“LAS LEYES DEL EQUILIBRIO” 2006. JULIO DE LA ROSA

Julio de la Rosa es un jerezano inquieto con años de carrera musical a la espalda. Formó parte importante de El Hombre Burbuja hasta su disolución. Después de aquella fructífera aventura musical continuó con su carrera en solitario. Sus habilidades literarias han sido publicadas en un par de libros además de ser evidentes en sus canciones. También ha compuesto bandas sonoras para el cine. Todo un artista proveniente de una familia de artistas.

“Las leyes del equilibrio” es su segundo disco en solitario. Un disco donde según él cada canción es un capítulo de una novela, un disco narrativo. El protagonismo es en torno a Manuel, cuya historia empieza con una ruptura sentimental y continúa con situaciones llenas de dramatismo. La instrumentación está llena de texturas y matices. Ambientes evocadores, huyendo del patrón rock, marcan el ritmo de este buen disco en el que hay que prestar atención a sus letras. Perfecto para escuchar en el salón de casa con un buen whisky envejecido como compañía.

Anoche lo estuve viendo en directo en el Monasterio de La Cartuja, dentro del ciclo Nocturama.  Afinando constantemente su guitarra y desgañitándose al final. Acompañado de banda dio un buen concierto aunque a mí no me gustó mucho excepto en momentos puntuales. Me gustó más en la intimidad del Fun Club hace años presentando este disco. Estaba él sólo en el escenario y con la ayuda de un auto-loop se bastó y se sobró para emocionar a los que estuvimos allí aquella noche. Grato recuerdo conservo de aquel concierto. La noche de ayer me la salvó la compañía y la cerveza.

“HABIAK” 2000. ANARI

Detrás de Anari esta Ana Rita Alberdi, una guipuzcoana de Azkoitia profesora de hispánica y filosofía en un instituto. Dueña de un imaginario propio en el que tiene gran importancia la naturaleza. Imagino que para los nacidos y criados en el País Vasco, la naturaleza tiene que ser una fuente de inspiración poderosa. Ella canta en Euskera, orgullosa de sus raíces, y la sonoridad de las palabras tiene mucha importancia.

“Habiak” es su segundo disco, en el que hay dolor soterrado y pérdidas de rumbo. También miedo a los demás y a uno mismo. La escucha de este disco requiere de asiento y atención. Unas letras muy buenas llenas de metáforas. El disco se mueve entre lo acústico y lo eléctrico, con unos bonitos arreglos de cuerda y piano y la voz de Anari que suena a vulnerabilidad . Los coros son una colaboración de Ruper Ordorika. Rock seco para combatir la sensación de soledad en la ciudad, en agosto, con el sol cayéndose a cachitos. Se debe de estar bien ahora por Euskadi con un txakoli en las manos, mirando al Cantábrico, al fresquito…

“NOTES AND THE LIKE” 2006. MS. JOHN SODA

Ms John Soda son Stephanie Böhm y Michael Acher. Son alemanes, amantes de la estética futurista. Michael Acher también forma parte de The Notwist (buenísimos) y Stephanie Böhm toca los teclados en Couch. Sus discos y EPs han sido editados por el sello berlinés Morr Music. Ellos crean sus canciones a partir de multitud de instrumentos y electrónica, prestando especial atención a los detalles.

“Notes And The Like” es su segundo disco, formado por –según ellos mismos- canciones que tratan sobre los problemas de comunicación, los malentendidos y la necesidad de buscar y encontrar. Canciones que poseen un gran abanico de sonidos. Guitarras, bajos, ruiditos electrónicos, arreglos de cuerda, sintetizadores y la tierna voz de Stephanie convierten a este disco en toda una delicia, una escucha agradable a cualquier hora.

Recuerdo su concierto en el SouthPop Festival de 2007 en el teatro Alameda. Stephanie y Michael llevaban colgados sendos bajos que rasgaban con fuerza e iban acompañados de un batería y otro chico a los mandos de los sintetizadores. Me dejaron boquiabierto y no fui el único. Conciertazo que ofrecieron delante de los afortunados que nos pusimos aquel año la pulserita del ya clásico festival sevillano.

“BURNING SAND” 2008. SOUTHERN ARTS SOCIETY

Southern Arts Society es mi banda sevillana favorita. Es la banda de Andy Jarman, un londinense afincado en Sevilla desde hace 20 años aunque por su acento pareciera que es un recién llegado. No es su primera aventura musical, anteriormente ya se había embarcado en otras, entre ellas Strange Fruit. Él formo junto a otros a principios de los 90 “El Colectivo Karma”, mítico sello sevillano que editó los primeros trabajos de Sr. Chinarro y Maga, entre otros. En este disco del que hablo la formación eran Andy Jarman a la voz y al bajo, Jesús Bascón “Chumi” a los teclados y arreglos de cuerda, Israel Diezma a la guitarra y lap steel, Albert Pielfort a la viola y Manuel Martínez a la batería.

“Burning Sand” es su segundo trabajo. Un disco muy cuidado en la producción y con las colaboraciones de Gary Olson (The Ladybug Transistor), François Breut, Muni Camon y Toger Quigley (The Mongolfier Brothers, At Swin Two Birds). Formado por canciones recurrentes a temáticas españolas e incluso una de ellas sobre la particular Sevilla. La portada está sacada de un cartel de nuestra guerra civil dirigido a campesinos. Un disco de bonitas melodías, delicadas armonías, arreglos preciosistas y melancolía y luminosidad a partes iguales. Un discazo de pop clásico, muy bueno.

Las veces que he visto a la Sociedad Artística Sureña en concierto siempre he disfrutado –y son muchas- e incluso he hecho kilómetros para verlos. El año pasado tocaron en el FIB (por lo que tuvieron que invitarme a alguna cerveza, ellos saben por qué).

“NO SEASONS” 2009. JACUZZI BOYS

Para estos días de calor y sopor persistente, de idas y venidas a la costa compaginadas con la rutina laboral –o mejor aún de vacaciones si eres afortunado-, apetecen discos frescos e inmediatos. Este es uno de esos.

Jacuzzi Boys son un trío de amigos de ascendencia hispana originarios de Miami, en la soleada Florida. A la guitarra y la voz está Gabriel Alcalá, al bajo Danny Rojas y a la batería y también la voz Diego Monasteri. Ellos hacen un rock garagero con reminiscencias al pasado pero muy actual. Incluso el mismísimo Iggy Pop –que ahora vive inexplicablemente en Miami- se ha referido a ellos en alguna entrevista como un grupo muy interesante. Comparto la opinión de La Iguana.

“No seasons” es su disco de debut, previamente habían editado varios singles. Un disco de portada con connotación sexual lleno de hits a base de power-pop con tintes psicodélicos. Una amalgama de riffs de guitarra y buenas melodías. Canciones frescas e inmediatas, de las que te tiran de la camiseta para ponerte a bailar. Al terminar el disco te quedas con ganas de más, el minutaje es escaso. Pero siempre puedes volver a reproducirlo, con un poco más de volumen incluso.

“ONGIARA” 2007. GREAT LAKE SWIMMERS

Desde Ontario, Canadá, viene esta banda de folk con tintes country. Es el proyecto de Tonny Dekker (voz y guitarra acústica) junto con Erik Arnesen (banjo y guitarra eléctrica) y Colin Huebert (percusión). Juntos desde 2003, sus discos contienen un particular folk etéreo y minimalista, con melodías muy cuidadas.

“Ongiara” es su tercer disco. El nombre viene del barco que les llevaba a la isla donde grabaron las primeras sesiones del disco. Son varias las colaboraciones que se dan cita aquí de otros músicos con aportación de voces e instrumentos varios. Un disco luminoso y alegre pero también cargado de melancolía y con parajes en penumbra, lleno de sentimientos, directo a la fibra sensible. Evocador de la ingenuidad que ya dejamos atrás. 44 minutos de buena compañía en la intimidad de esos días en los que uno se levanta con una sosegada y vaga tristeza nacida de los sentimientos. Un disco hermoso y alentador.

“2” 2010. RETRIBUTION GOSPEL CHOIR

El asistir a conciertos entresemana de la intensidad del que pude disfrutar anoche conlleva sufrir de “día después” un miércoles, teniendo que afrontar una jornada laboral que la resaca hace que sea más pesada de lo habitual. Pero merece la pena. Anoche en la sala Malandar por aquí por la ciudad del calor pude ver al incendiario trío Retributión Gospel Choir. También pude verlos el año pasado en el teatro Pedro Muñoz Seca del Puerto de Santa María, en la gira de presentación de este disco del que hablo en esta entrada, pero aquella vez era un espacio grande, de techos altos y estábamos forzosamente sentados. Anoche no, no había techos altos ni butacas, y la cercanía con los músicos y la intensidad de principio a fin de su concierto hacía que te salpicara el sudor que desprendían y que tu sed de cerveza creciera a medida que avanzaba el concierto. Conciertazo de los de recordar, con un Alan Sparhawk desprendido de toda mesura que no paraba de gesticular mientras soltaba con furia su mano derecha para sacar sonidos a su Gibson, un bajo tocado magistralmente y un batería enérgico y con evidente pasado heavy. De lo mejor que he visto este año. Pasemos a hablar de ellos.

Retribution Gospel Choir son de Minnesota, Estados Unidos. Alan Sparhawk es su cerebro, guitarrista y cantante, Steve Garrington es su bajista y Eric Pollard su batería. Los dos primeros también son miembros de mis amados Low, el proyecto principal de Sparhawk junto a su mujer Mimi Parker, un proyecto más pausado y espiritual. Con Retribution Gospel Choir Sparhawk deja a la vista su lado más tormentoso, rockero y salvaje.

“2” es su segundo disco, un disco de rock de alto voltaje, incluso atronador por momentos con una cuidada edición en vinilo, con el nombre del grupo en relieve en la portada y el vinilo de color azul con vetas. Guitarrazos, mucha batería y un rítmico bajo junto con la voz de Alan, formando un sonido potente y compacto. Rock intenso, exaltado y visceral pero que te deja espacios para respirar puntuales. Evidentemente este disco pide subir el volumen, que se jodan los vecinos. Muy grandes estos chicos de Minnesota, y en directo brutales.

“VEILS” 2011. THE OSCILLATION

Cuando organizas tu ocio mayormente en torno a conciertos, a veces –bastantes- vas a algunos con poca o ninguna información previa. O bien porque te han dicho que merece la pena o bien porque confías en el buen hacer del programador de la sala, del ciclo o incluso del festival y a veces –bastantes- descubres grupos que te dejan con la boca abierta y que te hacen disfrutar muchísimo con su directo. Pues bien, eso mismo me ha ocurrido este fin de semana. Gracias al buen hacer de los programadores del ciclo veraniego 21 Grados de la Universidad de Sevilla –ciclo que incluye aparte de conciertos también cine y teatro- he descubierto a The Oscillation. Desde Londres, este es el proyecto de Demian Castellanos aunque en directo se hace acompañar de Tom Rellen al bajo, Chris Wackrow a los teclados y Jon Abbey a la batería. Castellanos se encarga de la voz y la guitarra. Con influencias reconocidas y reconocibles en torno a The Cure, Can, Pil, Spacemen 3 y Death In Vegas, el sonido de The Oscillation parte de la hipnosis sonora del krautrock con aires psicodélicos. Su directo es de los que te cogen de las entrañas, toda una experiencia sonora, apoyado también por visuales. Un muy buen sonido y una gran banda, con un virtuoso bajista y un batería de potente pegada. Al finalizar te quedas con ganas de más. Les agradecí el hacerme vibrar y por supuesto les compré el disco (doble vinilo). Me haría kilómetros por volver a verlos, buenísimos.

“Veils” es su segundo largo. Un disco lleno de psicodelia, krautrock, space rock, shoegaze y post-punk. En él Demian Castellanos compone y produce y casi se las arregla solito para interpretarlo, excepto por alguna ayuda a la batería, a los teclados y al saxo. Lo forman canciones que se desarrollan y crecen para terminar finalmente en explosiones de sonido. Atmósferas pausadas y tétricas por momentos para luego pasar a convertirse en muy enérgicas. Oscuridad y mucho delay y reverb. Un disco de oscilaciones sonoras para disfrutar sin escatimar en volumen. Buenísimo, no paro de escucharlo.

“LES PIQÛRES D´ARAIGNÉE” 2006. VICENT DELERM

Vicent Delerm es un músico francés nacido en Normandía, hijo único de un escritor y de una ilustradora de novelas. Un renovador de la chanson francesa influido por el pop anglosajón, que susurra y divaga en sus discos dejando a un lado la pasión. Según él, en sus canciones mezcla lo real y lo inventado, la verdad y la ficción.

“Les piqûres  d´araignée” es su tercer disco, distribuido en España gracias al sello sevillano Green Ufos, a los que tanto agradezco desde hace años el poder acceder y descubrir tanta y tan buena música de nuestros vecinos del norte. Un disco formado por una colección de exquisitas canciones pop con toques bohemios en clave chanson francesa de los 60. Este disco fue grabado en Suecia a sugerencia de Peter Von Poehl, al que Delerm conoció en Paris. Este músico sueco es el que se encarga de la producción de este disco además de interpretar un dúo vocal con Delerm en una canción. Otro ilustre que aporta su voz en otra canción es Neil Hammon (The Divine Comedy). Un disco sustentado en las melodías, que puedes usar a modo de postre después de comerte en casa un arroz con pescado preparado por ti y que te hubiera gustado compartir de rico que te ha salido.

                                                                                            

“MARRY ME TONIGHT” 2009. HTRK

Estos chicos australianos de Melbourne, de nombre pronunciado “hate rock”, se  juntaron en 2003 para crear música basada en el cine y el universo de David Lynch. El trío lo formaban Jonnine Standish (a la voz y la percusión), Nigel Yang (a la guitarra y con las programaciones) y Sean Stewart (al bajo y también con las programaciones). Este último se suicidó el año pasado. A pesar de tal trauma, han vuelto a sacar disco sin él.

“Marry Me Tonight” es su debut. Un disco de portada de gran contraste en cuanto a colores pero de sonido monocromático. Un viaje sombrío de casi 36 minutos, donde se repiten los loops una y otra vez acompañados de un penetrante y omnipresente bajo además de ráfagas de guitarras, lleno de sonidos introspectivos con reminiscencias a Suicide. Un disco que si consigues entrar en él, cosa que quizá no ocurra con la primera escucha, te puedes quedar atrapado dentro. 

Dedicado a todos los que perdieron el sombrero por el camino, entre los que me incluyo, y terminaron con todo el pelo alborotado –y la cabeza también-. Y a mi amiga Cristi, que me presentó este disco.

“RATTLESNAKES” 1984. LLOYD COLE & THE COMMOTIONS

Lloyd Cole & The Commotions son una banda escocesa formada en 1982, aunque su lider, Lloyd Cole, es inglés y actualmente vive en un pueblo en yanquilandia. Estuvieron en activo sólo cinco años, después Cole continuó con su también interesante carrera en solitario. Formaban parte de ella Lloyd Cole (voz y guitarra), Neil Clark (guitarra), Laurence Donegan (bajo), Blair Cowan (teclados) y Stephen Irvine (batería).

Este “serpientes de cascabel” es el estupendo disco con el que debutaron. Un disco redondo de pop elegante, lleno de canciones luminosas y con un sonido amable para cualquier oído. En éste disco el tono de voz de Lloyd Cole es protagonista. Luego están los entramados de guitarras cristalinas –una rítmica, otra solista-, y también algún arreglo de cuerda de toque orquestal. En mi no concluyente opinión es uno de los mejores discos de pop de los 80. Un disco emocional que gusta más tras varias escuchas. Un poco de luz y optimismo en estos días de cruda realidad social, de la que puede llegar a afectar al ánimo de las personas. “Rattlesnakes”, muy recomendable.

“SOLO PIANO” 2004. GONZALES

Gonzales es el nombre artístico de Jason Charles Beck, cantante, productor, compositor, actor y guionista. Un polifacético y excéntrico artista canadiense aunque residente en Francia cuya carrera musical está llena de saltos mortales en cuanto a estilos musicales se refiere. Posee una formación académica como pianista que empezó a muy temprana edad.

“Solo Piano” es un disco con el que rompe con todo lo anterior. Un disco totalmente instrumental en el que muestra sus habilidades al piano. Un disco con ambientes del siglo XIX lleno de melancolía y minimalismo, y de una sobria belleza como resultado final. En este disco aparte del sonido provocado por el golpeo sobre las cuerdas del piano hay otro sonido que es el producido por el roce de los dedos –o las uñas- de Gonzales, que le da un curioso matiz a las composiciones imprimiéndoles ritmo. Un disco editado por el sello No Format!, ya que el sello con el que tenía contrato se negó a hacerlo, dándole permiso para que lo hiciera en la competencia. Pues bien, este disco ha sido el que más copias ha vendido de todos los de Gonzales. Un disco para escuchar en silencio y que puedes usar para terminar de convencerte de que has hecho bien no yendo a la fiesta a la que tenías pensado ir este finde temiendo la resaca de la que vendría acompañada. No se puede ir a todas. En casa con buena compañía musical también se está bien.

Doy fe de que Gonzales es un gran pianista. Pude verlo en concierto durante la gira de presentación de este disco. Fue en La Casa Encendida en Madrid, con una puesta en escena que consistía en un piano de pared con parte de la caja transparente y que dejaba ver las cuerdas. También había un gran pantalla rectangular con un encuadre desde arriba de la totalidad de las teclas del piano y con las manos de Gonzales bailando sobre ellas, una de las cuales iba adornada por un enorme anillo. Pues con solo su piano de pared, Gonzales nos hizo reir, bailar y disfrutar muchísimo a los allí presentes. Memorable, un gran showman.

“PINK FLAG” 1977. WIRE

Wire son una muy influyente banda británica formada en 1976 y aún en activo a día de hoy, aunque tuvieron un paréntesis de cinco años en los 80 en los cuales algunos de sus miembros se embarcaron en otros proyectos. En principio la banda la formaban Graham Lewis (bajo y voz), Bruce Gilbert (guitarra), Colin Newman (voz y guitarra) y Robert Gotobed (batería). Wire son toda una leyenda, una banda vanguardista que le dio un sentido más profundo e intelectual al punk y también interesada por el arte. Ellos nombran como gran influencia al artista francés Marcel Duchamp.

“Pink Flag” es su disco de debut, un debut lleno de rabia y fuerza pero también de elegancia. Un disco completo y bizarro. Intenso, crudo y potente pero también melódico, con un sonido atmosférico a base de guitarras distorsionadas. 21 canciones breves e inmediatas llenas de rabia conforman este disco, un disco imprescindible sin duda y disfrutable aún más abusando del volumen. Otro de mis discos favoritos.

Aún me queda el regusto de su concierto de madrugada en el Primavera Sound del año pasado. Tremendo conciertazo el que dieron estos señores del rock, 34 años después del inicio de su andadura. Clásicos, incontestables.

“GOD HELP THE GIRL” 2009. STUART MURDOCH

Stuart Murdoch es el líder y compositor de la banda escocesa Belle & Sebastian. God Help The Girl es un proyecto personal compuesto y producido por él mismo, cocinado a fuego lento durante 5 años y es un homenaje a las mujeres, de las cuales Murdoch es un enamorado. Es un disco conceptual a modo de banda sonora para una futura película en torno a la figura de Eve, una chica que deja sus estudios y su hogar en busca de sus sueños e inquietudes y termina en un hospital psiquiátrico. A su salida tiene que volver a encontrarse a sí misma, y a la vez comienza su particular búsqueda del amor.

Las voces femeninas que aparecen en el disco son en su mayoría desconocidas. Fueron seleccionadas a través de un anuncio puesto por Murdoch. El protagonismo de la mayoría de canciones es para la voz de Catherine Ireton, pero también aparecen las voces de Brittany Stallings, Dina Bankole, Celia García, Asya, Anna Miles y Alex Klobouk. Aparte de la voz masculina del propio Murdoch también está la de Neil Hannon (The Divine Comedy). Los componentes de Belle & Sebastian colaboran en este disco. Un disco donde predominan los arreglos de cuerda y el sonido orquestal. Un muy bonito disco de pop, evocador de imágenes, muy cinematográfico. Perfecto para enamorarte aunque sólo sea mientras suenan sus 14 canciones.