“CONTRE LE CENTRE” 2004. MOBIIL

Mobiil es un dúo francés formado por Olivier Mellano (voz, guitarra, piano, sampler y programaciones) y Gaël Desbois (batería, sampler y programaciones) que empezaron su andadura en 2001. Ambos han sido músicos de escenario con ilustres de la escena francesa como Dominique A, Fraçoise Breut y Yann Tiersen entre otros. A raíz de estas colaboraciones mercenarias ambos empiezan a buscar su propio camino. Con este proyecto buscan la mezcla de elementos sonoros para crear un universo propio. Para ello se valen del noise-rock, el trip-hop, la electrónica, el jazz y la mesa de mezclas.

“Contre le centre” es su segundo disco, un disco editado por mis paisanos de Green Ufos. Todo un laberinto de sonidos, lleno de atmósferas sonoras con poca iluminación. Según ellos, la dinámica de todas las canciones es abandonar la oscuridad del fondo para buscar la luz en la superficie. Dominique A toca la guitarra en 8 de las 12 canciones que forman el disco. En la portada aparecen 2 bañistas en una piscina de forma irregular y de rojas aguas, todo sobre un fondo negro. Este es un disco algo críptico, misterioso y envolvente.

A estos chicos de Mobiil los pude ver en directo en una fiesta conmemorativa del 10º aniversario de Green Ufos en la sala El Sol de Madrid, el año de publicación de este disco. Recuerdo del concierto como tuvieron que luchar contra la contaminación en forma de sonidos acristalados que llegaban de la barra de la sala –contaminación típica por otra parte en la sala El Sol-. Igualmente disfruté de aquella noche en la que fueron varios los conciertos.

“BREL” 1977. JACQUES BREL

Jacques Brel es indiscutiblemente uno de los grandes de la chanson, un clásico indispensable, un intérprete universal e inmortal. Nacido Jacques Romain Georges en Bruselas, Bélgica, en Abril de 1929 y fallecido en Bobigny, Francia, en Octubre de 1978 aunque enterrado en Hiva Oa, una de las Islas Marquesas en la Polinesia, donde fijó su residencia desde 1974 hasta su muerte. Jacques Brel fue intérprete, compositor y también actor y director de cine. Con 23 años dejó su hogar y su trabajo en la próspera empresa familiar y empezó a actuar en cabarets de Bruselas. Después se instaló en Paris allá por el año 1954. Abandonó los escenarios –aunque siguió grabando discos- en la cumbre de su carrera en 1967, con 38 años. Lo dejó por la sensación que tenía de repetir una y otra vez el mismo truco: “Dejo los escenarios porque estoy en el momento en que ya se empieza a engañar” dijo. Sobre el escenario Brel era un espectáculo único. Sus gestos, su dicción y sus interpretaciones tenían una carga emocional muy intensa. Sudaba, gesticulaba e incluso se le caía la baba de su gran boca. Estas interpretaciones sobre el escenario en las que se entregaba totalmente engrandecieron mucho su figura. Una figura muy respetada e influyente aún a día de hoy.

“Brel” es su epitafio. Un epitafio esperanzador con el cielo como portada. Este fue el último disco que grabó Brel. Para ello abandonó su retiro en las Islas Marquesas y se fue a Paris a grabarlo, enfermo de cáncer terminal y con un solo pulmón. Hacía de aquellas 9 años que Brel no publicaba canciones nuevas. La expectación que generó esta grabación fue enorme. Este disco también es conocido como “Les Marquises” en honor a la canción que lo cierra, inspirada en las Islas Marquesas. Este es un disco más reposado que otros suyos, con preciosos arreglos acompañando la espectacular sonoridad de su voz, única. Este es el adiós del genial belga, un adiós con la vista puesta en el cielo de la portada.

La edición original en vinilo de este disco es desplegable. En el interior hay una foto ovalada de Brel sobre fondo azul en la que aparece él con perilla y con su dedo índice sobre la boca en un gesto de pedir silencio. Recuerdo cuando encontré este disco en una tienda de segunda mano en una ciudad de la Bretaña francesa junto con otro suyo y las ganas que tenía de regresar a mi casa para escucharlo. El mejor souvenir que me pude traer de mis vacaciones por el norte de Francia aquel año. Un discazo que tiene mi edad, yo nací el año de su publicación. Un buen disco para empezar elegantemente con este belga irrepetible este recién estrenado 2012. Feliz año a tod@s...

“BEEN HERE AND GONE” 2001. THALIA ZEDEK

Thalia Zedek es una gran dama del rock. Criada en Washington D.C. aunque a finales de los 70 se trasladó para estudiar a Boston. Antes de que el rock llegara a su vida le interesaba mucho la poesía. Según ella, prefiere las letras que evocan más que las que afirman, los textos más simbólicos que literales. Esta talentosa mujer, fumadora empedernida de voz desgarrada –y también con algunos problemas de adicción en el pasado- participó en varios proyectos antes de embarcarse junto a Chris Brokaw (ex-batería de Codeine) en Come. Activos hasta 1999 después de esto comenzó su carrera en solitario. Con España tiene una relación especial que data de la primera vez que giró con Come por aquí y de la amistad que trabó de aquellas con los chicos de Manta Ray y otros músicos de Gijón.

“Been Here And Gone” es su debut en solitario. Acompañada de una solida banda, en este disco enorme desgrana canciones sobre el pasado, canciones de rock crudo, rock intenso y dramático. A través de su voz rota y arrastrada, de guitarras oscuras y musculosas, teclados y cuerdas consigue marcar a las interpretaciones con una intensidad emocional que no deja indiferente. Destaca una gran versión del “Dance me To The End Of Love” de Leonard Cohen. Un disco capaz de producir cierto malestar emocional pero que puede servir de puente tendido hacia otros lugares alejados del dolor.

A Thalia Zedek la he podido disfrutar en directo un par de veces. Una de ellas fue hace muchos años en el Teatro Central. En esa ocasión tocaba la guitarra con ella Nacho Vegas y esa misma noche también tocaron sobre el mismo escenario Manta Ray. Una noche a recordar. Y la otra fue el año pasado en el Gran Teatro de Huelva, otro conciertazo de esta señora, merecedor de sobra de cogerse el coche rumbo a otra ciudad un día entre semana. Grande, muy grande Thalia Zedek.

“DETAILS NOT RECORDED” 2009. GLEN JOHNSON

Glen Johnson es un prolífico  e inquieto músico británico dotado con una sensibilidad especial que ya se le intuye al verlo en persona. Es el líder de mis admirados Piano Magic pero también ha creado música exquisita con otros proyectos suyos como Future Conditional y Textile Ranch.

“Details Not Recorded” es una colección de pausadas canciones intimistas cargadas de romanticismo y con un atrezzo mínimo. Este disco es el primero que firma con su nombre en su carrera de más de una década escribiendo y publicando canciones. Este es un disco de producción casera. Para grabarlo ha contado con la colaboración de David Sheppard (guitarras, bajo y batería), Keiron Phelan (flauta) y Josh Hillman (violín y viola), entre otros. Un disco precioso que suena a soledad y a frialdad nostálgica. Compañía perfecta para pasar la tarde en casa, sin interrupciones, sumergido en lecturas interesantes…

“NOTES TO AN ABSENT LOVER” 2009. BARZIN

Tras Barzin está Barzin Hosseini, un canadiense estudiante frustrado de literatura que abandonó sus estudios cuando se entregó por completo a la música. Grabó su primer disco en 2000 aunque no se publicó hasta 2003.

“Notes From An Absent Lover” es un disco de sonido reposado y con bonitas melodías y cuidados arreglos de piano y de cuerdas. Las composiciones tratan sobre el recurrente tema del amor, el desamor y el miedo. Y de la melancolía causada por estos sentimientos pero sin hacer drama de ella. Según él durante la grabación sufrió un sinfín de contratiempos a los que tuvo que adaptarse. Pero quedó satisfecho con el resultado final y la honestidad conseguida con las letras. La importancia de esta honestidad tenía que ver con la deuda que mantenía con la persona sobre la que van la mayoría de los textos. La sinceridad alcanzada ha sido su forma de saldar cuentas con este fantasma del pasado y del presente con el que tuvo una relación extinta ya. Un disco de ruptura a través de canciones desnudas pero alejadas del resentimiento y la culpa. El desarrollo del disco es uniforme y lineal  aunque también con algunos quiebros y recovecos. Un disco que suena  a clásico. Y que lo puedes usar para aislarte de toda la vorágine que conlleva pasear por el centro de la ciudad con todas sus cargantes luces navideñas encendidas y los ríos de gente a las que tienes que sortear hábilmente. Un disco íntimo pero no sólo para escucharlo en la intimidad. Funciona también en otras situaciones en compañía de gente.

 

“HEPTAGONO” 2001. MANTA RAY & SCHWARZ

Este es un disco conjunto de los asturianos Manta Ray y los murcianos Schwarz, por entonces compañeros de sello en Astro Discos. Para Manta Ray no era su primera colaboración a la hora de publicar un disco, ya lo habían hecho años atrás con Corcobado y con Diabologum. Manta Ray y Schwarz eran de aquellas dos bandas experimentadoras y revolucionarias dentro de la escena nacional. Dos bandas con puntos de vista parecidos que se juntan en esta ocasión para grabar en directo sin trucos ni retoques. Manta Ray surgió en el Gijón de los 90 y se les incluyó en el Xixón-Sound aunque ellos odiaban esta definición y en mi opinión no compartían mucho con el resto de grupos de aquella escena, quizá lo único que compartían eran cervezas y culines de sidra. Para mi Manta Ray son lo mejor surgido musicalmente en este país en los 90, una banda rompedora, de importancia capital y con un directo muy potente. Schwarz comienza a finales de los 90 en Murcia como un proyecto personal de Alfonso Alfonso que luego derivó en banda con la incorporación de otros músicos.

En “Heptágono” interpretan como una sola banda piezas de sus respectivos repertorios, un tema conjunto y un par de versiones, una de Kraftwerk y otra de Brian Eno. La definición de heptágono es un polígono de 7 ángulos y 7 lados. Este disco lo forman 7 temas interpretados por 7 músicos. Grabado la mayor parte en un par de días en los estudios Kyrios en Madrid. Participaron en la grabación Alfonso Alfonso (guitarra, sampler, sintetizador y voz), Juanma Martínez (bajo y teclados), César Verdú (batería y percusión), José Luis García (guitarra y voz), Frank Rudow (teclados, batería, loops, theremin y voces), Nacho Álvarez (bajo, farfisa y voces) y Xabel Vegas (batería, percusiones, metalófono y voces). Los tres primeros eran los miembros de Schwarz y los cuatro restantes los miembros de Manta Ray. Este es un disco inmenso de ritmo y desarrollos, lleno de matices. La edición en vinilo –que aún se puede comprar a través del Myspace de Schwarz- es una cuidada edición desplegable con vinilo de 220 gramos.

Dedicado a mi amiga Bti, agradecido por su hospitalidad durante estos días atrás que he pasado en Gijón -mi ciudad favorita después de la propia-disfrutando del Festival Internacional de Cine de Xixón. Y a mi amigo Curro, que también lo tiene entre su colección y que también es muy fan de Manta Ray.

“SPIDERLAND” 1991. SLINT

Slint fueron una efímera y muy influyente banda formada en 1987 en Louisville, Kentucky (en la Norteamérica profunda donde nunca ocurre nada). Para cuando se empezó a hablar de ellos ya se habían disuelto. Esto ocurrió en 1992. En 2005 se volvieron a reunir con motivo de una breve gira que hicieron. Oportunidad perdida, me hubiera encantado verlos. Slint eran en principio Brian McMahan (voz y guitarra), David Pajo (guitarra), Ethan Buckler (bajo) y Britt Walford (batería). Buckler abandonó el grupo en 1990 y fue sustituido por Todd Brashear días antes de la grabación de “Spiderland”. Slint sólo publicaron dos discos y un Ep pero ejercieron una fuerte influencia en gran parte del rock alternativo que se hizo en Estados Unidos en los 90. Ellos eran poseedores de un sonido propio muy característico que no se parecía en nada a lo que se hacía entonces. Cuando Slint dejó de existir sus miembros siguieron por otras sendas musicales. Por ejemplo David Pajo continuó con Tortoise y Britt Walford con The Breeders.

“Spiderland” es el segundo y casi póstumo disco de Slint. Las sesiones de grabación de este disco fueron bastante intensas. Brian McMahan tuvo que ser ingresado en un sanatorio mental a la finalización. El sonido de este disco es envolvente, las atmósferas recreadas en él muy densas y de evidente carácter introspectivo. Dentro del rock alternativo de la época esto era otra cosa. Un disco con un tempo especial. Un disco lleno de misterio y secretismo, un avance ralentizado hacia lo desconocido con un fuerte poder de fascinación. Un disco perturbador, una experiencia hipnótica llena de rincones oscuros. Un disco que hay que escuchar de principio a fin sin interrupciones. Seis canciones mayúsculas que rellenan este disco de poco más de ½ hora. Steve Albini (Shellac), que fue productor del primer disco de Slint, habla en una reseña sobre “Spiderland”: “En el mejor de los casos el rock me vigoriza, cambia mi estado de ánimo, dispara mi introspección o me envuelve con su sonido. “Spiderland” consigue todas estas cosas simultáneamente.” La foto de portada de este “tierra de arañas” con sus creadores con el agua al cuello es de Will Oldham. Este es otro de mis discos favoritos, de imprescindible escucha. La primera vez que escuché este disco fue como un golpe  en la cabeza, me quedé aturdido a la vez que impactado. Pero cuidado, este disco te puede cambiar el estado de ánimo irremediablemente y más aún a los de espíritu aprensivo.

“THE DEVIL, YOU + ME” 2008. THE NOTWIST

The Notwist se formaron cerca de Munich en 1989. En la actualidad el grupo está formado por los hermanos Markus (guitarra y voz) y Michael Acher (bajo), Martin Gretschmann (programaciones) y Andy Haberl (batería). Sus comienzos no tienen mucho que ver con su sonido actual. Un sonido que evolucionó en los 90 con la inclusión de la electrónica de la mano de Gretschmann. Los hermanos Acher también forman parte de otros proyectos en los que la electrónica es elemento importante. Markus lo hace en Lali Puna y Michael en Ms John Soda.

“The Devil, You + Me” es su sexto disco, publicado tras 6 años de silencio. Un disco detallista con canciones emotivas bien estructuradas. En él hay algunos parajes poco iluminados y algo desoladores aunque no es la sensación general del disco, también hay esperanza. Los arreglos del disco son obra de la Andromeda Mega Express Orchestra, especializada en interpretaciones de modern jazz. En este disco el pop y la electrónica sosegada se dan la mano junto a la voz calmada de Markus Acher. También hay texturas rock pasadas igualmente por el tamiz de la electrónica y algunas atmósferas introspectivas. Música muy personal y acogedora la de estos chicos alemanes, para disfrutarla en la intimidad, con compañía o sin ella.

“#1 RECORD” 1972. BIG STAR

Big Star fueron una banda formada en Memphis en 1971 que pasó desapercibida en su época. Todo el reconocimiento y los halagos les llegaron de manera retrospectiva, con la banda ya disuelta. La crítica no les prestó atención hasta la década siguiente. La influencia de Big Star sobre músicos y bandas posteriores es innegable. Ellos recuperaron las canciones pop inmediatas y breves en tiempos de psicodelia por doquier. Considerados también pioneros del power-pop. En principio formaban parte de Big Star Alex Chilton (guitarra & voz), Chris Bell (guitarra & voz), Andy Hummel (bajo & voz) y Jody Stephens (batería). El dúo compositivo de la banda lo formaban Chilton y Bell, aunque este último abandonó por diferencias con Chilton tras publicar su debut, que es al que se refiere esta entrada.

“#1 Record” es un debut mayúsculo. Un disco faro para generaciones posteriores, único legado de la pareja compositiva Chilton & Bell. Fue un fracaso de ventas debido a la incompetencia del sello que lo editó y a una pésima distribución. Guitarras eléctricas poderosas en algunos momentos y en otros más melódicas y acústicas. Las voces en las canciones se las turnaban Chilton y Bell. El año pasado fue reeditado este disco, con una edición en vinilo de 180 gramos y de color amarillo. Bonitas melodías pop para comenzar alegre este soleado domingo –aunque el viento y las nubes que trae consigo quizá lo torne en lluvioso-, justo antes de echarte a la calle, periódico bajo el brazo, en busca de un banco en algún rincón agradable del centro de la ciudad…

“HOLD ON LOVE” 2003. AZURE RAY

Azure Ray son Maria Taylor y Orenda Fink, dos chicas yanquis que se conocieron en la adolescencia en la escuela de arte de Alabama. En sus discos crean encantadoras atmósferas de duermevela y en ellos la producción es fundamental para crear su particular sonido. Maria Taylor también tiene una interesante y productiva carrera en solitario.

Este es su tercer disco. Un disco intimista de pop a cámara lenta con voces susurrantes y sonidos experimentales, además de arreglos de cuerda. Aparte de instrumentos acústicos también hay en sus canciones bases y loops de electrónica doméstica. Un bonito disco de bonita portada. Música intimista e introspectiva para pasar una agradable velada en casa.

“THE NATURAL BRIDGE” 1996. SILVER JEWS

Silver Jews era el proyecto de David Berman más los invitados para cada ocasión –quiero decir discos-. Entre estos invitados han estado varias veces integrantes de Pavement, por lo que en principio se le tuvo en cuenta como un grupo satélite de estos. No opino igual. Para mí los discos de Silver Jews poseen el suficiente carácter como para ser dueños de un espacio propio, aunque si se nota en su discografía la influencia de la escena neoyorquina de los 90 a la que pertenecían. La poca o ninguna estabilidad emocional de David Berman además de sus peligrosas y destructivas aventuras con las drogas provocaron el silencio del grupo durante varios años. Finalmente se disolvieron en 2009.

“The Natural Bridge” es un disco desnudo y confesional en el que tiene mucho peso la particular vibración de la voz de Berman. Para este disco dejó atrás a sus amigos de Pavement, siendo muy diferente a su anterior disco de debut. Grabado en una antigua fábrica de armas, fue un disco de complicada grabación. Un disco con cierta aureola country. Sosegado, simple al oído. Para escucharlo de principio a fin al salir de la ducha después de un día laboralmente largo, tirado en la cama con una toalla mal amarrada como única indumentaria. Un ejercicio este muy recomendable, relajación física y emocional asegurada.

“WE´LL DRIVE HOME BACKWARDS” 2008. COCOSUMA

Sobre Cocosuma no tengo muchos datos. Sólo sé que son un trío de Paris compuesto por Chab, Michelle y Amanda –ella es londinense-. También sé por experiencia propia que merece la pena pagar por verlos en directo. Lo hice el año que sacaron este disco, tocaron en el Monasterio de La Cartuja. Un concierto muy alegre y muy disfrutable. Aquí fue donde los descubrí y los hice míos.

Este disco del que hablo es su cuarto trabajo. Amanda, la vocalista, se incorporó al grupo en este disco. Un disco muy completo lleno de bonitas melodías acompañadas de la algo infantil y cristalina voz de Amanda. Canciones muy completas de pop naif con toques psicodélicos en algunas partes y optimismo a raudales, acorde con mi estado de ánimo actual. En la última pista después de muchos segundos de silencio hay una sorpresa final a modo de nana. Un disco para comenzar el día sonriendo, incluso para los que las circunstancias dificultan el encontrar la sonrisa. Dedicado a Cristina de Castellón, que una mañana escuchó este disco en mi coche mirando al mar después de una noche etílicos e insomnes y le gustó mucho.

“REMUÉ” 1999. DOMINIQUE A

Dominique Ané es un francés nacido en la antigua capital de la Bretaña francesa, Nantes, aunque reside en Bruselas. Un clásico del rock europeo, punta de lanza de la nueva canción francesa en los 90. Un gran compositor y un intérprete magistral, con un enorme poderío escénico. En sus composiciones rock y minimalismo se dan la mano de una forma muy particular. Su referente es Jacques Brel, al que llama “el Johnny Cash belga”. Según él la inspiración la busca en el trabajo de otros, su “alimento espiritual”. El que cruzara los Pirineos y se diera a conocer en España hay que agradecérselo al sello sevillano Green Ufos, que empezó a distribuirlo por aquí y que terminó editando sus trabajos. Con ellos el de Nantes mantiene una relación estrecha.

“Remué” es su quinto trabajo. Un disco de ruptura lleno de acordes repetitivos y algún elemento trip-hop. También hay espacio para alguna floritura rock. Inquietud, melancolía y brumas de tristeza provocada por los recuerdos sobrevuelan este disco. Un disco lleno de dramatismo y tensión.

A mi admirado Dominique A lo he visto en directo muchas veces y nunca me ha defraudado. Con banda y sin ella conciertazos todos los que le he visto. Recuerdo el del año pasado en el teatro Lope de Vega en el que cosechó una muy merecida ovación de varios minutos de todo el público puesto en pie. Este fin de semana ha actuado en el SouthPop de Isla Cristina, en Huelva, cerca de la frontera portuguesa, para los afortunados asistentes a este muy especial y sibarita festival. Yo no he estado allí –y será la primera edición desde sus orígenes que no lo haga- y no por que no quisiera sino porque cuando intenté reservar habitación en el Barceló (hotel en torno al que gira el festival) ya no quedaban. Y yo a este festival o voy de señor o no voy. En fin. Dominique A, un grande con mayúsculas, uno de mis favoritos.

“LOLITA GO HOME” 1975. JANE BIRKIN

Jane Mallory Birkin es una corredora de fondo, 40 años de carrera lo avalan. Londinense de nacimiento aunque residente en Francia desde los años 60. Parte de su infancia la pasó en la isla de Wight en un internado. Actriz y cantante al igual que su madre, su padre era comandante de marina. Junto a su segundo marido, el gran Serge Gainsbourg, formó la pareja de moda de la época. Una relación muy fructífera artísticamente de la que nació Charlotte Gainsbourg, continuadora de la saga familiar. Con Gainsbourg grabó un disco en el que aparece la sensual canción -censurada en muchas radios y denunciada por el Vaticano- “Je t´aime… moi non plus” en la que termina fingiendo (o no) gemir de placer al hacer el amor. El compondría gran parte de sus canciones incluso después de separarse.

“Lolita Go Home” es su tercer disco en solitario. Con ella cantando en inglés y francés rodeada de ritmo y teclados, aportando susurros y sensualidad con su voz quebradiza y frágil. Ninguna de las composiciones o las letras son suyas –de hecho hasta hace pocos años no se había atrevido a escribir letras propias-. Un disco tildado de mediocre pero que a mí me hace buena compañía cuando lo pongo, una compañía de poco más de media hora. Para mí su valor radica en el dulce encanto que desprende, la foto de la portada con ella esposada ya lo deja intuir. Recomendable para andar por casa.