AVISO PARA VISITANTES

Inexplicablemente, cosas de la informática, al abrir este blog con el navegador Explorer no se visualiza en cada una de sus entradas el reproductor que había -y que sigue habiendo- al pie de cada una de ellas. No ocurre lo mismo al hacerlo con Firefox o con Chrome. Trabajamos en ello, manos expertas amigas investigan la raíz del problema.

“CURTAINS” 1997. TINDERSTICKS

Formados en Nottingham, Inglaterra a principios de los 90, Tindersticks son una banda poseedora de un universo propio, con un sonido envolvente, de marcado romanticismo. Los muchos arreglos de cuerda y viento y la voz de Stuart A. Staples son los protagonistas de este sonido. La formación original la componían Stuart A. Staples (voz, guitarra y melódica), Dickon J. Hinchlife (guitarra, piano, violín y arreglos de cuerda y viento), Neil T. Fraser (guitarra y vibráfono), David L. Boulter (teclados y percusiones), Alasdair R. De Villeneuve (batería, percusiones y trompeta) y Mark A. Collwill (bajo). A día de hoy la formación está reducida a trío. La música de Tindersticks es música con sentimiento que parte del pop con arreglos orquestales, con toques jazz y soul. Son una banda con melodías densas, atmósferas nostálgicas y algo dramáticas, intensas y elegantes. Nick Cave los ha citado como ejemplo de músicos que rescataban el ideal lorquiano del duende, que él lo relaciona con la tristeza y el misterio. De Tindersticks se ha dicho que su discografía tiene altibajos –que puede ser cierto-, y también que desde hace tiempo son más de lo mismo. No entiendo porque una banda que encuentra su sonido propio tenga que evolucionar este o cambiarlo. Se lo que me voy a encontrar en un disco de Tindersticks, cuando me pongo alguno quiero más de lo mismo. Los he podido ver en directo un par de veces, la última este año aquí en mi ciudad, dentro del festival Territorios y otra hace un par de años en otro festival, en La Route du Rock en Saint Malo, en la Bretaña francesa. La verdad es que no son sitios los festivales para disfrutar de sus conciertos, preferiría poder verlos en un sitio más íntimo, en un teatro. Al que sí que pude ver en un teatro fue a Stuart A. Staples también aquí en Sevilla, en el Teatro Central hace tres años y me gustó mucho.

“Curtains” es el tercer disco de los de Nottingham. Para mí este fue el primer disco que escuché de Tindersticks y fue todo un flechazo desde la primera escucha. Disco de tempo pausado, excepto alguna excepción, y en el que los arreglos de cuerda tienen un gran peso. Laberintos musicales y algún momento grandilocuente forman parte de él. El cierre del disco es un dúo de Staples con Isabella Rossellini. Un disco para corazones desconchados y también como compañía para viajes al volante en otoño.

 

“BEAT PYRAMID” 2007. THESE NEW PURITANS

Banda formada por jovencísimos músicos en Southend On Sea, ciudad que sirve de estuario al Támesis en Inglaterra. Sus miembros son Jack Barnett (voz y guitarra), su hermano gemelo George Barnett (batería & percusión), Thomas Hein (bajo) y Sophie Sleigh-Johnson (sintetizadores). El alma del grupo son los gemelos Barnett, muy aficionados a la música desde temprana edad. Su madre estuvo en un grupo de rock y su abuelo era organista. La referencia a “puritanos” en el nombre de la banda viene según ellos a que les gusta mantener las cosas lo más sencillas, puras y directas posibles a nivel de sonido e ideas. Su música es difícil de clasificar, pero para entendernos podría ser algo así como post-punk moderno con electrónica abstracta.

“Beat Pyramid” es su debut, un debut un tanto extraño lleno de hits potenciales y también de canciones menos inmediatas. 16 cortes que sólo se prolongan durante 35 minutos, pero 35 minutos intensos. El protagonismo del disco es para sus particulares percusiones que lo convierten en un disco de ritmo mayormente. Un disco anguloso y de sonido afilado. Hace tres años pude verlos en directo dentro de los conciertos de la 45 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón. Su imagen fría y ambigua, sus bailes espasmódicos, su potente ritmo, lo atropellado de sus letras escupidas al micrófono por Jack Barnett y sobre todo lo novedoso e interesante de su propuesta me hicieron exclamar: ¡Que cabrones!

"MORE LIGHT" 2004. NISEI

Desde Vilassar de Mar, en Barcelona, este trío formado en 2002 por Cristian Pallejá (guitarra & voz), Alfons Serra (batería) y Edu Campos (bajo) presentaron su primer larga duración en 2004, con las letras en inglés. Después sacaron otro en 2007, esta vez con las letras en catalán –ya como cuarteto- y pendientes este año de publicar un 7” en colaboración con Za! (otro muy interesante grupo experimental de la escena barcelonesa). A finales del mes pasado emitían un comunicado a través de su web: “Nisei hemos decidido parar toda actividad del grupo por un tiempo indeterminado”. Esperemos que regresen pronto. Su música, definida o encasillada como postcore tiene una clara vertiente rock, pero un rock disonante en la línea de Slint o Shellac.

“More Light” es su disco de debut. Editado por el sello barcelonés BCore y producido por Karlos Osinaga, de Lisäbo (otro tremendo grupo vasco, muy potentes y viscerales). En este disco encuentras desarrollos complejos e imprevisibles, subidas abruptas, muchas guitarras y potente percusión. La voz de Cristian suena como lejana. Dos veces he podido verlos en directo y ambas aquí por la capital hispalense. La primera dentro del SouthPop que se desarrolló en el Monasterio de la Cartuja hace un par de años y la otra al año siguiente en el Fun Club con poco éxito de público, éramos unos 15. En ambas ocasiones muy buen concierto el que dieron estos chicos catalanes. Gente con talento.

"OMEGA" 1996. ENRIQUE MORENTE & LAGARTIJA NICK

Enrique Morente nació en Motril, Granada en 1942, el día de Navidad, aunque criado en el barrio del Albaicín de la capital granadina. Es un cantaor flamenco entre renovador y clásico pero sobre todo innovador. Amigo y colaborador de multitud de músicos de muy diferentes vertientes. Admirado por muchos y criticado por otros tantos. Poseedor de una extensa y variopinta discografía que arrancó en 1967. Había una frase que le gustaba repetir: “Antes morir que perder la vida”. Murió esta misma semana, en plenitud de facultades artísticas y con mucho que decir musicalmente aún. A él hay que agradecer el haber acercado el flamenco a mucha gente que quizás no lo hubiera hecho de otro modo, sus muchas colaboraciones con músicos alejados a priori del flamenco (incluso algún concierto con Sonic Youth ha dado) han posibilitado esto.

Lagartija Nick son una banda de rock granadina con connotación punk formada en 1991 y aunque su formación ha variado con el paso de los años, originariamente la formaban Antonio Arias, voz y bajo (antes en 091), Juan Codorniu, guitarra, Miguel Ángel Rodríguez Pareja, guitarra y Eric Jiménez a la batería (hoy en día en Los Planetas).

“Omega” es un experimento musical algo extraño, sin precedentes y que hizo poner el grito en el cielo a los puristas del flamenco. En este disco se canta a Federico García Lorca y a Leonard Cohen y se confronta el cante jondo de Morente con el rock de Lagartija Nick. Cuando se comenzó a gestar el disco, Morente andaba trabajando en un disco de homenaje a Leonard Cohen y también quería trabajar los poemas de su admirado Lorca en “Un poeta en Nueva York”. Por otra parte Lagartija Nick estaba buscándolo para una colaboración y cuentan que una noche en un bar Morente escuchó a Eric Jiménez aporrear la barra por bulerías y ahí comenzó todo. Sony, por aquellas discográfica de Lagartija Nick, se negó a financiar el proyecto y no fue la única que les dio un no por respuesta. Hubo que crear un sello discográfico expresamente para este disco. Lo llamaron Discos Probéticos por aquello de los “probes” flamencos. Casi año y medio de ensayos y pruebas después “Omega” vio la luz. Fueron muchos artistas los que colaboraron en el disco, entre ellos Vicente Amigo y Tomatito. Al salir el disco Leonard Cohen dijo desde Canadá que era uno de los discos que más le habían emocionado jamás. Un disco para escucharlo tranquilamente y emocionarse conforme avanza. Una obra maestra, sin duda. In Memoriam.

"LOVED" 1994. CRANES

Cranes son una banda formada en torno a los hermanos Jim y Alison Shaw a mediados de los 80 en Portsmouth, Inglaterra, una ciudad portuaria del Canal de La Mancha. El nombre del grupo, “grúas” en inglés, viene de la multitud de estas que existen alrededor del puerto de Portsmouth. Doy fe de que son muchas las que hay. Su propuesta va desde el shoegaze al dream pop. El sonido del grupo gira en torno a la voz de Alison, una voz como de niña perdida pero una niña perdida tranquila y susurrante. Las guitarras también son protagonistas.

“Loved” es para mí su mejor disco. No es un disco alegre precisamente. Es un disco de canciones frágiles pero hermosas, con melodías ambientales. El estado anímico al que te puede llevar este disco es a un estado de suave ensoñación. El toque naif del disco es inevitable con la infantil voz de registro agudo de Alison Shaw. El año pasado pude verlos en directo dentro del Nocturama –conciertos en el Monasterio de la Cartuja que nos salvan el verano en esta muy calurosa ciudad- y aunque al principio tuvieron o problemas de sonido o de comodidad, disfruté mucho, un noche memorable.

“HOME” 2004. BENJAMIN BIOLAY & CHIARA MASTROIANNI

Benjaminn Biolay es un músico, compositor y productor francés nacido en 1973. De abultada discografía a día de hoy, ha sido comparado muchas veces con el gran Serge Gainsbourg (pero en guapo) y nombrado abanderado de la nueva chanson francesa. Su música es intimista y se sitúa entre la chanson y el pop con toques jazz.

Chiara Mastroianni es actriz con una privilegiada genética. Es hija de Catherine Deneuve y de Marcelo Mastroianni. A raíz de su matrimonio con Benjamin Biolay empezó a hacer colaboraciones en el mundo de la música. Suyos son los coros de “Negatif”, disco de Benjamin Biolay de 2003.

“Home” es un disco íntimo grabado cuando Benjamin y Chiara aún eran matrimonio. Fue un matrimonio breve pero afortunadamente antes de divorciarse nos dejaron esta, en mi opinión, pequeña joya. Un disco luminoso, muy melódico. Las canciones, cuando participan ambos, parecen convertirse en diálogos. Él siempre detrás de ella, con un tímido murmullo. Ella con su preciosa voz etérea. Un disco en francés pero en el que también se cuela el inglés. La música es de Benjamin así como la mayoría de las letras aunque en algunas también participa Chiara. Un disco perfecto como banda sonora de tardes de sofá.

"BANANAMOUR" 1973. KEVIN AYERS

Kevin Ayers nació en Herne Bay, Kent, al sureste de Londres, en 1944. Parte de su infancia la pasó en Malasia debido a una mudanza familiar. En los 60 fue miembro fundador de The Soft Machine, una muy importante banda de Canterbury que fusionaba jazz, rock y psicodelia. Tocaba el bajo, aunque sólo participó en el primer disco homónimo de la banda y la abandonó después de una gira como teloneros de Jimi Hendryx. A finales de esa década inicia su carrera en solitario. Una carrera hasta la actualidad con años de gran creatividad y largos periodos de silencio. A finales de los 70 se instala en la isla de Mallorca hasta principios de los 90 cuando se marcha al sur de Francia. Es un personaje enamoradizo, soñador, vividor y alérgico al éxito y a las obligaciones. Hay una frase suya que dice: “Creo que la gente más inteligente es la que hace lo menos posible”. Un creador de atmósferas sonoras. Sus historias pululan entre los sueños y la realidad.

“Bananamour” es un disco atemporal. Un disco de hedonismo romántico, con muchos estilos diferentes contenidos en él: soul, jazz, blues, rock y pop, y todo esto acompañado de la voz  grave, cálida y profunda de Ayers hacen de él un gran disco. Muy disfrutable en la intimidad. Un clásico.

"GOING TO WHERE THE TEA TREES ARE" 2006. PETER VON POEHL

Peter Von Poehl es un cantautor pop de lacio flequillo nacido en Suecia. Trotamundos, viajero empedernido, políglota y que aparte de músico y compositor también es productor de discos ajenos. De pequeño en casa escuchaba a Bach, su padre era fan y a Mahler gracias a su madre.

“Going To Where The Tea Trees Are” es su disco de debut. Un precioso disco cantado con un leve falsete nasal, entre el pop y el folk. Según palabras suyas, el disco habla sobre la búsqueda frustrante de un hogar. Hace años pude verlo en directo por aquí por mi ciudad y fue una grata experiencia, un gran directo. Muy buen intérprete este rubiales de tez pálida con voz de negro. Muy recomendable disco.

 

"ALEGATO MERIDIONAL" 2006. GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE

Grupo formado en Granada con pocas pretensiones según sus miembros y a partir de ideas que fueron surgiendo en ambientes nocturnos, entre copa y copa. Sus integrantes son J y Miguel López (también en Los Planetas), Víctor Lapido (también en 091 y Lagartija Nick), Manuel Ferrón y Antonio Lomas.

“Alegato Meridional” es un disco criado en los bares y grabado en  El Refugio Antiaéreo, estudio de grabación de El Ejército Rojo, sello granadino. En él hay flamenco y guitarras clásicas del country americano. También versiones de Vainica Doble y Silvio (este último referente espiritual del grupo). Un disco de rock sureño con mucha guasa capaz de provocarte una sonrisa y alegrarte el día. La portada hace referencia a la cerámica tradicional granadina y a los colores que se usan para decorarla.

"GRAB THAT GUN" 2004. THE ORGAN

The Organ fueron una banda canadiense originaria de Vancouver formada íntegramente por chicas en 2001 y disuelta en 2006. Sus integrantes eran Katie Sketch, Deb Cohen, Jenny Smyth, Shelby Stocks y Ashley Webber aunque durante los años que estuvieron en activo hubo alguna deserción así como nueva incorporación. Su producción fue escasa, aparte de algún single y algunos EPs solo grabaron un disco, que es el que nos ocupa.

“Grab That Gun” es un disco en el que la melancolía flota en el ambiente que crea Katie Sketch con su voz y también hay un toque de oscuro romanticismo. Las letras tratan sobre experiencias personales e introspectivas. El bajo y el órgano Hammond tienen un protagonismo fundamental en las canciones. Pinceladas de The Cure y de los Smiths salpican este disco que aunque hable sobre la soledad, el desamor y la tristeza puede,  gracias a sus melodías, salvarte el día. En él hay sutiles matices que se pueden apreciar después de varias escuchas. Un apunte para los enamoradizos: todas son amantes de mujeres.

"POWER, CORRUPTION & LIES" 1983. NEW ORDER

New Order son todo unos clásicos, precursores y abanderados de la conjunción de rock y electrónica. Formados en Manchester a partir del trágico final de Joy Division, no sólo lograron sobrevivir a la muerte de su vocalista (Ian Curtis) sino que además se reinventaron como el reverso luminoso de Joy Divison. La banda estaba compuesta por Bernard Summer (voz y guitarra), Peter Hook (bajo), Stephen Morris (batería) -todos miembros de Joy Division- y Gillian Gilbert (sintetizadores y máquinas). Estuvieron en activo desde 1981 hasta 2007, cuando Hook demandó al resto de sus compañeros, aunque algún paréntesis temporal en estos años también hubo debido a las malas relaciones entre ellos. Tiempo en el que se embarcaron en otros proyectos musicales cada uno por su cuenta. Poseedores de un sonido único, con unos riffs de guitarras y unas líneas de bajo muy características al igual que las percusiones y los sintetizadores.

“Power, Corruption & Lies” es el segundo disco de New Order y fue un paso decisivo hacia una personalidad propia, dejando atrás a Joy Division. Editado por Factory Records, mítico sello propiedad del grupo, testigo excepcional de toda la escena mancuniana desde finales de los 70 hasta principio de los 90. Este disco es la referencia Fac Seventy Five de este sello. En él hay parajes sombríos, otros más alegres, ritmos techno, guitarras indies, letras melancólicas, pop intimista y experimentación electrónica. Es un disco de pop para la pista de baile. La portada es un cuadro del pintor francés Fantin-Latour (1835-1904), propiedad de la National Gallery. Por muchos motivos que no voy a enumerar aquí, New Order siguen siendo a día de hoy mi grupo favorito.

"PHILOPHOBIA" 1998. ARAB STRAP

Aidan Moffat (vocalista) y Malcon Middleton (multi-instrumentista) formaron Arab Strap en 1995. Ambos son originarios de una pequeña ciudad escocesa llamada Falkirk. Se conocían de vista pero su primer encuentro fue una noche en la que Aidan Moffat ligó con una chica y terminaron en un sofá, pero a la chica le entro miedo de que apareciera su novio (poca ética la de ella) que no era otro que Malcon Middleton. Moffat temía que le partiera la cara alguién más fuerte que él pero sus temores desaparecieron al ver que se trataba de Middleton, enclenque y pelirrojo. Se cruzaron algunas palabras no muy agradables pero terminaron juntos en un after, imagino que maldiciendo a la chica. Desde entonces las fiestas, el alcohol y otras cosas, su opinión sobre las mujeres y la música les harían inseparables. Hace tiempo leí en una entrevista una frase de Moffat sobre las mujeres: “Hablo con cinismo de las mujeres porque mi nivel de exigencia es muy alto”. Se disolvieron en 2006 después de una gira de despedida. El nombre del grupo es también el nombre de un artilugio a base de anillos que facilita una sólida erección del pene. Aidan Moffat lo encontró anunciado en una revista porno.

“Philophobia” es el segundo disco de Arab Strap, editado por Chemikal Underground, sello testigo de la escena de Glasgow en la 2ª mitad de los 90. Este es un disco de striptease emocional que trata sobre el miedo a enamorarse. En él tiene un protagonismo esencial la manera de jugar con los silencios. Stuart Murdoch (Belle&Sebastian) colabora en este disco. La portada es un retrato de Laura, novia de Moffat por aquel entonces, la contraportada es un retrato del propio Moffat, desnudo también. Un disco perfecto para mañanas y tardes de domingo.

"SOUND OF CONFUSION" 1986. SPACEMEN 3

Spacemen 3 fueron una banda de culto inglesa formada en Rugby, cerca de Birminghan, en 1982. Sus líderes fueron Jason Pierce (J. Spacemen) y Peter Kember (Sonic Boom). El distanciamiento y las diferencias entre ambos provocó la separación de la banda poco antes de editar su quinto y último disco de estudio en 1991. Creadores del llamado “space-rock”, su música partía del rock psicodélico y tenían como referentes a grupos como Velvet Underground, Suicide, Stooges y CAN. Ellos recubrían la melodía con ruido y distorsión. También utilizaron nuevos conceptos de retro-alimentación que trascendieron a su tiempo. 

Después de años de ensayos, de improvisación y tocando por pequeñas salas, en 1986 editan su primer disco “Sound Of Confusion”, un tremendo disco de debut. Aquí las guitarras son las protagonistas. Es una obra marcada por el feedback y la distorsión. También por el uso de la repetición incesante de un solo riff de guitarra. Este es un disco para escuchar de principio a fin. Las canciones fuera de la unidad que forma el disco carecen de contexto y no se asimilan igual que en el todo que forman juntas. Un disco para abusar del volumen, todo un viaje de la mano de estos creadores de música ideal para viajes sin desplazamiento. Quién lo haya experimentado sabe de qué hablo.

“LAUGHING STOCK” 1991, TALK TALK

Fue el quinto y último disco de estudio de esta banda inglesa formada en Londres en 1981 y con pasado “synth-pop”, incluso con gira de acompañamiento de Duran Duran. A partir de su cuarto disco tomaron un rumbo más experimental. Durante su trayectoria, la formación original sufrió alguna deserción. El cerebro de la banda siempre fue Mark Hollis (cantante y multi-instrumentista), que en una ocasión en una entrevista dijo: “El silencio es el instrumento más importante que poseo”.

Hablamos de un disco con mayúsculas cuya grabación duró un año y en el que participaron, además de los miembros de la banda, 18 instrumentistas a los que se les permitía improvisar. Es un disco de atmósferas etéreas, percusiones jazz, tono solemne y ambiente sombrío. Un disco de conjunto para escuchar de principio a fin, no es un disco de canciones. Empieza con aparentemente 18 segundos de silencio pero que no es tal. Subiendo bastante el volumen se puede escuchar el zumbido de un amplificador encendido. Un disco no apto para poner mientras se está haciendo otra cosa, requiere atención y muchas escuchas para apreciar todos sus detalles. Un disco con una portada buenísima y que puede joderte el día, pero su sobrecogedora belleza es indiscutible. Este disco y el anterior de Talk Talk se consideran precursores del post-rock. Un disco sobresaliente. Una obra maestra.

Dedicado a mi buen amigo Gorecki, fiel seguidor. Aunque él ya conoce y aprecia este disco.

"MARQUEE MOON" 1977, TELEVISION.

Este primer disco de Television puede considerarse como un disco de una importancia capital, un poderoso debut, no hay discusión sobre ello. Un disco con una marcada profundidad conceptual. En este disco consiguieron entrelazar magistralmente las guitarras de Tom Verlaine y Richard Lloyd, sin que ninguna restase protagonismo a la otra, además de poseer una extraordinaria sección rítmica con Fred Smith al bajo y Billy Ficca a la batería. Tom Verlaine hacia las veces de “frontman” y era el principal compositor. Editado en pleno apogeo punk a ambas orillas del Atlántico. Pertenecían a la escena punk del Nueva York de finales de los 70 (aunque yo no los incluiría en la corriente punk, pero era el contexto existente), una escena bastante diferente a la británica, esta última más “política” y la neoyorquina mas “arty”. Television eran, conscientes o no, más vanguardistas que sus coetáneos. Un discazo para disfrutar a solas o en compañía y poseedor de matices sutiles que requieren una escucha con atención. Disco de culto definitivamente. Uno de mis favoritos.

"COLOSSAL YOUTH" 1980, YOUNG MARBLE GIANT.

Este primer y único larga duración (aunque editaron algunos EPs más) de Young Marble Giant se puede considerar como un disco atemporal. Un disco que si lo escuchas sin datos previos no te cuadra que puedan haber pasado 30 años desde su publicación, parece que pudiera haber visto la luz el año pasado o incluso este. Este trío de Cardiff formado por dos hermanos gemelos (Stuart y Philip Moxham) y una chica (Alison Stattom) crearon con muy poco un disco de pop memorable lleno de matices, con todos sus elementos reducidos a la mínima expresión, mimando la melodía sin dejar de lado el ritmo, haciendo suya la máxima del menos es más, máxima que también caracteriza a grupos como Low o Kings Of Convenience. Atmósfera mágica la que rodea a cada una de las canciones de este disco, un disco que te puede salvar el día. Muy recomendable y muy grandes estos jóvenes gigantes de mármol.

COMENZAMOS...

Aquí comienzan las andanzas de este espacio virtual creado sin ninguna ambición mas que la de compartir grandes discos, discos a los que el polvo les ha sentado bien y discos que ganan a cada escucha y en los que descubres matices cada vez que te paras a escucharlos con atención. Discos que te pueden salvar el día o terminar de jodértelo. Discos poco publicitados y que para llegar a ellos necesitas, si la casualidad no se interpone, labores de investigación o alguna información precisa venida de alguien con más cultura musical que tú. Discos para todos los oídos o sólo para oídos educados. Discos melódicos y discos ruidosos. Discos de los que te enamoras a la primera escucha y discos que necesitas muchas más para llegar a apreciarlos.

Una vez leí que la mejor audición es aquella que convierte la experiencia en algo visual. Comparto esa opinión. Ahí vamos, que disfruten del muestrario…