“SPECULATION” 2010. TO ROCOCO ROT

Los hermanos Robert y Ronald Lippock (también miembro del dúo Tarwater este último) junto con Stefan Schneider forman To Rococo Rot. Los primeros son originarios de Berlín y el segundo de Düsseldorf. Comenzaron a mediados de los 90 a hacer electrónica de vanguardia utilizando también instrumentos acústicos. La calidad de sus composiciones es el denominador común de su trayectoria, una trayectoria que si bien no ha conseguido el éxito comercial –ni falta que hace- si que goza del reconocimiento de la crítica y del público. Ellos juntan con maestría sin hacer que colisionen sonidos electrónicos con sonidos acústicos convencionales.

“Speculation” es su último trabajo. Fue grabado en el sur de Alemania en el estudio de los míticos Faust. Aquí Robert Lippock se encarga del sintetizador, programación y electrónica varia, Ronald Lippock de la percusión, teclados, samplers y también del sintetizador y programación. Stefan Schneider aporta bajo, guitarra y teclados. Es este un ejercicio de atmósferas electroacústicas con buenas melodías y ritmos pulsantes, estructuras abstractas y hábiles manos deslizándose por los instrumentos. Un muy buen disco de electrónica de salón amable y elegante. En la línea de To Rococo Rot, sin duda.

A To Rococo Rot los he visto en directo en 2010 en el ciclo Electrochock de la Universidad de Sevilla. Fue un concierto en formato dúo debido a problemas de conexión entre vuelos que dejó a uno de ellos atrapado en un aeropuerto. De todas formas lo disfruté, venían con “Speculation” debajo del brazo recién editado. Y bastantes años antes que esto -2001 creo recordar- pude ver a Robert Lippock en el Monasterio de La Cartuja, en Sevilla, dentro del festival Arsónica, donde me dejó hipnotizado con sus sonidos claroscuros y su camiseta de Spiderman. Pena que este festival no tuvo continuación, fue su primera y última edición.

Dedicado en la distancia a mi amigo Curro, que se que le va a gustar este disco.

"NO OS CREÁIS NI LA MITAD" 2012. NACHO UMBERT & LA COMPAÑÍA

Nacho Umbert es un barcelonés que en los noventa comandó un efímero pero interesante grupo llamado Paperhouse. En 1996 editaron su único disco, después de esto se distanció de la música olvidándola por completo. En 2010 publicó su debut en solitario volviendo sobre sus pasos para tomar otra senda musical muy distinta y personal. La Compañía es su banda de apoyo instrumental.

“No os creáis ni la mitad” es su segundo disco en solitario y la reafirmación de su particular universo musical. Este es un disco de canción de autor eminentemente pop. Una colección de historias cotidianas plagadas de personajes y repletas de costumbrismo, musicadas con una instrumentación refinada y evocadora. La producción corre a cargo de Raül Fernández –que también produjo su disco anterior-. Mar y Alicia Álvarez de Pauline en la playa colaboran prestando sus voces en alguna escena del disco. Este disco es una colección de preciosas canciones descriptivas llenas de sensibilidad. Los textos son en español y también en catalán, mezclándose ambos sin reivindicaciones políticas ni problemáticas de ningún tipo. Bravo por Nacho Umbert, todo un disfrute la escucha de este disco tan bonito, uno de esos de los que te pueden salvar el día, medicina sonora para sobrellevar mejor el malestar general que tan expandido parece estar a día de hoy.

Feliz año, ánimo y fuerza a tod@s, la lucha por salir adelante y contra los que se empeñan en que nuestras vidas sean más penosas continúa…

“SMALL FACES” 1966. SMALL FACES

Small Faces fueron una banda británica punta de lanza del movimiento mod en los 60. Comenzaron en 1965 y se disolvieron en 1969, cuando sus miembros empezaron a tomar caminos musicales diferentes con otros proyectos que en mi opinión no merecen mención. A mediados de los 70 se juntaron de nuevo para grabar aunque sin mucha repercusión. La formación original eran Steve Marriott (vocalista y guitarra), Ronnie Lane (bajo), Jimmy Winston (teclados, aunque al año siguiente fue sustituido por Ian McLagan) y  Kenney Jones (batería, quién a finales de los 70 formaría parte de The Who). El peso creativo recaía casi exclusivamente en Marriott y Lane. La elegancia era seña de identidad en el vestuario de la banda y la poderosa voz de Marriott aportaba carácter a sus canciones. Los parámetros sonoros de la banda eran el soul, el rhythm&blues y el pop. El nombre del grupo vino de un comentario de la novia de Marriott que dijo que eran unos “caras pequeñas” debido a la corta estatura de todos ellos.

Este es su LP de debut aunque antes ya habían editado algunos singles. “Small Faces” es un disco para condimentar con alegría sonora el día, un clásico jubiloso y lleno de ritmo y también con tramos de estupenda psicodelia, plagado de enérgicas canciones con las que dejar atrás la pesada rutina diaria. Este vinilo fue un recuerdo sonoro del último festival Euro Ye-Ye que conseguí curioseando entre los muchos cajones de discos que había en el mercadillo de este longevo festival mod en tierras astures del que tan estupendo recuerdo guardo. Recomendado para su escucha subir el volumen y retirar lo que sobre alrededor por si las caderas deciden arrancarse a bailar.

“MAGIC STILL EXIST” 1987. THE LEOPARDS

The Leopards son una banda de culto. Y esto es por su sonido, con una marcada personalidad, reconocible. Formada a mediados de los 70 por cuatro tipos de Kansas City que después de rechazos varios decidieron autoeditarse su primer disco. Fue en 1977. De aquellas era difícil el hacer que te prestaran atención reivindicando un sonido anacrónico para la época como el que ellos poseían. Diez años más tarde publicarían el discazo del que hablo aquí –esta vez con el apoyo del sello Voxx-. Y hasta hoy nada más.
 

“Magic Still Exist” es una maravilla de disco, redondo de principio a fin. Una joya pop energizante, con mucha fuerza emocional, al menos para mí. Preciosas y sutiles melodías rodeadas de intensidad sonora muy diestramente elaborada. Power pop y new wave pero con influencias sesenteras británicas aunque la verdad es que pretender clasificar un sonido tan particular como el de estos iluminados del rock se hace harto difícil. En resumen, un pedazo de disco para escuchar en cualquier momento y para mostrar a quién sepa apreciarlo. El resto merece seguir desconociendo la existencia de The Leopards. A mí me lo mostraron –este disco-, yo solo puede que hubiera tardado mucho más en hallarlo o incluso no hacerlo jamás, es por ello que lo comparto.                                                                       

“BARRETT” 1970. SYD BARRETT

Roger Keith Barrett, más conocido como Syd Barrett fue un músico inglés de un notable talento al que su débil estabilidad mental acrecentada por el abuso de las drogas mermó su capacidad creativa hasta el punto de llegar a anularla completamente y de influir en su personalidad hasta hacerlo un ser irreconocible para sus allegados. Una oscura historia de decadencia la suya. Fue líder, cantante, guitarrista y compositor de Pink Floyd en sus inicios, pero sólo dos años después de la fundación de la banda el resto de miembros lo empujó a abandonar el barco debido a sus problemas mentales que afectaban a su comportamiento. Después de Pink Floyd Barrett grabó tres discos a principios de los 70 –uno de ellos rechazado entonces por la discográfica y publicado finalmente a finales de los 80-. Después de esto el ostracismo hasta su muerte en 2006 a los 60 años.

“Barrett” es un disco extraño y brillante, humano y desgarrador. En algunos momentos el disco se torna desordenado y sincopado reflejo quizá del momento vital de su creador. Aquí las influencias y el gusto por el blues de su creador salen a relucir. Fue grabado en los estudios Abbey Road y producido por David Gilmour (quién lo sustituyó en Pink Floyd tras su forzosa marcha), que también se encarga del bajo y de algún instrumento más. Para sacar adelante este disco Gilmour y la compañía discográfica tuvieron trabajo extra motivando e intentando que Barrett se centrara. Algunas canciones están decoradas con arreglos extra y en otras la sencillez es la marca. La portada es una ilustración del propio Barrett. Es este un disco de escucha reposada, para intentar comprender el universo interior de su creador al que quizá las luces de la fama empujaron o convencieron para virar hacia la sombra.

“/// CODENAME:DUSTSUCKER” 2004. BARK PSYCHOSIS

La inercia de este blog se ha visto alterada últimamente por la coyuntura económica y laboral de esta España nuestra, que finalmente me ha empujado a mudarme por trabajo con nuestros vecinos del norte. Intentaré seguir escribiendo en este blog desde mi nueva ubicación cercana a Paris. Saludos a tod@s desde Francia.

Bark Psychosis fueron una banda inglesa -más concretamente del este de Londres- cuyo sonido propio es un referente dentro del post-rock. El grueso de la banda eran Graham Sutton (vocalista y guitarra además de verdadero artífice del proyecto), John Ling (bajo), Daniel Gish (teclados) y Mark Simmett (batería). Las colaboraciones de otros músicos eran habituales en sus grabaciones. Se formaron en 1986, se disolvieron en 1997 aunque más tarde Sutton volvió a rehacer la banda para grabar el magnífico disco del que hablo en esta entrada. Su discografía no es muy extensa, sólo tienen en su haber 2 LPs además de varios EPs y singles.

Este es el 2º y último disco de Bark Psychosis. “/// Codename Dustsucker” contó con la colaboración de numerosos músicos, entre ellos Lee Harris, batería de Talk Talk, cuya aportación es clave. Fue grabado en Sound Dustsucker, estudio dirigido por el propio Graham Sutton. Este es un disco de texturas variadas y melodías reflexivas, de atmósferas sonoras llenas de claroscuros y susurros y con una amplia variedad instrumental. Las canciones se desarrollan dentro de un delicado orden, resultando un disco orgánico y armonioso con un sonido que apunta certero a las sensaciones. Una verdadera joya sonora de muchos quilates que pide intimidad para su disfrute. Pues eso, que ustedes lo disfruten, salut!

“THE SOMETHING RAIN” 2012. TINDERSTICKS

Tindersticks ya han sido alagados en este blog. Siguen siendo uno de mis grupos favoritos. Ellos hacen una música muy personal y reconocible. Pop de cámara con muchos matices en forma de arreglos y también elegancia y pulcritud. Y como no, la inconfundible voz de Stuart A. Staples. A día de hoy el núcleo duro de Tindersticks lo integran tres miembros en vez de cinco como antaño –aunque estos tres saben rodearse de buenos músicos para grabar sus discos y para mostrarlos en directo en sus giras- pero esto no resta calidad al resultado final sino que hace evolucionar el rumbo de la banda. Tindersticks son una banda imprescindible, de una grandeza musical con mayúsculas.

“The Something Rain” es su último disco, el noveno en casi 20 años de –en mi opinión- magnífica trayectoria. Este es un disco sensual y misterioso, donde unos Tindersticks más experimentadores dejan atrás la sección de cuerda para dar más protagonismo a la sección rítmica. Ahora suenan algo menos melancólicos y más oscuros. De la producción de este disco se ha encargado el propio Stuart A. Staples en su propio estudio Le Chien Chanceux en Lemosín, Francia. Es en Francia donde vive él junto con su mujer y sus cinco hijos. Es este un disco que emociona y hace vibrar, a cualquiera.

Esta semana he visto en directo a Tindersticks. Ha sido dentro del ciclo Pop-Rock en el Central, un ciclo en el que tantos y tan buenos conciertos hemos podido ver aquí en Sevilla. Con este concierto el Teatro Central ha inaugurado su nueva temporada. Y van 20 años ya de excelente programación. Un concierto imperdible en el que Tindersticks, comandados por el Sr. Staples, nos presentaron este su nuevo disco y nos deleitaron a los asistentes, haciéndonos marchar a casa con un precioso recuerdo aún resonando en nuestros oídos. Larga vida a Tindersticks.

“1980” 2012. VLAD NEDHELCU

Vlad Nedhelcu es el nuevo proyecto después de meses de cuidada cocción de Curro Molina y Raúl Garrido. A ambos los considero amigos cercanos y también grandes músicos. Ellos también son grandes amigos desde la infancia y ya estuvieron juntos en Sílice, otro proyecto musical que se prolongó durante diez años. Curro es integrante de otras formaciones musicales de esta mariana ciudad de Sevilla además de cultivar otras artes. Del bajo y las programaciones se encarga Curro y de la guitarra y también de las programaciones Raúl.

“1980” es su primer material a modo de álbum de presentación. Todo autoeditado y de producción casera pero esto no desmerece el sonido conseguido, con una calidad evidente. Cinco canciones con electrónica de salón mezclada con post-rock (esto último es fruto de sus raíces). El título de este trabajo hace referencia al año en el que creen recordar que empezó su larga amistad, la foto de portada es de ambos en un decadente parque infantil cuando aún la inocencia rodeaba sus vidas. Muy recomendable este “1980”, a disfrutar de todos sus matices sin escatimar en volumen. Aquí un enlace para descargar este álbum, como siempre con permiso de sus creadores:

http://vladnedhelcu.bandcamp.com/album/1980

(Para descargarlo picar sobre la opción BUY NOW, despúes aparece la opción de realizar una donación que ellos agradecerán enormemente para invertirlo en equipo para llevar estas canciones al directo, si vuestras maltrechas economías no pueden permitirse el lujo o simplemente no os apetece colaborar solo tenéis que poner 0 en la casilla que aparece).

“RADIOS APPEAR” 1977. RADIO BIRDMAN

Formados en 1974 en Sidney, Radio Birdman fueron una banda capital en la escena australiana y no sólo en su época sino también posteriormente, incluso traspasando fronteras lejanas para ellos. Rob Younger (voz) y Denis Tek (guitarra) fueron los hacedores de ello al juntar sus respectivas bandas –TV Jones y The Rats-. Tras varios cambios iniciales la formación se completó con Chris Masuak (guitarra rítmica), Warwick Gilbert (bajo), Phillip Hoyle (teclados) y Ron Keeley (batería). El nombre de la banda viene de una canción de The Stooges. La figura de Denis Tek –criado en Detroit- como líder compositivo es clave como propulsor en el grupo de los sonidos de bandas míticas de esa ciudad. Comenzaron a darse a conocer gracias a sus incendiarios conciertos, llenos de punk-rock que festejaba las raíces del rock&roll de los 60. No obtuvieron reconocimiento en su época pero sí después, hoy en día son una banda de culto. Su existencia fue breve, en 1978, tras una gira inglesa con pocos medios y llena de desavenencias entre sus miembros, se disolvieron aunque en 2006 se volvieron a juntar e incluso grabaron un LP.

“Radios Appear” fue su espectacular debut en largo, un debut formado por canciones rápidas, intensas y agresivas. Este es un disco vibrante, editado en el año cero de la explosión punk y que demostró que el punk también podía ser sutil y en cierta manera elegante e incluso pop. Fue publicado en diferentes ediciones y reeditado en años posteriores con cambios en el set-list. Todo un discazo para disfrutar aderezado con abundante volumen.

“DREAM SIGNALS IN FULL CIRCLES” 2000. TRISTEZA

Tristeza son una banda de post-rock –aunque quizá también encajara en otras etiquetas- originarios de San Diego, California. La formación eran Christopher Sprague (guitarra), James Lavalle (guitarra), Luis Hermosillo (bajo), Stephen Swesey (teclados) y James Lehner (batería). Su historia comenzó en 1997 y con el paso de los años algunos se marcharon y otros se incorporaron a la banda. Su música no hace honor a su nombre. Su fórmula se basa en cuidadas melodías apoyadas en buenas bases rítmicas. Sus composiciones son dinámicas, se sirven de guitarras que suenan limpias y de patrones repetitivos entrelazados sutilmente.

Su segundo disco fue este “Dream Signals In Full Circles”. Fue grabado en unos estudios de Chicago y producido por Dave Trumfio. Tuvo una buena aceptación en todo el mundo y resultado de ello fue que lo giraron también por Europa y Japón. Es un disco instrumental, de atmósferas salpicadas a veces de jazz y a veces de psicodelia. Usan tempos alegres y por momentos ralentizados. Muchos son los detalles y matices de este disco, con un sonido marcado por la suavidad y la belleza. El clima que crean es relajado y reflexivo. Un disco de indudable calidad que durante su escucha transmite una sensación de equilibrio, fantástica banda sonora para un fin de semana en casa, porque no se puede salir todos los findes, alguno hay que saltárselo.

“EZLEKUAK” 2007. LISABÖ

Lisabö son ante todo grandes amigos. Siempre lo han dicho, aún a pesar de los varios cambios de formación en su trayectoria. Son vascos, orgullosos de ello, de Irún, un pueblo guipuzcoano junto a la frontera francesa. Las letras de sus canciones siempre en euskera. Empezaron sin pretensiones en 1998. Son experimentadores sonoros y de sensaciones donde el denominador común es la potencia y la intensidad, y mucha. Parte importante de su particular sonido son las dos baterías que usan, las cuales a veces suenan independientes y otras golpean brutalmente a la vez. Sus discos son densos y complicados a priori, no son discos que pongas a tus invitados cuando te vienen a ver a casa. Entrar en ellos no es fácil pero cuando lo logras eres incapaz de dejar de escucharlos hasta el final. La formación de Lisabö para “Ezlekuak” eran Karlos (guitarra y voz), Javi (guitarra y voz), Ionyu (bajo), Eneko (batería) e Iban (batería).

La traducción de “Ezlekuak” sería los “No-lugares”. No lugares tanto físicos como no físicos son la inspiración de este trabajo. Las letras, con una elevada carga poética, son de Martxel Mariscal, escritor y poeta que aparece en los créditos como un miembro más. Este es el tercer disco de Lisabö y la primera reseña de Bidehuts, sello creado por los propios Lisabö junto con Anari y algún músico más de la escena vasca para hacer de la autogestión una seña de identidad y así según ellos darle el valor real que tiene un disco y que no sea un mero producto. Este es un disco crudo y denso donde hay músculo, pasión, visceralidad y emoción. Un disco contundente, implacable, lleno de atmósferas opresivas y de senderos rítmicos que a veces se detienen y bifurcan para luego volver a encontrarse. También hay lugar para el silencio, usado para marcar los tiempos y para dejar respirar al oyente. Reconozco que es un disco difícil de asimilar pero indudablemente es un discazo.

Ver a Lisabö en directo es algo que se te graba en la memoria. Da igual que te gusten sus discos o no. Es una experiencia sonora muy intensa que te coge de las entrañas. A mediados de agosto Lisabö han visitado Sevilla para dar uno de sus brutales conciertos. Fue en el Monasterio de La Cartuja dentro de la programación del Nocturama. Yo ya los vi la primera vez que asomaron por aquí hace cinco años y quedé boquiabierto como el resto de los asistentes, así que yo ya sabía a lo que iba. Esta vez no fue menos, aunque si que el escenario y sobre todo los watios del mismo se les quedaron cortos. Literalmente ver a Lisabö esa noche era como ver tocar a dos grupos a la vez: dos guitarras, dos voces, dos bajos y dos baterías. Era impresionante ver a los dos baterías compenetrados con sus potentes pegadas, a los dos guitarras como se desgañitaban frente al micro, como se tiraban al suelo, como se buscaban con los bajistas, como se repartían entre todos el peso de las transiciones entre canción y canción –porque silencios hubo pocos-. También hubo correas de guitarra que se soltaban, micros que caían, cables que se desenchufaban y choques varios al borde de la caída. Un concierto memorable, para mí el concierto del verano en esta calurosa ciudad, aunque afirmar esto conlleve entrar en polémica con algunos amigos míos. Grandiosos estos irundarras.

“LULÚ Y LOS CANÍBALES” 2011. LULÚ Y LOS CANÍBALES

Lúlu y Los Caníbales son una ocurrente y cachonda banda de A Coruña. Formados en 2009 de forma casual y sin seriedad ni intención. La dominadora del micro con su voz es Lucía “Lulú”, al contrabajo está Javi “Pichi”, a la guitarra Dani, al teclado Manuel y Víctor a la batería. Ellos son una banda nada dogmática, con pinceladas de aquí y de allá en cuanto a influencias y gustos musicales y siempre rock&roll mediante como nexo de unión. Por ponerles una etiqueta podría valer la de psychobilly-punk, o no. Ellos se definen a si mismos como demasiado rockers para los punkies y demasiado punkies para los rockers.

Este disco homónimo es su debut. 14 canciones aceleradas llenas de punk, garage, surf, rockabilly, rock&roll y personajes de ultratumba. Grabado por Roberto Mallo en el Taller Electrónico. El contrabajo y el órgano son señas de identidad de su sonido y por supuesto la voz de Lulú, dulce y melódica a ratos y otros rota y áspera. Un disco divertido, sin pretensiones ni intenciones transcendentes pero con mucha personalidad en el que se vislumbran muy buenas maneras. Lo suyo es comprárselo a ellos en sus conciertos pero mientras llegan a vuestra ciudad aquí un enlace para descargarlo, por supuesto con su consentimiento:

http://www.mediafire.com/?q0ymge5dsme8qgx

A Lulú y a uno de Los Caníbales los he conocido en el pasado EuroYeYé en Gijón, en un guateque mañanero en un prado alrededor de una caravana después de toda la noche moviendo las caderas. Encantadores ambos y muy punkies a la vez que educados. A ver si se animan a tocar por aquí por el sur que no me los pierdo, seguro.

“TAKE A HEART” 1965. THE SORROWS

The Sorrows fueron una banda inglesa procedente de Coventry. No figuran entre los grandes de los 60 pero sí son merecedores de atención. Su sonido estaba marcado por el rythm and blues y el garaje. Creadores de canciones enérgicas e inmediatas con pocos arreglos marcadas por la carismática voz de su líder. La formación inicial de The Sorrows eran Don Fardon (voz), Pip Whitcher (guitarra y voces), Phil Packham (bajo), Wez Precio (guitarra) y Bruce Finley (batería). La elegancia de sus miembros era seña de identidad en su puesta en escena. Sólo grabaron un álbum y algunos singles. En 2011 se volvieron a reunir para tocar en directo aunque no con la formación original.

“Take A Heart” es su único disco. Un disco enérgico, vigorizante y muy rítmico, poblado de canciones breves y contundentes. Una buena colección de temas sixties quizá algo adelantados a su tiempo. Incluso incluye algún tema que en su día se publicó en alemán e italiano. Ideal para venirse arriba en cualquier momento y por supuesto sin reparar en volumen. Rock del bueno, del que te impide tener las piernas quietas.

A The Sorrows he tenido el placer de disfrutarlos en directo el fin de semana pasado por tierras asturianas. Ha sido dentro del festival mod EuroYeYé, en Gijón, que este año cumplía su 18ª edición. Lo he pasado en grande acompañado de amigos y allí hemos bailado hasta el amanecer y más allá, hasta caer extenuados y hemos conocido a gente estupenda, a las que les dedico esta entrada, especialmente a una de ellas, cierta chica leonesa que ha conseguido que mi sonrisa fuera aún más grande y sincera estos días plagados de rock&roll.