras, con personalidad propia, de las que se mantienen fieles a su propuesta y cuyo sonido es reconocible a las primeras de cambio en cualquiera de sus canciones, con una comunicación entre sus guitarras muy particular, capaces de crear atmósferas intensas apoyados por una sección rítmica poderosa. La carrera de estos canadienses de Toronto comenzó a finales de los 90 y durante todos estos años han mantenido el nivel de sus discos y que, como les he leído decir, les une la misma idea sobre lo que es el éxito y que al igual que las bandas con las que crecieron y a las que respetaron, ellos están creando un legado. Para ellos lo primero es The Sadies, se consideran parte de una larga tradición musical. The Sadies están liderados por los hermanos Dallas y Travis Good (voces y guitarras principalmente), y junto a ellos están Sean Dean (contrabajo) y Mike Belitsky (batería). Además de sus propias grabaciones, los canadienses también colaboran con diferentes músicos e incluso son banda de acompañamiento de algunos de ellos.

“Darker Circles” es otro disco que confirma la solidez de la carrera de The Sadies, producido por Gary Louris (The Jayhawks), en el que de nuevo con maestría construyen sus canciones y sus paisajes sonoros entrelazando sus guitarras y creando melodías maravillosas, jugando con el ritmo para acelerar o pausar la marcha, y salpicando las composiciones de sus diferentes influencias y referencias musicales. También usan las armonías vocales para añadir intensidad y hacer de la audición una experiencia muy agradable. Un discazo el de estos caballeros del rock elegante de botas de tacón cubano.

El año pasado los pude ver en directo en el Monkeey Week aunque la verdad es que hubiera preferido verlos en una sala más pequeña que el Teatro Pedro Muñoz Seca, donde el escenario era exageradamente grande y la afluencia de público de aquella noche de domingo no fue la esperada. Cierto es también que me perdí parte del concierto en conversaciones en la barra del bar, llevábamos desde temprana hora cerveza en mano por las calles del Puerto de Santa María…

“NO DEAL” 2013. MELANIE DE BIASIO

La sencillez y la sensibilidad de la música que hace Melanie de Biasio ha sido un agradable descubrimiento reciente para mí. Esta belga de madre belga y padre italiano nacida en Charleroi, de muy pequeña empezó con el ballet para seguir con la flauta y terminar estudiando canto y armonía en el conservatorio de Bruselas. Sus primeros grupos fueron bandas de pop-rock pero finalmente fue el jazz y la escena jazz belga donde se sumergió musicalmente. Una grave infección pulmonar le costó un año de silencio y la poco agradable experiencia de estar al borde de la muerte. En 2007 publicó su primer disco en solitario. Sobre ella misma habla poco, usando como argumento que su vida carece de importancia, que si alguien quiere conocerla de cerca que escuche su música.

 
“No Deal” es su segundo disco para el cual ella dice haberse tomado su tiempo para encontrar a los músicos adecuados y después de mucho tocar en directo con ellos, meterse en el estudio donde la comunicación fluía sin necesidad de palabras. Este disco es una suave mezcla de diferentes influencias y donde los silencios son parte importante de la ecuación. Hay jazz, hay blues, también soul y matices enriquecedores por doquier. Sus letras versan sobre el amor, unas letras que cogen cuerpo en su voz profunda, sensual y fascinante. Un disco poroso, sombrío, intenso e hipnótico que evoca cierta sensación de ingravidez, tanto más cuanto más subes el potenciómetro del volumen en la intimidad de tu casa. Un maravillosa obra vocal de una hermosura cautivadora, una joya.

Hace poco había programado un concierto suyo en una sala no muy lejos de donde vivo y al cual ansiaba ir pero desgraciadamente suspendió su gira europea. Habrá que estar pendiente por si la oportunidad vuelve aparecer, que espero no tarde mucho.

“I WAS A SWALLOW” 2008. PUERTO MUERTO

Puerto Muerto fueron un dúo de Chicago (aunque creo que originarios de San Luis) y también matrimonio compuesto por Christa Meyer y Tim Kelley. En principio parece ser que la pareja quería abrir un bar bajo este nombre pero que finalmente fue el proyecto musical el que terminó cogiendo forma. Comenzaron en 2003 y tras varios discos, singles y EPs en 2010 pusieron fin a su relación y con ello también a su folk oscuro y melódico con la publicación de su último trabajo (al menos hasta la fecha, que yo sepa).

“I Was A Swallow” fue su cuarto álbum, compuesto por 10 canciones con un imaginero particular con cierto toque cabaretero. Una especie de country-gótico por momentos épico es el que conforma la atmósfera de este disco, donde hay multitud de matices sonoros. Fue publicado por el sello que los descubrió, Fire Records. Un disco nocturno con una aureola extraña y magnética del que disfrutar con luz tenue en la intimidad de una fría tarde de otoño, una de esas en las que tu aprecio hacia tu casa se multiplica debido a lo poco agradable del estar al otro lado del cristal.

A Puerto Muerto recuerdo vagamente haberlos visto en el Teatro Central en Sevilla en el ciclo Pop-Rock de 2008 aunque no me acerqué a sus discos hasta mucho después, craso error.

“LIFE, LOVE AND LEAVING” 2001. THE DETROIT COBRAS

The Detroit Cobras son una banda de rock de la hoy en día decadente ciudad de Detroit. Lo que ellos hacen es casi una labor de arqueología musical, rebuscan meticulosamente entre el rock’n’roll, el rythm&blues y el soul más añejo para encontrar grandes canciones la mayoría de ellas olvidadas y grabar versiones a las que les aportan frescura y que redibujan a base de garage-rock. Aún en activo, esta banda comandada por mujeres –los cambios de formación han sido una constante pero siempre el dúo de féminas Rachel Nagy (voz) y Maribel Restrepo (guitarra) se ha mantenido- publicó su primer disco en 1998 aunque antes de esto ya habían tocado en multitud de clubs de pequeño aforo, de esos en los que corren el sudor y la cerveza.

“Life, Love And Leaving” es su segundo disco donde hay versiones de temas de Ike Turner, Mary Wells, Ottis Redding y Salomon Burke entre otros. Para grabar este disco The Detroit Cobras fueron Rachel Nagy (voz), Dante Aliano (guitarra), Maribel Restrepo (guitarra), Eddie Hawrsh (bajo, órgano y piano), Damian Lang (batería) y también James Wailin (armónica) y Jeff Grand (guitarra slide). El productor fue Al Sutton y fue grabado en los Rusbelt Studios y editado por Sympathy Records (aunque en Europa fue el sello británico Rough Trade quien lo hizo). Un disco fresco y enérgico a base de relecturas de viejos singles, con la potente voz de la ex-stripper Rachel Nagy a modo de batuta, melódico y elegante pero a la vez con la crudeza que Detroit siempre imprimió al rock. Todo un discazo que ya había escuchado antes pero que llegó a mis manos este verano en mis vacaciones en Gijón, cuando después de jugar con las olas en la playa de San Lorenzo me encaminé aún con el flequillo mojado a la estupenda librería Paradiso que tenía allí entre sus cajones de discos esta maravilla con esa magnífica foto de portada que invita a fantasear con esos carnosos labios…

“CHET BAKER SINGS” 1956. CHET BAKER

Chet Baker fue un trompetista de jazz dotado de una sensibilidad y de un extraordinario talento cercano a la genialidad. Fue un gran exponente del sonido cool jazz de la costa oeste americana de los años 50. Comenzó su carrera en Los Angeles junto a Charlie Parker, luego con Stan Getz y después continúo en el cuarteto de Gerry Mulligan donde comenzaron a grabar con el recién creado sello Pacific Jazz. Poco después Chet Baker montaba su propio cuarteto y seguía grabando con Pacific Jazz y alimentando su popularidad hasta el punto de participar en una película (Hell’s Horizon, 1955). Su frágil belleza masculina y su exquisita manera de cantar y de tocar la trompeta le abrían todas las puertas en aquella época, incluso en Europa, por la que giraba habitualmente. Pero también en estos años exitosos fue cuando comenzó su declive debido a su destructiva adicción a la heroína que le llevó a pisar en varias ocasiones la cárcel y que interfirió notablemente en su carrera musical en los años 60, años llenos de problemas legales debido a las drogas. En 1966 sufrió una brutal paliza debido a un asunto de drogas en la que perdió varios dientes y que le afectó a la mandíbula y por ello tuvo que cambiar su forma de embocar la trompeta y cantar, obligándole a comenzar de cero. A finales de los 60 sus apariciones eran esporádicas, a principios de los 70 desapareció por completo. Gracias a Dizzy Gillespie y a la metadona pudo retomar su carrera a mediados de los 70 e incluso volver a tocar en Europa. En 1987 caía por la ventana de un hotel en Amsterdam después de consumir heroína y cocaína según la autopsia, poniendo fin a su caos vital narcotizado y lleno de traiciones y mentiras para conseguir la siguiente dosis. Un trágico final para una carrera musical a la deriva en la que nunca tomó las riendas y que siempre fue conducida por terceros y que seguramente para él no significaba otra cosa que el poder mantener su adicción. Como músico fue un genio, no cabe duda, como persona fue un ser detestable, despiadado y manipulador. Tiene que ser triste que ni siquiera tu madre –entre otra mucha más gente- tenga buena opinión de ti, como fue su caso.

“Chet Baker Sings” fue la primera incursión vocal de Chet Baker, dando a conocer sus aptitudes vocales y a partir de aquí sería una constante en su carrera. Fue publicado en principio en 1954 como un diez pulgadas pero dos años más tarde Pacific Jazz incluyó seis temas más grabados ese mismo año y los incorporó a los ocho originales y lo publicó en formato LP. El protagonismo es indiscutiblemente para la voz de Chet Baker dejando un hueco también para los momentos en los que emboca su trompeta. La suavidad y delicadeza de su voz, pausando cada una de las palabras, y su trompeta frágil y melancólica crean una atmósfera envolvente y conmovedora. Las canciones fueron grabadas en Los Angeles entre 1953 y 1956 junto con un extraordinario elenco de músicos. He aquí una maravillosa colección de canciones evocadoras de épocas pasadas.

“JUST AS I AM” 1971. BILL WITHERS

Bill Withers nació a finales de los años 30 en Virginia Occidental, en los EE.UU. Su infancia estuvo marcada por la tartamudez y el asma, dolencias que superó gracias a su abuela. Al cumplir la mayoría de edad se alistó a la Marina, donde comenzó a interpretar y a escribir canciones. Tras esto se mudó a Los Ángeles con la intención de comenzar su carrera musical. Allí empezó a trabajar como operario mientras grababa singles que pagaba de su propio bolsillo y actuaba en clubes nocturnos. Incluso después de publicar su primer éxito “Ain´t Not Sunshine” (que llegó al No. 3 en las listas yanquis e incluso ganó un Grammy) siguió con su trabajo pues la industria musical era a su parecer poco estable y él humildemente se consideraba un principiante. Grabó 8 álbumes de estudio más otro en directo hasta 1985. En 1989 decide aparcar su carrera definitivamente para volver a su familia y amigos, un círculo de amigos ya formado antes de que le llegara la fama. Sólo reaparecería en contadas ocasiones en discos ajenos. Un giro que no hace más que engrandecer la figura de este soulman que pudiendo haber reclamado el estatus de estrella siempre se negó a hacerlo. Un músico que llegó a la cumbre, se codeó con los grandes, que fue alabado pero que nunca perdió la perspectiva y que decidió apartarse del brillo de los focos y de la fantasía de las drogas.

“Just as I Am” es el primer disco de Bill Withers, grabado en unos estudios en Hollywood bajo la producción de Booker T. Jones para el sello Sussex. Es un disco de soul donde no hay abuso de artificios y en el que la voz de Bill Withers se luce consiguiendo trasmitirte sus estados de ánimo. Todas las canciones del disco están escritas por Bill Withers excepto un par de versiones (entre ellas el “Let It Be” de los Beatles). Como disco de debut sorprende por ser un disco “completo”, posee la rotundidad que otros consiguen sólo después de muchos intentos. 12 canciones magníficas en las que la producción hila fino para agrandar su poderío y su luminosidad. Después de muchos años descatalogado yo he podido hacerme con este disco, reeditado en 2012 en vinilo de 180 gramos. Y he de decir que seguramente es uno de los discos que mejor suenan cuando le pongo la aguja encima de los que forman mi humilde colección. Una joya de un gran resplandor sonoro.

“MOBILISATION GENERALE. PROTEST AND SPIRIT JAZZ FROM FRANCE 1970-1976”

Para reunir una colección de canciones como las que aparecen en este magnífico recopilatorio hace falta una minuciosa labor de rastreo. Es lo que han hecho, con muy buen gusto y no menos buen hacer, la gente del sello francés Born Bad Records. Ellos reúnen aquí 12 singles de música subterránea como forma de sublevación contra el sistema en la Francia de los 70. Músicos de izquierda que a través del free jazz salpicado de sonidos africanos y spoken word de textos comprometidos querían compartir su malestar en aquellos años convulsos y llenos de rabia contra la opresión evidente del estado hacia ciertos sectores de la población y la búsqueda de una realidad social diferente utilizando la protesta como medio de presión. Un reflejo de los movimientos de protesta de entonces cuyo mensaje después de 40 años sigue estando de actualidad a pesar de las capas de maquillaje que se le quieran echar encima. Una estupenda compilación en doble vinilo 180 gramos en carpeta desplegable y cubierta decorada con coloridas ilustraciones de Camille Lavaud, convirtiéndolo también muy apetecible visualmente. Un auténtica joyita esta movilización general de sonidos…

“GANTS AGAIN!” 1966. THE GANTS

The Gants fueron una banda de garage-rock -aunque muy influenciados por los Beatles- del sur de los Estados Unidos, exactamente de Greenwood, Mississippi. Comenzaron llamándose The Kingsmen para luego pasar a ser llamados The Gants. En 1963 se juntaron para hacer covers (versiones) de rythm&blues Sid Arenque (voz y guitarra), Johnny Freeman (guitarra), Vince Montgomery (bajo eléctrico) y Don Wood (batería), muy jovencitos todos, de hecho Johnny Freeman tuvo que abandonar porque su padre no le dejaba salir de su ciudad para dar conciertos. Su trayectoria fue breve, sacaron 3 discos y varios singles y después se acabó, pero su sonido aún a día de hoy sigue siendo fantástico.

“Gants Again!” fue su  segundo disco, lleno de covers en los que las canciones originales cobran una nueva vida y que hacen pensar que hubiera sido de esta banda si hubieran dado rienda suelta a su lado creativo y compositivo en vez de centrarse en versionear (aunque no se dedicaran a ello en exclusiva). Este disco está compuesto de 12 cortes breves pero certeros, donde hay frescura y sabor sesentero, ideal para sobrellevar la canícula…

“PHOSPHENE DREAM” 2010. THE BLACK ANGELS

La psicodelia sigue estando presente y The Black Angels son uno de sus máximos exponentes actualmente. Son tejanos, de Austin, el nombre de la banda lo tomaron de la letra de una canción de la Velvet Uderground. Se juntaron a finales de 2004 y son creadores de un sonido propio y particular -una potente psicodelia garagera de la que no deja indiferente- y en el que se reconocen influencias a las que ellos ponen su sello cubriéndolas de un velo sombrío jugando con ritmos repetitivos y melodías oscuras y el desarrollo sinuoso de las canciones, que son billetes para viajes sin desplazamiento llenos de experiencias sensoriales. También han sido banda de acompañamiento de Roky Erickson (fundador y líder de The 13th Floor Elevators). Los multinstrumentistas que forman The Black Angels son Alex Maas (voz, bajo, teclados), Christian Bland (guitarra, drone machine, órgano), Nate Ryan (bajo, guitarra), Kyle Hunt (Teclados, percusión, bajo, guitarra) y Stephanie Bailey (batería), todos juntos forman un poderoso y experimentador combo sonoro capaces de transmitir coordenadas para traspasar la a veces opaca realidad.

“Phosphene Dream” es su tercer LP, un estupendo disco de psicodelia sesentera, de blues-rock, de psych-rock y de oscuridad lisérgica lleno de atmósferas envolventes  con explosiones guitarreras y ruidismo bien encauzado. Fue grabado en Los Angeles, las labores de producción corrieron a cargo de Dave Sardy y fue publicado por el sello Blue Horizon. El disco gana enteros escucha tras escucha, háganme caso, un discazo “tan pertubador como cautivador”, como leí en una crítica no recuerdo dónde… The Black Angels, punta de lanza de la neo-psicodelia actual.

“SEE YOU IN HELL” 2014. LOS SENTÍOS

Los Sentíos están de vuelta –si es que alguna vez se marcharon-, de vuelta a lo que más les gusta, el rock’n’roll. Ellos son los abanderados de la escena rock’n’roll sevillana, por su buen hacer, por trayectoria y por actitud. Yo siempre he dicho que la actitud no se ensaya, o se tiene o no se tiene, no valen las medias tintas, y ellos la tienen porque les apasiona lo que hacen y lo que hacen lo convierten en forma de vida. 16 años ya del comienzo de la andadura da para mucho y este mucho en manos diestras como las suyas se traduce en calidad en las composiciones y poderío en directo. Los Sentíos lo fundaron Edi Tachera, Antonio León y Miguel Díaz. Ellos han sido los permanentes Sentíos, el “nucleo duro” y el alma de esta banda tan particular y que la perspectiva que da el paso del tiempo pondrá en su sitio, pues como suele ocurrir en la España que padecemos desde hace demasiado tiempo, proyectos geniales como este pasan desapercibidos demasiadas veces.

“See you in hell” es un mini-LP de 5 canciones editado en vinilo de 10” y también en formato digital. Es la antesala de lo que será su próximo LP que tienen previsto grabar el próximo otoño. Con este mini-LP comienza la relación de Los Sentíos con Grabaciones Cowabunga, que también se hará cargo de la edición del próximo LP. Con “See you in hell” Los Sentíos han dado un giro espléndido a su estilo, eminentemente power-popero, virando hacia la americana a base de madera, poderoso contrabajo, lap steel y cambiando las baquetas de la batería por escobillas pero manteniendo su estilo propio en las guitarras y la pluma afilada en sus letras. Ha sido grabado en los estudios La Mina con Raúl Pérez como ingeniero de sonido. Ahora Los Sentíos son Edi Tachera (voz principal), Antonio León (guitarra y coros), Miguel Díaz (guitarra solista y coros), Rafa Torres (contrabajo) y Alberto Romero (batería) y cuentan en este disco con la colaboración de Paul Laborda (lap steel, trompeta y armónica). Este es la 5ª referencia en la larga trayectoria de estos sevillanos para los que el humor y la fina ironía son estandarte -basta coincidir con ellos en una barra de bar cualquiera para dar fe de ello-. Este es un disco “realmente bonito”, como ellos lo definen, una maravilla de disco de esos que te salvan el día y que consiguen sacarte una sonrisa por muchos motivos que tengas para todo lo contrario y que te incita, por qué no, a abrirte una cerveza y disfrutar de la escucha. La cuidada edición en vinilo merece hacerse con ella, ilustrada con una foto de un concierto callejero en la capital hispalense. Pueden hacerlo a precio módico aquí:

http://www.cowabungastore.com/cms/grabaciones-cowabunga-store/

Y para los que lo prefieran en digital (descarga canción a canción) aquí:

http://lossentios.bandcamp.com/

Los Sentíos están de gira para presentar este nuevo trabajo, no lo duden, si pasan por su ciudad vayan a verlos y si no es el caso cojan el coche y hagan kilómetros para hacerlo, valdrá la pena, asegurado, se aceptan reclamaciones a la dirección de contacto de este blog. Larga vida a Los Sentíos, y si no es así nos vemos en el infierno amigos!