“THE DEVIL, YOU + ME” 2008. THE NOTWIST

The Notwist se formaron cerca de Munich en 1989. En la actualidad el grupo está formado por los hermanos Markus (guitarra y voz) y Michael Acher (bajo), Martin Gretschmann (programaciones) y Andy Haberl (batería). Sus comienzos no tienen mucho que ver con su sonido actual. Un sonido que evolucionó en los 90 con la inclusión de la electrónica de la mano de Gretschmann. Los hermanos Acher también forman parte de otros proyectos en los que la electrónica es elemento importante. Markus lo hace en Lali Puna y Michael en Ms John Soda.

“The Devil, You + Me” es su sexto disco, publicado tras 6 años de silencio. Un disco detallista con canciones emotivas bien estructuradas. En él hay algunos parajes poco iluminados y algo desoladores aunque no es la sensación general del disco, también hay esperanza. Los arreglos del disco son obra de la Andromeda Mega Express Orchestra, especializada en interpretaciones de modern jazz. En este disco el pop y la electrónica sosegada se dan la mano junto a la voz calmada de Markus Acher. También hay texturas rock pasadas igualmente por el tamiz de la electrónica y algunas atmósferas introspectivas. Música muy personal y acogedora la de estos chicos alemanes, para disfrutarla en la intimidad, con compañía o sin ella.

“#1 RECORD” 1972. BIG STAR

Big Star fueron una banda formada en Memphis en 1971 que pasó desapercibida en su época. Todo el reconocimiento y los halagos les llegaron de manera retrospectiva, con la banda ya disuelta. La crítica no les prestó atención hasta la década siguiente. La influencia de Big Star sobre músicos y bandas posteriores es innegable. Ellos recuperaron las canciones pop inmediatas y breves en tiempos de psicodelia por doquier. Considerados también pioneros del power-pop. En principio formaban parte de Big Star Alex Chilton (guitarra & voz), Chris Bell (guitarra & voz), Andy Hummel (bajo & voz) y Jody Stephens (batería). El dúo compositivo de la banda lo formaban Chilton y Bell, aunque este último abandonó por diferencias con Chilton tras publicar su debut, que es al que se refiere esta entrada.

“#1 Record” es un debut mayúsculo. Un disco faro para generaciones posteriores, único legado de la pareja compositiva Chilton & Bell. Fue un fracaso de ventas debido a la incompetencia del sello que lo editó y a una pésima distribución. Guitarras eléctricas poderosas en algunos momentos y en otros más melódicas y acústicas. Las voces en las canciones se las turnaban Chilton y Bell. El año pasado fue reeditado este disco, con una edición en vinilo de 180 gramos y de color amarillo. Bonitas melodías pop para comenzar alegre este soleado domingo –aunque el viento y las nubes que trae consigo quizá lo torne en lluvioso-, justo antes de echarte a la calle, periódico bajo el brazo, en busca de un banco en algún rincón agradable del centro de la ciudad…

“HOLD ON LOVE” 2003. AZURE RAY

Azure Ray son Maria Taylor y Orenda Fink, dos chicas yanquis que se conocieron en la adolescencia en la escuela de arte de Alabama. En sus discos crean encantadoras atmósferas de duermevela y en ellos la producción es fundamental para crear su particular sonido. Maria Taylor también tiene una interesante y productiva carrera en solitario.

Este es su tercer disco. Un disco intimista de pop a cámara lenta con voces susurrantes y sonidos experimentales, además de arreglos de cuerda. Aparte de instrumentos acústicos también hay en sus canciones bases y loops de electrónica doméstica. Un bonito disco de bonita portada. Música intimista e introspectiva para pasar una agradable velada en casa.

“THE NATURAL BRIDGE” 1996. SILVER JEWS

Silver Jews era el proyecto de David Berman más los invitados para cada ocasión –quiero decir discos-. Entre estos invitados han estado varias veces integrantes de Pavement, por lo que en principio se le tuvo en cuenta como un grupo satélite de estos. No opino igual. Para mí los discos de Silver Jews poseen el suficiente carácter como para ser dueños de un espacio propio, aunque si se nota en su discografía la influencia de la escena neoyorquina de los 90 a la que pertenecían. La poca o ninguna estabilidad emocional de David Berman además de sus peligrosas y destructivas aventuras con las drogas provocaron el silencio del grupo durante varios años. Finalmente se disolvieron en 2009.

“The Natural Bridge” es un disco desnudo y confesional en el que tiene mucho peso la particular vibración de la voz de Berman. Para este disco dejó atrás a sus amigos de Pavement, siendo muy diferente a su anterior disco de debut. Grabado en una antigua fábrica de armas, fue un disco de complicada grabación. Un disco con cierta aureola country. Sosegado, simple al oído. Para escucharlo de principio a fin al salir de la ducha después de un día laboralmente largo, tirado en la cama con una toalla mal amarrada como única indumentaria. Un ejercicio este muy recomendable, relajación física y emocional asegurada.

“WE´LL DRIVE HOME BACKWARDS” 2008. COCOSUMA

Sobre Cocosuma no tengo muchos datos. Sólo sé que son un trío de Paris compuesto por Chab, Michelle y Amanda –ella es londinense-. También sé por experiencia propia que merece la pena pagar por verlos en directo. Lo hice el año que sacaron este disco, tocaron en el Monasterio de La Cartuja. Un concierto muy alegre y muy disfrutable. Aquí fue donde los descubrí y los hice míos.

Este disco del que hablo es su cuarto trabajo. Amanda, la vocalista, se incorporó al grupo en este disco. Un disco muy completo lleno de bonitas melodías acompañadas de la algo infantil y cristalina voz de Amanda. Canciones muy completas de pop naif con toques psicodélicos en algunas partes y optimismo a raudales, acorde con mi estado de ánimo actual. En la última pista después de muchos segundos de silencio hay una sorpresa final a modo de nana. Un disco para comenzar el día sonriendo, incluso para los que las circunstancias dificultan el encontrar la sonrisa. Dedicado a Cristina de Castellón, que una mañana escuchó este disco en mi coche mirando al mar después de una noche etílicos e insomnes y le gustó mucho.

“REMUÉ” 1999. DOMINIQUE A

Dominique Ané es un francés nacido en la antigua capital de la Bretaña francesa, Nantes, aunque reside en Bruselas. Un clásico del rock europeo, punta de lanza de la nueva canción francesa en los 90. Un gran compositor y un intérprete magistral, con un enorme poderío escénico. En sus composiciones rock y minimalismo se dan la mano de una forma muy particular. Su referente es Jacques Brel, al que llama “el Johnny Cash belga”. Según él la inspiración la busca en el trabajo de otros, su “alimento espiritual”. El que cruzara los Pirineos y se diera a conocer en España hay que agradecérselo al sello sevillano Green Ufos, que empezó a distribuirlo por aquí y que terminó editando sus trabajos. Con ellos el de Nantes mantiene una relación estrecha.

“Remué” es su quinto trabajo. Un disco de ruptura lleno de acordes repetitivos y algún elemento trip-hop. También hay espacio para alguna floritura rock. Inquietud, melancolía y brumas de tristeza provocada por los recuerdos sobrevuelan este disco. Un disco lleno de dramatismo y tensión.

A mi admirado Dominique A lo he visto en directo muchas veces y nunca me ha defraudado. Con banda y sin ella conciertazos todos los que le he visto. Recuerdo el del año pasado en el teatro Lope de Vega en el que cosechó una muy merecida ovación de varios minutos de todo el público puesto en pie. Este fin de semana ha actuado en el SouthPop de Isla Cristina, en Huelva, cerca de la frontera portuguesa, para los afortunados asistentes a este muy especial y sibarita festival. Yo no he estado allí –y será la primera edición desde sus orígenes que no lo haga- y no por que no quisiera sino porque cuando intenté reservar habitación en el Barceló (hotel en torno al que gira el festival) ya no quedaban. Y yo a este festival o voy de señor o no voy. En fin. Dominique A, un grande con mayúsculas, uno de mis favoritos.

“LOLITA GO HOME” 1975. JANE BIRKIN

Jane Mallory Birkin es una corredora de fondo, 40 años de carrera lo avalan. Londinense de nacimiento aunque residente en Francia desde los años 60. Parte de su infancia la pasó en la isla de Wight en un internado. Actriz y cantante al igual que su madre, su padre era comandante de marina. Junto a su segundo marido, el gran Serge Gainsbourg, formó la pareja de moda de la época. Una relación muy fructífera artísticamente de la que nació Charlotte Gainsbourg, continuadora de la saga familiar. Con Gainsbourg grabó un disco en el que aparece la sensual canción -censurada en muchas radios y denunciada por el Vaticano- “Je t´aime… moi non plus” en la que termina fingiendo (o no) gemir de placer al hacer el amor. El compondría gran parte de sus canciones incluso después de separarse.

“Lolita Go Home” es su tercer disco en solitario. Con ella cantando en inglés y francés rodeada de ritmo y teclados, aportando susurros y sensualidad con su voz quebradiza y frágil. Ninguna de las composiciones o las letras son suyas –de hecho hasta hace pocos años no se había atrevido a escribir letras propias-. Un disco tildado de mediocre pero que a mí me hace buena compañía cuando lo pongo, una compañía de poco más de media hora. Para mí su valor radica en el dulce encanto que desprende, la foto de la portada con ella esposada ya lo deja intuir. Recomendable para andar por casa.

“LAS LEYES DEL EQUILIBRIO” 2006. JULIO DE LA ROSA

Julio de la Rosa es un jerezano inquieto con años de carrera musical a la espalda. Formó parte importante de El Hombre Burbuja hasta su disolución. Después de aquella fructífera aventura musical continuó con su carrera en solitario. Sus habilidades literarias han sido publicadas en un par de libros además de ser evidentes en sus canciones. También ha compuesto bandas sonoras para el cine. Todo un artista proveniente de una familia de artistas.

“Las leyes del equilibrio” es su segundo disco en solitario. Un disco donde según él cada canción es un capítulo de una novela, un disco narrativo. El protagonismo es en torno a Manuel, cuya historia empieza con una ruptura sentimental y continúa con situaciones llenas de dramatismo. La instrumentación está llena de texturas y matices. Ambientes evocadores, huyendo del patrón rock, marcan el ritmo de este buen disco en el que hay que prestar atención a sus letras. Perfecto para escuchar en el salón de casa con un buen whisky envejecido como compañía.

Anoche lo estuve viendo en directo en el Monasterio de La Cartuja, dentro del ciclo Nocturama.  Afinando constantemente su guitarra y desgañitándose al final. Acompañado de banda dio un buen concierto aunque a mí no me gustó mucho excepto en momentos puntuales. Me gustó más en la intimidad del Fun Club hace años presentando este disco. Estaba él sólo en el escenario y con la ayuda de un auto-loop se bastó y se sobró para emocionar a los que estuvimos allí aquella noche. Grato recuerdo conservo de aquel concierto. La noche de ayer me la salvó la compañía y la cerveza.

“HABIAK” 2000. ANARI

Detrás de Anari esta Ana Rita Alberdi, una guipuzcoana de Azkoitia profesora de hispánica y filosofía en un instituto. Dueña de un imaginario propio en el que tiene gran importancia la naturaleza. Imagino que para los nacidos y criados en el País Vasco, la naturaleza tiene que ser una fuente de inspiración poderosa. Ella canta en Euskera, orgullosa de sus raíces, y la sonoridad de las palabras tiene mucha importancia.

“Habiak” es su segundo disco, en el que hay dolor soterrado y pérdidas de rumbo. También miedo a los demás y a uno mismo. La escucha de este disco requiere de asiento y atención. Unas letras muy buenas llenas de metáforas. El disco se mueve entre lo acústico y lo eléctrico, con unos bonitos arreglos de cuerda y piano y la voz de Anari que suena a vulnerabilidad . Los coros son una colaboración de Ruper Ordorika. Rock seco para combatir la sensación de soledad en la ciudad, en agosto, con el sol cayéndose a cachitos. Se debe de estar bien ahora por Euskadi con un txakoli en las manos, mirando al Cantábrico, al fresquito…

“NOTES AND THE LIKE” 2006. MS. JOHN SODA

Ms John Soda son Stephanie Böhm y Michael Acher. Son alemanes, amantes de la estética futurista. Michael Acher también forma parte de The Notwist (buenísimos) y Stephanie Böhm toca los teclados en Couch. Sus discos y EPs han sido editados por el sello berlinés Morr Music. Ellos crean sus canciones a partir de multitud de instrumentos y electrónica, prestando especial atención a los detalles.

“Notes And The Like” es su segundo disco, formado por –según ellos mismos- canciones que tratan sobre los problemas de comunicación, los malentendidos y la necesidad de buscar y encontrar. Canciones que poseen un gran abanico de sonidos. Guitarras, bajos, ruiditos electrónicos, arreglos de cuerda, sintetizadores y la tierna voz de Stephanie convierten a este disco en toda una delicia, una escucha agradable a cualquier hora.

Recuerdo su concierto en el SouthPop Festival de 2007 en el teatro Alameda. Stephanie y Michael llevaban colgados sendos bajos que rasgaban con fuerza e iban acompañados de un batería y otro chico a los mandos de los sintetizadores. Me dejaron boquiabierto y no fui el único. Conciertazo que ofrecieron delante de los afortunados que nos pusimos aquel año la pulserita del ya clásico festival sevillano.

“BURNING SAND” 2008. SOUTHERN ARTS SOCIETY

Southern Arts Society es mi banda sevillana favorita. Es la banda de Andy Jarman, un londinense afincado en Sevilla desde hace 20 años aunque por su acento pareciera que es un recién llegado. No es su primera aventura musical, anteriormente ya se había embarcado en otras, entre ellas Strange Fruit. Él formo junto a otros a principios de los 90 “El Colectivo Karma”, mítico sello sevillano que editó los primeros trabajos de Sr. Chinarro y Maga, entre otros. En este disco del que hablo la formación eran Andy Jarman a la voz y al bajo, Jesús Bascón “Chumi” a los teclados y arreglos de cuerda, Israel Diezma a la guitarra y lap steel, Albert Pielfort a la viola y Manuel Martínez a la batería.

“Burning Sand” es su segundo trabajo. Un disco muy cuidado en la producción y con las colaboraciones de Gary Olson (The Ladybug Transistor), François Breut, Muni Camon y Toger Quigley (The Mongolfier Brothers, At Swin Two Birds). Formado por canciones recurrentes a temáticas españolas e incluso una de ellas sobre la particular Sevilla. La portada está sacada de un cartel de nuestra guerra civil dirigido a campesinos. Un disco de bonitas melodías, delicadas armonías, arreglos preciosistas y melancolía y luminosidad a partes iguales. Un discazo de pop clásico, muy bueno.

Las veces que he visto a la Sociedad Artística Sureña en concierto siempre he disfrutado –y son muchas- e incluso he hecho kilómetros para verlos. El año pasado tocaron en el FIB (por lo que tuvieron que invitarme a alguna cerveza, ellos saben por qué).

“NO SEASONS” 2009. JACUZZI BOYS

Para estos días de calor y sopor persistente, de idas y venidas a la costa compaginadas con la rutina laboral –o mejor aún de vacaciones si eres afortunado-, apetecen discos frescos e inmediatos. Este es uno de esos.

Jacuzzi Boys son un trío de amigos de ascendencia hispana originarios de Miami, en la soleada Florida. A la guitarra y la voz está Gabriel Alcalá, al bajo Danny Rojas y a la batería y también la voz Diego Monasteri. Ellos hacen un rock garagero con reminiscencias al pasado pero muy actual. Incluso el mismísimo Iggy Pop –que ahora vive inexplicablemente en Miami- se ha referido a ellos en alguna entrevista como un grupo muy interesante. Comparto la opinión de La Iguana.

“No seasons” es su disco de debut, previamente habían editado varios singles. Un disco de portada con connotación sexual lleno de hits a base de power-pop con tintes psicodélicos. Una amalgama de riffs de guitarra y buenas melodías. Canciones frescas e inmediatas, de las que te tiran de la camiseta para ponerte a bailar. Al terminar el disco te quedas con ganas de más, el minutaje es escaso. Pero siempre puedes volver a reproducirlo, con un poco más de volumen incluso.

“ONGIARA” 2007. GREAT LAKE SWIMMERS

Desde Ontario, Canadá, viene esta banda de folk con tintes country. Es el proyecto de Tonny Dekker (voz y guitarra acústica) junto con Erik Arnesen (banjo y guitarra eléctrica) y Colin Huebert (percusión). Juntos desde 2003, sus discos contienen un particular folk etéreo y minimalista, con melodías muy cuidadas.

“Ongiara” es su tercer disco. El nombre viene del barco que les llevaba a la isla donde grabaron las primeras sesiones del disco. Son varias las colaboraciones que se dan cita aquí de otros músicos con aportación de voces e instrumentos varios. Un disco luminoso y alegre pero también cargado de melancolía y con parajes en penumbra, lleno de sentimientos, directo a la fibra sensible. Evocador de la ingenuidad que ya dejamos atrás. 44 minutos de buena compañía en la intimidad de esos días en los que uno se levanta con una sosegada y vaga tristeza nacida de los sentimientos. Un disco hermoso y alentador.

“2” 2010. RETRIBUTION GOSPEL CHOIR

El asistir a conciertos entresemana de la intensidad del que pude disfrutar anoche conlleva sufrir de “día después” un miércoles, teniendo que afrontar una jornada laboral que la resaca hace que sea más pesada de lo habitual. Pero merece la pena. Anoche en la sala Malandar por aquí por la ciudad del calor pude ver al incendiario trío Retributión Gospel Choir. También pude verlos el año pasado en el teatro Pedro Muñoz Seca del Puerto de Santa María, en la gira de presentación de este disco del que hablo en esta entrada, pero aquella vez era un espacio grande, de techos altos y estábamos forzosamente sentados. Anoche no, no había techos altos ni butacas, y la cercanía con los músicos y la intensidad de principio a fin de su concierto hacía que te salpicara el sudor que desprendían y que tu sed de cerveza creciera a medida que avanzaba el concierto. Conciertazo de los de recordar, con un Alan Sparhawk desprendido de toda mesura que no paraba de gesticular mientras soltaba con furia su mano derecha para sacar sonidos a su Gibson, un bajo tocado magistralmente y un batería enérgico y con evidente pasado heavy. De lo mejor que he visto este año. Pasemos a hablar de ellos.

Retribution Gospel Choir son de Minnesota, Estados Unidos. Alan Sparhawk es su cerebro, guitarrista y cantante, Steve Garrington es su bajista y Eric Pollard su batería. Los dos primeros también son miembros de mis amados Low, el proyecto principal de Sparhawk junto a su mujer Mimi Parker, un proyecto más pausado y espiritual. Con Retribution Gospel Choir Sparhawk deja a la vista su lado más tormentoso, rockero y salvaje.

“2” es su segundo disco, un disco de rock de alto voltaje, incluso atronador por momentos con una cuidada edición en vinilo, con el nombre del grupo en relieve en la portada y el vinilo de color azul con vetas. Guitarrazos, mucha batería y un rítmico bajo junto con la voz de Alan, formando un sonido potente y compacto. Rock intenso, exaltado y visceral pero que te deja espacios para respirar puntuales. Evidentemente este disco pide subir el volumen, que se jodan los vecinos. Muy grandes estos chicos de Minnesota, y en directo brutales.