“INTERNATIONAL POP OVERTHROW” 1991. MATERIAL ISSUE

Material Issue son buenos, muy buenos, sí, y grandes desconocidos también. Un increíble trío de power pop a reivindicar por su sonido limpio y simple y por sus buenísimas canciones. Comenzaron en Chicago en 1985. Jim Ellison fue su líder,  compositor principal, guitarra, cantante y quién creó la banda. Para ello necesitó a Ted Ansani (bajo) y a Mike Zelenko (batería). A uno de ellos ya lo conocía, al otro lo encontraron a través de un anuncio. Sus canciones eran breves, muy intensas, con carga sentimental (amor & desamor) y estribillos pegadizos envueltos en un sonido claro de guitarra, bajo y batería. Canciones urgentes y frescas. Su discografía no es muy extensa, sólo un EP y tres LPs y un cuarto póstumo. Póstumo porque Material Issue tuvieron un final trágico y repentino en 1996 cuando Jim Ellison decidió acabar con su vida en el garaje de su casa. Las causa probable fue el que su novia lo dejara y también quizá que Mercury Records les rescindiera el contrato por las escasas ventas. En fin, una pena que este genio se marchara prematuramente y seguramente aún con tanto que mostrar.

“International Pop Overthrow” es su disco de debut. Un debut redondo formado por 14 prodigiosas y estimulantes canciones que hablan del amor y de sus efectos secundarios. Este disco es un clásico, una joya lleno de preciosas melodías acompañadas por la bonita voz de Ellison. Grabado con un presupuesto escaso pero con un sonido cristalino como resultado. La producción corrió a cargo de Jeff Murphy. Este disco puede usarse también como manual sonoro de como componer canciones cercanas a la perfección para los no iniciados. Más de 20 años después de su publicación el paso del tiempo no ha hecho mella en su frescura.

Este disco lo descubrí una muy agradable tarde que pasé en casa de una amiga curioseando entre sus discos. Gracias Miriam por facilitarme el descubrir esta maravilla, sin ti quizá hubiera tardado bastante más en hacerlo. Te lo debo.

“FANFARES” 2012. GOGO PENGUIN

GoGo Penguin son un joven trío de Manchester integrado por Chris Illingwoth al piano, Nick Blacka al contrabajo y Rob Turner a la batería. Los tres han sido estudiantes del Royal Northern College of Music de Manchester. Antes de dar forma a este trío, estos chicos ya tenían amplia experiencia musical en otros proyectos que ellos consideran un paso previo muy importante para la formación de GoGo Penguin. Ahora mismo ellos destacan dentro de la nueva escena jazz británica. Sus influencias abarcan desde referentes clásicos (Debussy, Shostakovich) hasta otros mucho más contemporáneos y de estilos no sólo ceñidos al jazz (Brian Eno, Massive Attack, Radiohead).

“Fanfares” es su álbum de debut editado bajo el sello Gondwana Records y grabado en The Lodge Recording Studios. Sus composiciones parten de ideas melódicas y armónicas que ellos desarrollan con destreza. En este disco ninguno de los instrumentos está supeditado a los otros sino que cada uno avanza decidido en los sinuosos desarrollos de las canciones, complementándose y encajando de manera coherente, tanto en tramos de aceleración como en los que ocurre todo lo contrario. Buen disco, recomendable.

A GoGo Penguin los he visto en concierto este pasado fin de semana dentro del festival “Jazz à la Villette” en una preciosa sala de conciertos con estructura de circo y toda decorada con terciopelo de tonos rojizos llamada Cabaret Sauvage en el Parc de la Villette de Paris. En directo estos chicos se vienen arriba y parte importante de ello es su ágil batería dispuesto a soltar su poderosa pegada cuando el momento lo requiere. Un gran concierto aunque alguien debería decirles que para subir a un escenario hay que pararse un poco a elegir la indumentaria, es importante.

Dedicado a Marie, que amablemente me ha llevado de la mano a este concierto.

“JUMPIN´IN THE NIGHT” 1979. THE FLAMIN´ GROOVIES

Pasear por Paris y perderse por sus calles es un placer y lo es mucho más si en uno de estos paseos sin rumbo te encuentras con una pequeña tienda de discos con sus paredes amuebladas a base de cajones de madera con solera llenos de estupendos discos y regentada por una amable señora anciana. Este disco lo encontré rebuscando entre esos maravillosos cajones, haciéndome soltar un “coño, los Flamin´Groovies” para luego volver risueño a casa presto a ponerle la aguja encima.

Los Flamin´Groovies surgieron en 1965 en San Francisco, California, influenciados por el sonido de la invasión británica de la época. En principio se llamaban Chosen Few para después pasar a ser Lost&Found antes de adoptar su definitivo nombre. Las modas psicodélicas y progresivas que se sucedieron durante aquellos años no les afectaron, ellos fueron fieles a su propio sonido durante toda su existencia. Hay dos etapas en los Framin´Groovies, la primera en tierras estadounidenses con una formación inicial liderada por el guitarra Cyril Jordan y el cantante Roy Loney, hasta 1971 cuando Loney abandonó por diferencias con Jordan y este decidió llevarse la banda a Europa. Aquí comienza la segunda etapa. La formación pasó a estar compuesta por el cantante Chris Wilson (después formó parte de los magníficos Barracudas), el guitarrista James Farrell, el propio Cyril Jordan como guitarrista, el bajista George Alexander y a la batería Danny Mihm. Del aspecto compositivo se encargaban Wilson y Jordan, quienes compartían gustos musicales. Y fue en Europa donde consiguieron algo más de reconocimiento llegando a ser considerados banda de culto. Al acabar los 70 se establecieron definitivamente en Australia, arrastrando problemas debidos a disputas previas.

“Jumpin´in the night” fue el cierre de su trilogía inglesa. A partir de aquí las deserciones, las drogas y problemáticas con la compañía discográfica del momento hicieron que la decadencia se erigiera como dueña de la situación.
La formación para la grabación de este disco estaba formada por Cyril Jordan (guitarra rítmica y voz), Chris Wilson (voz, guitarra rítmica y teclados), Mike Wilhelm (guitarra solista), George Alexander (bajo y voz) y David Wright (batería). Fue grabado en los estudios Eden de Londres y la producción fue obra de Cyril Jordan y Roger Bechirian. Este fue el sexto disco de su carrera. En él abundan las versiones (Beatles, Rolling Stones, Dylan y alguna más) pero las composiciones propias también son notables –aunque cierto es que las críticas dicen de este disco que es bastante más flojo que anteriores-. Para mí un disco fantástico para aderezar con un buen puñado de volumen.

“THE MODERN LOVERS” 1976. THE MODERN LOVERS

The Modern Lovers forman parte del reducido grupo de bandas dotadas de una originalidad y un talento tal que con un solo disco han sido capaces de marcar tendencia e influir a muchas otras aún a pesar del paso del tiempo –fueron una influencia clara para el estallido del punk años más tarde-. Su existencia fue breve, de 1970 a 1974. Se formaron en Boston y fue su líder y compositor Jonathan Richman –voz y guitarra- quién reclutó al resto, que fueron Ernie Brooks al bajo, Jerrie Harrison al teclado (después en los Talking Heads de David Byrne) y a la batería David Robinson (más tarde formó parte de The Cars). La admiración de Richman por la Velvet Underground y Lou Reed es crucial en la existencia de los Modern Lovers. Ellos y su planteamiento musical iban en dirección contraria a la tendencia de la época, nada de recargamiento instrumental, todo lo contrario, y tampoco optimismo ni conciencia social. El deje en la voz de Richman denota una postura nihilista y una actitud cansada y quizá también resignada. Después de The Modern Lovers Richman siguió usando este nombre para referirse a sus diferentes bandas de acompañamiento aunque su sonido poco tenía que ver con el original.

Este es su único disco, de título homónimo. Las grabaciones datan en su mayoría de 1973 pero por problemáticas con la discográfica de aquellos años no fue publicado hasta 1976 por el sello Beserkley cuando la banda ya no existía. Pasó desapercibido, fue mayormente ignorado y tuvo que transcurrir el tiempo para que se reconociera su indudable valía –hay que tener en cuenta el contexto temporal, en 1973 nadie hacia canciones como las de este disco-. El productor fue John Cale. Sencillez e inocencia con porte elegante e inmediatez son los ingredientes de las canciones que forman este disco al que el polvo del paso de los años no desluce en absoluto.

“MOTHERS & TIGERS” 2012. EMILY LOIZEAU

Este año está volviendo a ocurrir, otra vez estoy teniendo la suerte de asistir a muy buenos conciertos. Conciertos que me han emocionado, otros que me han hecho vibrar, también reencuentros con músicos ya viejos conocidos para mí y descubrimientos varios. Uno de los conciertos que podría encuadrar con el primer grupo, el de los que me han emocionado, sería el de Emily Loizeau que pude ver dentro del festival “Les soirées du Cameleon” en un pequeño teatro de Val de Reuil, un bonito pueblo normando de arquitectura moderna perfectamente integrada en el paisaje. Un espléndido concierto por su puesta en escena, por la poderosa y virtuosa voz de Emily y su lenguaje corporal sobre el escenario, por la magnífica banda que le acompañaba y por todo lo transmitido a los allí presentes. Indeleble recuerdo me queda de esa noche.

Emily Loizeau nació en el extrarradio de Paris de padre francés y madre británica. Fiel a su doble origen, sus composiciones son igualmente en francés como en inglés, idiomas ambos que maneja con soltura y destreza. También su formación de piano clásico –que comenzó desde muy pequeña- se trasluce en ellas. La filosofía y la musicología además del arte dramático completan su formación académica. Sus canciones son en gran parte sobre temáticas que retrotraen a la infancia, llenas de ternura, sensibilidad y también ironía y penumbra. Echa a si misma, su primer mini-lp fue autoeditado en 2005, después vendría algo de reconocimiento a su talento y una larga gira por Europa y el continente americano. En mi opinión no es otra chica-sensible-de voz bonita, no, ella es otra cosa, les lleva bastante ventaja al resto.

“Mothers & Tigers” es su último y tercer disco. El título hace referencia a la maternidad –ella ha sido madre el año pasado- y también a la libertad y la energía que tienen los niños. La rica instrumentación  y los cuidados arreglos hacen de este disco una delicia sonora. Un trabajo con deje naif pero no por ello exento de profundidad. Fue gestado en el sudeste francés donde Emily Loizeau tiene una casa rodeada de naturaleza. Fue allí donde usó su imaginación poética inspirada en William Blake para componer este disco. La canción que abre el disco es un homenaje a la memoria de Lhasa de Sela, de la que dice sentirse cerca por su personalidad y su lado torturado. Un disco íntimo que pide intimidad y luz tenue para su disfrute.

“SOLO PIANO II” 2012. CHILLY GONZALES

Este talentoso, polifacético y extravagante artista canadiense afincado en Francia ya ha aparecido en este blog. Fue con su trabajo de 2004 “Solo Piano”. Jason Beck, conocido como Chilly Gonzales –anteriormente sólo como Gonzales- ha vuelto a hacerlo, de nuevo su formación musical clásica se ha impuesto a sus otras aptitudes artísticas para crear este disco instrumental de composiciones propias al piano. Según sus palabras, las canciones que funcionan bien solas al piano son las más difíciles de componer y de interpretar.

Para componer este disco Gonzales se encerró consigo mismo y fue dando forma a melodías acumuladas años atrás para, 8 años después, tres discos publicados e infinidad de colaboraciones y creaciones varias, dar continuación a su trabajo “Solo Piano”. Son composiciones que surgen de frágiles melodías que en principio tiene cierto deje neoclásico pero que terminan sonando a delicado pop y también a jazz. Una delicia para el oído este disco, un disco reposado, elegante, grabado en pocos días en el estudio Pigalle de Paris. Una exquisitez sonora para disfrutar en casa, por ejemplo mientras juegas con el humo exhalado de un cigarrillo acompañado por una copa de vino rico y a la vez miras por tu balcón como el cielo descarga con violencia una refrescante tormenta de verano, inmejorable contexto para deleitarse con este magnífico disco.

“LISTEN CLOSELIER” 2010. THE FROWNING CLOUDS

Estos cinco jovencísimos chicos son originarios de Australia. The Frowning Clouds comenzaron en Melbourne (creo) en 2006 cuando aún eran quinceañeros. Lo suyo es el garage, el rhythm and blues y la psicodelia, todo ello hecho con actitud, talento, energía y garra adolescente. Sus influencias son el rock británico de los 60, influencias que han metabolizado muy bien para luego dar rienda suelta a su creatividad. Tan jóvenes ellos y ya curtidos en infinidad de conciertos incluidas varias giras europeas.

“Listen Closelier” es su primer LP, editado por el sello sevillano Saturno Records –conseguible por cierto en vinilo en su web a precio asequible-. 13 estupendas canciones sin impostura ninguna con unas preciosas melodías de guitarra dentro de unas estructuras sencillas que no le restan poderío, salpicadas de juegos vocales. Este disco es ya un clásico de la música sixtie. Una buena dosis de vitamina sonora con regusto añejo, capaz de animar el día aún a pesar de lo largo que haya podido ser. Grandes ellos, discazo este.

“LE MÉTÈQUE” 1969. GEORGES MOUSTAKI

Georges Moustaki –de nombre Giuseppe Mustacchi- nació en Alejandría, Egipto en 1934. Su familia era griega originaria de la isla de Corfú. Desgraciadamente murió el mes pasado en Francia donde pasó la mayor parte de su vida y de la que tomó la nacionalidad. Fue un gran cantautor políglota, músico y compositor. También ha tenido alguna incursión literaria. Declarado admirador de Georges Brassens y Edith Piaf, no sólo escribió canciones para si mismo, también lo hizo para otros grandes. Ha sido y es una figura referencial dentro de la chanson francesa. En sus letras mostraba su particular sensibilidad y también en ellas plasmaba su noble y comprometida visión del mundo enarbolando el multiculturalismo como bandera. Un enorme talento el suyo digno de recuperar y reivindicar, un poeta eterno.

“Le Métèque” supuso el lanzamiento de su carrera como intérprete, como compositor ya estaba afianzada. Es el segundo de sus 30 discos publicados. Un precioso disco salpicado de aromas y referencias mediterráneas y con momentos conmovedores a prueba de sensibilidades resistentes a doblegarse. La voz femenina que le acompaña haciendo coros en alguna canción es una colaboración de Françoise Walch. El título del disco es una manera despectiva de referirse a los extranjeros en francés.

Hace unos meses curioseando por uno de los muchos mercadillos que se organizan por doquier donde la gente intenta deshacerse de lo que ya no quiere –deporte nacional aquí en Francia- encontré a un precio realmente módico esta maravilla de disco en un estado aceptable de conservación. Desde entonces me acompaña muchas tardes en mi apartamento consiguiendo relajar mi ritmo vital y dejando así atrás cualquier problemática del día a día y la contaminación que ello conlleva, un recomendable ejercicio.