“/// CODENAME:DUSTSUCKER” 2004. BARK PSYCHOSIS

La inercia de este blog se ha visto alterada últimamente por la coyuntura económica y laboral de esta España nuestra, que finalmente me ha empujado a mudarme por trabajo con nuestros vecinos del norte. Intentaré seguir escribiendo en este blog desde mi nueva ubicación cercana a Paris. Saludos a tod@s desde Francia.

Bark Psychosis fueron una banda inglesa -más concretamente del este de Londres- cuyo sonido propio es un referente dentro del post-rock. El grueso de la banda eran Graham Sutton (vocalista y guitarra además de verdadero artífice del proyecto), John Ling (bajo), Daniel Gish (teclados) y Mark Simmett (batería). Las colaboraciones de otros músicos eran habituales en sus grabaciones. Se formaron en 1986, se disolvieron en 1997 aunque más tarde Sutton volvió a rehacer la banda para grabar el magnífico disco del que hablo en esta entrada. Su discografía no es muy extensa, sólo tienen en su haber 2 LPs además de varios EPs y singles.

Este es el 2º y último disco de Bark Psychosis. “/// Codename Dustsucker” contó con la colaboración de numerosos músicos, entre ellos Lee Harris, batería de Talk Talk, cuya aportación es clave. Fue grabado en Sound Dustsucker, estudio dirigido por el propio Graham Sutton. Este es un disco de texturas variadas y melodías reflexivas, de atmósferas sonoras llenas de claroscuros y susurros y con una amplia variedad instrumental. Las canciones se desarrollan dentro de un delicado orden, resultando un disco orgánico y armonioso con un sonido que apunta certero a las sensaciones. Una verdadera joya sonora de muchos quilates que pide intimidad para su disfrute. Pues eso, que ustedes lo disfruten, salut!

“THE SOMETHING RAIN” 2012. TINDERSTICKS

Tindersticks ya han sido alagados en este blog. Siguen siendo uno de mis grupos favoritos. Ellos hacen una música muy personal y reconocible. Pop de cámara con muchos matices en forma de arreglos y también elegancia y pulcritud. Y como no, la inconfundible voz de Stuart A. Staples. A día de hoy el núcleo duro de Tindersticks lo integran tres miembros en vez de cinco como antaño –aunque estos tres saben rodearse de buenos músicos para grabar sus discos y para mostrarlos en directo en sus giras- pero esto no resta calidad al resultado final sino que hace evolucionar el rumbo de la banda. Tindersticks son una banda imprescindible, de una grandeza musical con mayúsculas.

“The Something Rain” es su último disco, el noveno en casi 20 años de –en mi opinión- magnífica trayectoria. Este es un disco sensual y misterioso, donde unos Tindersticks más experimentadores dejan atrás la sección de cuerda para dar más protagonismo a la sección rítmica. Ahora suenan algo menos melancólicos y más oscuros. De la producción de este disco se ha encargado el propio Stuart A. Staples en su propio estudio Le Chien Chanceux en Lemosín, Francia. Es en Francia donde vive él junto con su mujer y sus cinco hijos. Es este un disco que emociona y hace vibrar, a cualquiera.

Esta semana he visto en directo a Tindersticks. Ha sido dentro del ciclo Pop-Rock en el Central, un ciclo en el que tantos y tan buenos conciertos hemos podido ver aquí en Sevilla. Con este concierto el Teatro Central ha inaugurado su nueva temporada. Y van 20 años ya de excelente programación. Un concierto imperdible en el que Tindersticks, comandados por el Sr. Staples, nos presentaron este su nuevo disco y nos deleitaron a los asistentes, haciéndonos marchar a casa con un precioso recuerdo aún resonando en nuestros oídos. Larga vida a Tindersticks.

“1980” 2012. VLAD NEDHELCU

Vlad Nedhelcu es el nuevo proyecto después de meses de cuidada cocción de Curro Molina y Raúl Garrido. A ambos los considero amigos cercanos y también grandes músicos. Ellos también son grandes amigos desde la infancia y ya estuvieron juntos en Sílice, otro proyecto musical que se prolongó durante diez años. Curro es integrante de otras formaciones musicales de esta mariana ciudad de Sevilla además de cultivar otras artes. Del bajo y las programaciones se encarga Curro y de la guitarra y también de las programaciones Raúl.

“1980” es su primer material a modo de álbum de presentación. Todo autoeditado y de producción casera pero esto no desmerece el sonido conseguido, con una calidad evidente. Cinco canciones con electrónica de salón mezclada con post-rock (esto último es fruto de sus raíces). El título de este trabajo hace referencia al año en el que creen recordar que empezó su larga amistad, la foto de portada es de ambos en un decadente parque infantil cuando aún la inocencia rodeaba sus vidas. Muy recomendable este “1980”, a disfrutar de todos sus matices sin escatimar en volumen. Aquí un enlace para descargar este álbum, como siempre con permiso de sus creadores:

http://vladnedhelcu.bandcamp.com/album/1980

(Para descargarlo picar sobre la opción BUY NOW, despúes aparece la opción de realizar una donación que ellos agradecerán enormemente para invertirlo en equipo para llevar estas canciones al directo, si vuestras maltrechas economías no pueden permitirse el lujo o simplemente no os apetece colaborar solo tenéis que poner 0 en la casilla que aparece).

“RADIOS APPEAR” 1977. RADIO BIRDMAN

Formados en 1974 en Sidney, Radio Birdman fueron una banda capital en la escena australiana y no sólo en su época sino también posteriormente, incluso traspasando fronteras lejanas para ellos. Rob Younger (voz) y Denis Tek (guitarra) fueron los hacedores de ello al juntar sus respectivas bandas –TV Jones y The Rats-. Tras varios cambios iniciales la formación se completó con Chris Masuak (guitarra rítmica), Warwick Gilbert (bajo), Phillip Hoyle (teclados) y Ron Keeley (batería). El nombre de la banda viene de una canción de The Stooges. La figura de Denis Tek –criado en Detroit- como líder compositivo es clave como propulsor en el grupo de los sonidos de bandas míticas de esa ciudad. Comenzaron a darse a conocer gracias a sus incendiarios conciertos, llenos de punk-rock que festejaba las raíces del rock&roll de los 60. No obtuvieron reconocimiento en su época pero sí después, hoy en día son una banda de culto. Su existencia fue breve, en 1978, tras una gira inglesa con pocos medios y llena de desavenencias entre sus miembros, se disolvieron aunque en 2006 se volvieron a juntar e incluso grabaron un LP.

“Radios Appear” fue su espectacular debut en largo, un debut formado por canciones rápidas, intensas y agresivas. Este es un disco vibrante, editado en el año cero de la explosión punk y que demostró que el punk también podía ser sutil y en cierta manera elegante e incluso pop. Fue publicado en diferentes ediciones y reeditado en años posteriores con cambios en el set-list. Todo un discazo para disfrutar aderezado con abundante volumen.

“DREAM SIGNALS IN FULL CIRCLES” 2000. TRISTEZA

Tristeza son una banda de post-rock –aunque quizá también encajara en otras etiquetas- originarios de San Diego, California. La formación eran Christopher Sprague (guitarra), James Lavalle (guitarra), Luis Hermosillo (bajo), Stephen Swesey (teclados) y James Lehner (batería). Su historia comenzó en 1997 y con el paso de los años algunos se marcharon y otros se incorporaron a la banda. Su música no hace honor a su nombre. Su fórmula se basa en cuidadas melodías apoyadas en buenas bases rítmicas. Sus composiciones son dinámicas, se sirven de guitarras que suenan limpias y de patrones repetitivos entrelazados sutilmente.

Su segundo disco fue este “Dream Signals In Full Circles”. Fue grabado en unos estudios de Chicago y producido por Dave Trumfio. Tuvo una buena aceptación en todo el mundo y resultado de ello fue que lo giraron también por Europa y Japón. Es un disco instrumental, de atmósferas salpicadas a veces de jazz y a veces de psicodelia. Usan tempos alegres y por momentos ralentizados. Muchos son los detalles y matices de este disco, con un sonido marcado por la suavidad y la belleza. El clima que crean es relajado y reflexivo. Un disco de indudable calidad que durante su escucha transmite una sensación de equilibrio, fantástica banda sonora para un fin de semana en casa, porque no se puede salir todos los findes, alguno hay que saltárselo.

“EZLEKUAK” 2007. LISABÖ

Lisabö son ante todo grandes amigos. Siempre lo han dicho, aún a pesar de los varios cambios de formación en su trayectoria. Son vascos, orgullosos de ello, de Irún, un pueblo guipuzcoano junto a la frontera francesa. Las letras de sus canciones siempre en euskera. Empezaron sin pretensiones en 1998. Son experimentadores sonoros y de sensaciones donde el denominador común es la potencia y la intensidad, y mucha. Parte importante de su particular sonido son las dos baterías que usan, las cuales a veces suenan independientes y otras golpean brutalmente a la vez. Sus discos son densos y complicados a priori, no son discos que pongas a tus invitados cuando te vienen a ver a casa. Entrar en ellos no es fácil pero cuando lo logras eres incapaz de dejar de escucharlos hasta el final. La formación de Lisabö para “Ezlekuak” eran Karlos (guitarra y voz), Javi (guitarra y voz), Ionyu (bajo), Eneko (batería) e Iban (batería).

La traducción de “Ezlekuak” sería los “No-lugares”. No lugares tanto físicos como no físicos son la inspiración de este trabajo. Las letras, con una elevada carga poética, son de Martxel Mariscal, escritor y poeta que aparece en los créditos como un miembro más. Este es el tercer disco de Lisabö y la primera reseña de Bidehuts, sello creado por los propios Lisabö junto con Anari y algún músico más de la escena vasca para hacer de la autogestión una seña de identidad y así según ellos darle el valor real que tiene un disco y que no sea un mero producto. Este es un disco crudo y denso donde hay músculo, pasión, visceralidad y emoción. Un disco contundente, implacable, lleno de atmósferas opresivas y de senderos rítmicos que a veces se detienen y bifurcan para luego volver a encontrarse. También hay lugar para el silencio, usado para marcar los tiempos y para dejar respirar al oyente. Reconozco que es un disco difícil de asimilar pero indudablemente es un discazo.

Ver a Lisabö en directo es algo que se te graba en la memoria. Da igual que te gusten sus discos o no. Es una experiencia sonora muy intensa que te coge de las entrañas. A mediados de agosto Lisabö han visitado Sevilla para dar uno de sus brutales conciertos. Fue en el Monasterio de La Cartuja dentro de la programación del Nocturama. Yo ya los vi la primera vez que asomaron por aquí hace cinco años y quedé boquiabierto como el resto de los asistentes, así que yo ya sabía a lo que iba. Esta vez no fue menos, aunque si que el escenario y sobre todo los watios del mismo se les quedaron cortos. Literalmente ver a Lisabö esa noche era como ver tocar a dos grupos a la vez: dos guitarras, dos voces, dos bajos y dos baterías. Era impresionante ver a los dos baterías compenetrados con sus potentes pegadas, a los dos guitarras como se desgañitaban frente al micro, como se tiraban al suelo, como se buscaban con los bajistas, como se repartían entre todos el peso de las transiciones entre canción y canción –porque silencios hubo pocos-. También hubo correas de guitarra que se soltaban, micros que caían, cables que se desenchufaban y choques varios al borde de la caída. Un concierto memorable, para mí el concierto del verano en esta calurosa ciudad, aunque afirmar esto conlleve entrar en polémica con algunos amigos míos. Grandiosos estos irundarras.

“LULÚ Y LOS CANÍBALES” 2011. LULÚ Y LOS CANÍBALES

Lúlu y Los Caníbales son una ocurrente y cachonda banda de A Coruña. Formados en 2009 de forma casual y sin seriedad ni intención. La dominadora del micro con su voz es Lucía “Lulú”, al contrabajo está Javi “Pichi”, a la guitarra Dani, al teclado Manuel y Víctor a la batería. Ellos son una banda nada dogmática, con pinceladas de aquí y de allá en cuanto a influencias y gustos musicales y siempre rock&roll mediante como nexo de unión. Por ponerles una etiqueta podría valer la de psychobilly-punk, o no. Ellos se definen a si mismos como demasiado rockers para los punkies y demasiado punkies para los rockers.

Este disco homónimo es su debut. 14 canciones aceleradas llenas de punk, garage, surf, rockabilly, rock&roll y personajes de ultratumba. Grabado por Roberto Mallo en el Taller Electrónico. El contrabajo y el órgano son señas de identidad de su sonido y por supuesto la voz de Lulú, dulce y melódica a ratos y otros rota y áspera. Un disco divertido, sin pretensiones ni intenciones transcendentes pero con mucha personalidad en el que se vislumbran muy buenas maneras. Lo suyo es comprárselo a ellos en sus conciertos pero mientras llegan a vuestra ciudad aquí un enlace para descargarlo, por supuesto con su consentimiento:

http://www.mediafire.com/?q0ymge5dsme8qgx

A Lulú y a uno de Los Caníbales los he conocido en el pasado EuroYeYé en Gijón, en un guateque mañanero en un prado alrededor de una caravana después de toda la noche moviendo las caderas. Encantadores ambos y muy punkies a la vez que educados. A ver si se animan a tocar por aquí por el sur que no me los pierdo, seguro.

“TAKE A HEART” 1965. THE SORROWS

The Sorrows fueron una banda inglesa procedente de Coventry. No figuran entre los grandes de los 60 pero sí son merecedores de atención. Su sonido estaba marcado por el rythm and blues y el garaje. Creadores de canciones enérgicas e inmediatas con pocos arreglos marcadas por la carismática voz de su líder. La formación inicial de The Sorrows eran Don Fardon (voz), Pip Whitcher (guitarra y voces), Phil Packham (bajo), Wez Precio (guitarra) y Bruce Finley (batería). La elegancia de sus miembros era seña de identidad en su puesta en escena. Sólo grabaron un álbum y algunos singles. En 2011 se volvieron a reunir para tocar en directo aunque no con la formación original.

“Take A Heart” es su único disco. Un disco enérgico, vigorizante y muy rítmico, poblado de canciones breves y contundentes. Una buena colección de temas sixties quizá algo adelantados a su tiempo. Incluso incluye algún tema que en su día se publicó en alemán e italiano. Ideal para venirse arriba en cualquier momento y por supuesto sin reparar en volumen. Rock del bueno, del que te impide tener las piernas quietas.

A The Sorrows he tenido el placer de disfrutarlos en directo el fin de semana pasado por tierras asturianas. Ha sido dentro del festival mod EuroYeYé, en Gijón, que este año cumplía su 18ª edición. Lo he pasado en grande acompañado de amigos y allí hemos bailado hasta el amanecer y más allá, hasta caer extenuados y hemos conocido a gente estupenda, a las que les dedico esta entrada, especialmente a una de ellas, cierta chica leonesa que ha conseguido que mi sonrisa fuera aún más grande y sincera estos días plagados de rock&roll.

“NUEVO DÍA” 1975. LOLE Y MANUEL

Lole y Manuel fueron Dolores Montoya (hija de La Negra y de Juan Montoya) y Manuel Molina (hijo de El Encajero y miembro de Smash). Esta pareja artística y sentimental se formó en 1972 y fueron precursores del llamado nuevo flamenco, un flamenco no dirigido exclusivamente a un público flamenco. Manuel se refería de aquellas a que el cambio que ellos ofrecían estaba sobre todo en el ritmo. La separación profesional conllevó a su vez la sentimental en los años 90.

“Nuevo día” fue su primer disco y fue el principio de una nueva manera de entender el flamenco, añadiendo elementos ajenos, dándole frescura y sacándolo de los tablaos para mostrarlo al mundo. Participaron en él además de Lole (voz) y Manuel (guitarra y voz), Manolo Garrido (guitarra eléctrica), Manolo Rosa (bajo), Pepe Marrufo y Carlos Carcomo (teclados). La producción corrió a cargo de un personaje capital en la música popular de este país, Ricardo Pachón. El disco fue un éxito sin ningún tipo de promoción. Es pura poesía recitada por la majestuosa e intensa voz de Lole, capaz de emocionar a cualquier oyente sin recurrir a quejíos y dejes habituales del flamenco. Los textos son de José Manuel Flores aunque de mutuo acuerdo en los créditos se adjudiquen a Manuel Molina. En estas letras hay denuncia social y motivos campestres, referencias a Sevilla y a Triana y mucha emoción. También es un acercamiento a la música árabe, incluso Lole se atreve a adoptar esta lengua para la canción que cierra el disco. Este es un disco imprescindible que marcó la senda a otros artistas flamencos para que se atrevieran a introducir nuevos elementos y así evolucionar el flamenco aún a pesar de las feroces críticas de los ortodoxos.

“DARKLANDS” 1987. THE JESUS AND MARY CHAIN

The Jesus And Mary Chain fueron –se disolvieron en 1998 aunque este año se han vuelto a reunir, otra vez, para tocar en un festival yanqui- una banda de culto británica formada en 1983 por los hermanos William y Jim Reid. Después se le unieron Douglas Hart al bajo y Bobby Gillespie (más tarde líder de Primal Scream) como sustituto del batería anterior. De las guitarras y las voces se encargaban los hermanos Reid. Lo que motivo a estos a fundar la banda fue que nadie hacía la música que ellos querían oír y su desprecio consecuente por la escena musical que les rodeaba. No eran chicos simpáticos, al contrario, eran ofensivos, altivos y algo presuntuosos. Desairaban en sus principios al público tocando de espaldas. Cierto es que tenían un sonido único lleno de buenas melodías que luego ensuciaban con guitarras distorsionadas. Muy influyentes para todo lo que vino después en forma de noise-rock y shoegaze.

“Darklands” hace honor a su título. Es un disco de atmósferas oscuras, con un sonido lúgubre y enérgico y también metálico, eléctrico y seco. El planteamiento de inicio del disco era romper con el anterior -el que fue su debut- manteniendo la particularidad de su sonido pero sin los elementos de peso de su anterior trabajo. Uno de estos elementos eran las hirientes guitarras distorsionadas. En este disco se moderan un poco. El sonido de la banda –más cercano al pop- es menos complejo haciéndolo más accesible gracias a un mayor número de elementos melódicos. Este fue un trabajo introspectivo de los hermanos Reid. La banda se había reducido a ellos dos y ambos tocan en el disco guitarras y bajos, ponen las voces y programan la caja de ritmos –no hay batería acústica-. William Reid también se atrevió con la producción del disco. Discazo, Willian y Jim Reid podían alardear de ello con razón.

“OUR MOTHER THE MOUNTAIN” 1969. TOWNES VAN ZANDT

Townes Van Zandt es, no hay debate posible, uno de los grandes de la música popular. Nunca gozó de popularidad ni de admiración. Fue un personaje solitario que tuvo como problemáticas muy presentes en su vida el alcohol, la inestabilidad psicológica y las adicciones peligrosas. Nació en 1944 en Fort Worth (Texas) en el seno de una familia adinerada gracias a negocios que tenían que ver con el petróleo. Murió al fallarle el corazón en 1997. Van Zandt era un trovador, un cantautor especial dotado de una voz con una sonoridad profunda y un timbre luminoso. Las técnicas de grabación no estaban entre sus prioridades, él prefería centrarse en el proceso compositivo. Era un folk-singer pero también un blues-man. Un poeta que iba más allá en sus letras. Fue muy prolífico en sus inicios aunque después vinieron largos paseos por el desierto creativo en lo que tuvo mucho que ver su desastrosa manera de sobrellevar su existencia. Definitivamente no necesito a Bob Dylan en mi vida, tengo a Townes Van Zandt.

“Our Mother The Mountain” es su segundo disco. Un disco entre el folk y el country, sin altisonancias, de tinte crepuscular y con aires espectrales. Mayormente acústico y cuando no acompañado de unos fantásticos arreglos de cuerda y alguno de viento puntual. En la instrumentación es pieza clave el concepto de desnudez. Lo produjeron Jack Clement y Kevin Eggers. En este disco es evidente que Van Zandt era un intérprete con una sensibilidad muy especial. Su voz posee un deje melancólico, como quien relata hechos desde la perspectiva que da el paso del tiempo. Este es un disco de ambiente rural, con momentos de una desnudez emocional y una humanidad sobrecogedores. Para los no iniciados aquí tienen una magnífica puerta de entrada al universo de Townes Van Zandt. No se arrepentirán de cruzarla. Un disco pluscuamperfecto para quedarse en casa a disfrutarlo, que se está bien –aunque las cosas ocurren en la calle, que duda cabe-. Y máxime cuando en la calle el asfalto hierve y el respirar se vuelve dificultoso. Todo gracias a nuestro astro-rey y al castigo inmisericorde al que nos somete a los habitantes de estas latitudes. Dedicado a mi amiga Bti, que tras su paso vacacional por tierras sureñas ahora está en su norte natal, a salvo del infierno.

“BRILLIANT TREES” 1984. DAVID SYLVIAN

David Sylvian –de verdadero nombre David Alan Batt- es un cantante, músico y compositor inglés nacido en 1958 en Beckenham, Kent. Formó junto a otros -entre ellos su hermano Steve- la banda Japan, activos desde 1974 hasta 1982. Después de esta etapa de maquillaje y pelo teñido vendría su magnífica carrera en solitario que comenzó con el disco al que se refiere esta entrada. En 1990 se reunió de nuevo con casi todos los componentes de Japan para grabar nuevo material bajo el nombre de Rain Tree Crow. También sus colaboraciones con otros músicos son varias. Parapetado tras un personaje distante e interesado siempre en la espiritualidad, sus influencias abarcan una surtida variedad de géneros y estilos que se ven reflejados en su obra.

“Brilliant Trees” es su primer álbum, el inicio de su camino musical en solitario. Producido por Sylvian y Steve Nye (con quién ya había trabajado en la producción de algún disco de Japan), en él hay colaboraciones de varios de sus compañeros en Japan –incluido su hermano Steve- y también de Ryuichi Sakamoto y del líder de Can Holger Czukay, entre otros ilustres. Este es un disco intimista y reflexivo, con aires jazzísticos y algún paraje étnico y algún otro oriental. El disco refleja la sensibilidad compositiva de Sylvian, acompañada de su impresionante voz de barítono. Con unos arreglos muy trabajados y una mezcla novedosa entre lo electrónico y lo acústico, este disco es una obra mayor en el que hay pop, jazz, oscuridad ambiental, experimentación rock y letras influidas por Sartre. Todo un discazo atemporal. Para disfrutar de su escucha en casa, con tranquilidad, después del tsunami del fin de semana. También funciona al volante, sin prisas, sin nadie esperando…

“FIRE OF LOVE” 1981. THE GUN CLUB

Retomamos la inercia de este blog con más rock&roll, del bueno bueno oiga! The Gun Club son una banda de Los Angeles, California, formada a principios de los 80 artífice de un particular sonido en el que maridaban el blues con enérgico punk rock y otras músicas de raíces americanas. El cantante, guitarrista y compositor principal era Jeffrey Lee Pierce. Un tipo con una creatividad privilegiada pero de desordenada existencia. Abusos con el alcohol y las drogas durante su vida lo llevaron a perderla en 1996. En principio también formaban parte de The Gun Club Ward Dotson (guitarra), Rob Ritter (bajo) y Terry Graham (batería). La formación integrante de la banda siempre fue inestable, cambios continuos en ella fue la constante –algunos ilustres de otras bandas- y disolución de la misma a mediados de los 80 para luego retomar hasta la muerte de Pierce.

“Fire Of Love” es su espectacular debut. Todo un clásico de la historia del rock&roll. Un disco trepidante de ritmo desatado. Enérgico y salvaje por un lado y por otro calmo y baladesco. Música visceral a velocidad de vértigo por momentos. La producción corrió a cargo de Pat Burnette y su trabajo da cohesión a la amalgama de ruido y furia que hay en las composiciones de este discazo. Yo he llegado a él no hace mucho gracias a un guateque en casa de un convencido y gallardo rockero local amigo. Agradecido por ello le dedico esta entrada. Disfruten, abusen del volumen y contengan sus caderas si son capaces…

“ETERNO SALUDO MUSICAL” 2011. LOS ETERNO

Los Eterno son un grupo afincado en Madrid y surgido de las ganas de tocar juntos de un grupo de amigos con larga trayectoria en otras bandas, alguna muy reconocida. Ellos son Fino Oyonarte, Cristina Plaza, Nacho Olivares y Jaime Sevilla. Se conocen bien y poseen un universo sonoro particular y propio de temática ambiental. El nombre del grupo viene –según ellos- de la tardanza muy suya en hacer las cosas. La razón de ser del grupo es la improvisación.

“Eterno saludo musical” es su debut editado sólo en vinilo y gestado mediante grabaciones de poca calidad en sus reuniones caseras para tocar. A partir de ahí filtraron lo interesante de lo que no lo era y fueron tirando de hilos que parecían que pudieran llegar a ser canciones. Las canciones que lo forman son envolventes, llenas de sendas y vericuetos sonoros. Algunas tienen tintes hipnóticos y otras cariz psicodélico. En ellas hay rock, post-rock y música cinematográfica. Una coctelera donde caben variedad de sonidos y texturas y cuyo resultado deja muy buen sabor al paladar auditivo. Un disco estupendo para saborear tranquilamente en casa.

A Los Eterno los vi en directo hace un par de meses en el auditorio del Cicus (un bonito edificio de la Universidad de Sevilla dedicado exclusivamente a actividades culturales). Escaso público (y eso que la entrada era a precio popular) pero muy buen concierto el que dieron -aunque la monotonía se apoderó de la situación en algún tramo-. Intercambiaban sus instrumentos a medida que avanzaba el concierto demostrando la versatilidad de cada uno de ellos. Quizá falto algo de volumen y menos cháchara por parte de algunos de los asistentes. Igualmente disfrutamos los que nos dimos cita allí aquella noche.