Fever Ray es el proyecto en solitario de la sueca Karin
Dreijer Andersson, en la línea del dúo formado junto con su hermano Olof, The
Knife. De su boca ha salido que para ella es vital que la música sea lo primero
y que la persona no interfiera. Es una persona muy celosa de su intimidad.
También ha dicho que tanto en la música como en cualquier otra forma de arte lo
importante es que el público descubra el mensaje por sí mismo.
Este debut es un disco de paisajes sonoros misteriosos y
mágicos. También hay romanticismo. Su autora se sirve de capas sobre capas de sintetizadores y de un
particular tratamiento de la voz y el uso del pitch con el que consigue incluso
cambiar el género a su voz, haciéndola parecer masculina en algunas canciones.
Un disco de música emocional, cuidado con las zonas de sombras.
The Sea And Cake son un supergrupo de la escena de Chicago
formado por músicos de amplio bagaje, con carreras en solitario, integrantes de
otras bandas e involucrados en diferentes actividades. Lo forman Sam Prekop
(también con discos en solitario además de fotógrafo e integrante de Shrimp
Boat), Eric Claridge (pintor e ilustrador y también en Shrimp Boat), Archer
Prewit (con carrera en solitario e integrante The Coctails además de artista
del cómic y la ilustración) y John McEntire (integrante de Tortoise, productor
y propietario de los estudios Soma). Su discografía va del post-rock al
jazz-pop. Es una banda que experimenta mucho en sus discos.
“Everybody” es su séptimo disco y más pop que los
anteriores, más ambientales. En este disco hay alguna aproximación a ritmos
africanos y brasileños. Sam Prekop dice de este disco
que se aproxima más a su sonido en directo, dejando un poco de lado la post-producción.
El productor es Brian Paulson, productor también entre otros de Slint y Wilco.
Yo los pude ver en directo en la gira de presentación de este disco. Fue en la
Cantero Cuadrado, edificio que alberga el Rectorado de la Universidad de
Huelva, dentro del ciclo Cantero-Rock. Sobre el escenario cuatro músicos
sobrios, parcos en gestos y muy técnicos. Tocaron tan bien que la verdad es que
apenas transmitieron emoción, eso sí, su interpretación perfecta. Mención
aparte para John McEntire, al que ya había visto tocar con Tortoise y es, sin
duda, el mejor batería que he visto sobre un escenario. Todo un espectáculo él,
haciendo que pareciera fácil lo muy complicado. Menudo solo de batería que se
marcó, increíble. Nada más que por eso mereció aquella noche coger el coche y
hacer 200 km entre ida y vuelta para disfrutarlo. Interesantes.
Two Gallants son un dúo de San Francisco formado por dos amigos con una larga amistad desde los cinco años y que llevan tocando juntos desde los doce. Este es un proyecto de folk y blues sureño en clave punk. Ellos son Adam Stephens (voz, guitarra y armónica) y Tyson Vogel (batería y coros). El nombre del grupo está tomado del libro “Dublineses” de James Joyce. Otro escritor reconocido por ellos como influencia es William Faulkner y poetas como Lorca y Rimbaud.
Este disco homónimo es el tercero en la carrera de este combo indomable. Un disco lleno de blues y de americana pero también de ardor punk, intensidad vocal y rock. Mucho más disfrutables con volumen estos dos galanes que sin él. El año que editaron este disco, el Teatro Central aquí en Sevilla los trajo dentro del ciclo “Pop-Rock en el Central” y esta banda de directo, de formato reducido y exuberante sonido, no dejó indiferentes a ninguno de los que estábamos allí. Con muy poco sobre el escenario dieron un muy potente concierto, de los de recordar. Poderosa pegada a la batería la de Tyson Vogel y aullidos, guitarrazos y armónica magistralmente tocada por Adam Stephens.
BEAK> son un trío de Bristol, Inglaterra, dueño de un
particular sonido con toques experimentales y ecos krautrock. Lo forman tres
músicos con largo recorrido musical a sus espaldas: Geoff Barrow (Portishead),
Billy Fuller y Matt Williams. El surgir de la banda fue fruto de una fiesta en
la que se montó una jam-session y en la que coincidieron Barrow, Fuller y
Williams. Esto derivó en doce días de grabación en estudio para grabar doce
canciones sin ensayos previos ni hoja de ruta.
De ahí surgió su disco homónimo de debut formado, como ellos
mismos han dicho, por bocetos de canciones que después de grabadas han ido
cogiendo forma a base de tocarlas en directo. Este disco es una especie de
revival krautrockero con toques experimentales y sonido postrockero. En él
conviven el espíritu de Can, Faust y Neu! Su esperado concierto en el Primavera
Sound del año pasado no defraudó, conciertazo de los que te agarran de las
entrañas, yo estuve allí. Creatividad en estado puro, oiga! Muy buenos.
Nosoträsh son una banda asturiana de chicas formada por un
grupo de amigas en Gijón en 1994. Ellas eran en principio Natalia Quintanal,
Covadonga de Silva, Beatriz Concepción, Malela Durán (después en Garzón) y
Montse Álvarez. El pistoletazo de salida fue el ganar el concurso de maquetas
de Rockdelux en 1995, después grabaron algunos EPs para finalmente grabar su
primer largo en 1998.
"Popemas” es su tercer disco, un disco de 20 canciones pop
de formato minuto y medio, llenas de costumbrismos, de ironía, de melancolía,
de vida. Con unas letras muy personales y sinceras. Cada una de ellas es un
regalo para el paladar auditivo. La producción corre a cargo de Ibon Errazkin (integrante
de Le Mans y Single) y está muy cuidada, muy detallista. También en una de las
canciones colabora Nacho Vegas aportando su voz. Un disco que es una especie de
cuento sonoro con frío, lluvia y humedad, con sabor norteño. 37 minutos que se
te pegan para siempre.
Formados en Londres en 1977 por dos compañeros de colegio,
Dan Treacy y Ed Ball, aunque fue Treacy el que continuó con la banda con otras
formaciones, Ball la abandonó en 1982. A Dan Treacy se le llegó a dar por
desaparecido a finales de los noventa, reapareciendo en 2004. Es un tipo con
adicciones de las peligrosas a cuestas, condenas en la cárcel, etapas de
indigencia en su vida y problemas mentales. A día de hoy, con 30 años de
carrera a sus espaldas parece estar algo más estable. Television Personalities
en principio editaron singles hasta que en 1981 debutaron con su primer largo
que es el que nos ocupa. Su música, etiquetada como afterpunk viene a ser punk
despojado de agresividad para darle toques luminosos de pop.
“…And Don´t The Kids Just Love It” es una sucesión de
canciones emotivas, frescas e inmediatas grabadas bajo la premisa lo-fi. En él
hay punk, new wave y destellos mod. Incluye una canción homenaje a Syd Barret,
muy admirado por Dan Treacy. Un disco con sabor a clásico, de los que le
sientan bien el polvo.
Empecemos el año sonriendo con un disco para bailar casi de principio a fin, y así quizá marquemos la senda a seguir para los estados de ánimos que nos esperan a la vuelta de cualquier esquina de este 2011.
The Phenomenal Hand Clap Band son una numerosa banda de Nueva York con actitud de gran familia en sus giras –han teloneado a Franz Ferdinand aparte de giras propias- formada por Daniel Collás, Sean Marquand, estos dos son también productores y Djs, Patrick Wood, Nicholas Movshon, Luke O'Malley, Laura Marin, Quinn Luke y Joan Tick.
Este es su debut, un gran debut muy pegadizo lleno de disco, funky y soul, toques pop y algo de psicodelia. También hay detalles de LCD Soundsystem, Daft Punk y CSS. Por si ocho integrantes fueran pocos para una banda, también hay en este disco colaboraciones varias de otros tantos músicos. Un apunte, la batería no es electrónica aunque lo parezca en algunos momentos. Muchos son los ingredientes usados en este disco y se van apreciando mejor a cada escucha, para animarle el día a cualquiera, vaya. Una audición muy agradable. A ser posible con abundante volumen.
Inexplicablemente, cosas de la informática, al abrir este blog con el navegador Explorer no se visualiza en cada una de sus entradas el reproductor que había -y que sigue habiendo- al pie de cada una de ellas. No ocurre lo mismo al hacerlo con Firefox o con Chrome. Trabajamos en ello, manos expertas amigas investigan la raíz del problema.
Formados en Nottingham, Inglaterra a principios de los 90, Tindersticks son una banda poseedora de un universo propio, con un sonido envolvente, de marcado romanticismo. Los muchos arreglos de cuerda y viento y la voz de Stuart A. Staples son los protagonistas de este sonido. La formación original la componían Stuart A. Staples (voz, guitarra y melódica), Dickon J. Hinchlife (guitarra, piano, violín y arreglos de cuerda y viento), Neil T. Fraser (guitarra y vibráfono), David L. Boulter (teclados y percusiones), Alasdair R. De Villeneuve (batería, percusiones y trompeta) y Mark A. Collwill (bajo). A día de hoy la formación está reducida a trío. La música de Tindersticks es música con sentimiento que parte del pop con arreglos orquestales, con toques jazz y soul. Son una banda con melodías densas, atmósferas nostálgicas y algo dramáticas, intensas y elegantes. Nick Cave los ha citado como ejemplo de músicos que rescataban el ideal lorquiano del duende, que él lo relaciona con la tristeza y el misterio. De Tindersticks se ha dicho que su discografía tiene altibajos –que puede ser cierto-, y también que desde hace tiempo son más de lo mismo. No entiendo porque una banda que encuentra su sonido propio tenga que evolucionar este o cambiarlo. Se lo que me voy a encontrar en un disco de Tindersticks, cuando me pongo alguno quiero más de lo mismo. Los he podido ver en directo un par de veces, la última este año aquí en mi ciudad, dentro del festival Territorios y otra hace un par de años en otro festival, en La Route du Rock en Saint Malo, en la Bretaña francesa. La verdad es que no son sitios los festivales para disfrutar de sus conciertos, preferiría poder verlos en un sitio más íntimo, en un teatro. Al que sí que pude ver en un teatro fue a Stuart A. Staples también aquí en Sevilla, en el Teatro Central hace tres años y me gustó mucho.
“Curtains” es el tercer disco de los de Nottingham. Para mí este fue el primer disco que escuché de Tindersticks y fue todo un flechazo desde la primera escucha. Disco de tempo pausado, excepto alguna excepción, y en el que los arreglos de cuerda tienen un gran peso. Laberintos musicales y algún momento grandilocuente forman parte de él. El cierre del disco es un dúo de Staples con Isabella Rossellini. Un disco para corazones desconchados y también como compañía para viajes al volante en otoño.
Banda formada por jovencísimos músicos en Southend On Sea, ciudad que sirve de estuario al Támesis en Inglaterra. Sus miembros son Jack Barnett (voz y guitarra), su hermano gemelo George Barnett (batería & percusión), Thomas Hein (bajo) y Sophie Sleigh-Johnson (sintetizadores). El alma del grupo son los gemelos Barnett, muy aficionados a la música desde temprana edad. Su madre estuvo en un grupo de rock y su abuelo era organista. La referencia a “puritanos” en el nombre de la banda viene según ellos a que les gusta mantener las cosas lo más sencillas, puras y directas posibles a nivel de sonido e ideas. Su música es difícil de clasificar, pero para entendernos podría ser algo así como post-punk moderno con electrónica abstracta.
“Beat Pyramid” es su debut, un debut un tanto extraño lleno de hits potenciales y también de canciones menos inmediatas. 16 cortes que sólo se prolongan durante 35 minutos, pero 35 minutos intensos. El protagonismo del disco es para sus particulares percusiones que lo convierten en un disco de ritmo mayormente. Un disco anguloso y de sonido afilado. Hace tres años pude verlos en directo dentro de los conciertos de la 45 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón. Su imagen fría y ambigua, sus bailes espasmódicos, su potente ritmo, lo atropellado de sus letras escupidas al micrófono por Jack Barnett y sobre todo lo novedoso e interesante de su propuesta me hicieron exclamar: ¡Que cabrones!
Desde Vilassar de Mar, en Barcelona, este trío formado en 2002 por Cristian Pallejá (guitarra & voz), Alfons Serra (batería) y Edu Campos (bajo) presentaron su primer larga duración en 2004, con las letras en inglés. Después sacaron otro en 2007, esta vez con las letras en catalán –ya como cuarteto- y pendientes este año de publicar un 7” en colaboración con Za! (otro muy interesante grupo experimental de la escena barcelonesa). A finales del mes pasado emitían un comunicado a través de su web: “Nisei hemos decidido parar toda actividad del grupo por un tiempo indeterminado”. Esperemos que regresen pronto. Su música, definida o encasillada como postcore tiene una clara vertiente rock, pero un rock disonante en la línea de Slint o Shellac.
“More Light” es su disco de debut. Editado por el sello barcelonés BCore y producido por Karlos Osinaga, de Lisäbo (otro tremendo grupo vasco, muy potentes y viscerales). En este disco encuentras desarrollos complejos e imprevisibles, subidas abruptas, muchas guitarras y potente percusión. La voz de Cristian suena como lejana. Dos veces he podido verlos en directo y ambas aquí por la capital hispalense. La primera dentro del SouthPop que se desarrolló en el Monasterio de la Cartuja hace un par de años y la otra al año siguiente en el Fun Club con poco éxito de público, éramos unos 15. En ambas ocasiones muy buen concierto el que dieron estos chicos catalanes. Gente con talento.
Enrique Morente nació en Motril, Granada en 1942, el día de Navidad, aunque criado en el barrio del Albaicín de la capital granadina. Es un cantaor flamenco entre renovador y clásico pero sobre todo innovador. Amigo y colaborador de multitud de músicos de muy diferentes vertientes. Admirado por muchos y criticado por otros tantos. Poseedor de una extensa y variopinta discografía que arrancó en 1967. Había una frase que le gustaba repetir: “Antes morir que perder la vida”. Murió esta misma semana, en plenitud de facultades artísticas y con mucho que decir musicalmente aún. A él hay que agradecer el haber acercado el flamenco a mucha gente que quizás no lo hubiera hecho de otro modo, sus muchas colaboraciones con músicos alejados a priori del flamenco (incluso algún concierto con Sonic Youth ha dado) han posibilitado esto.
Lagartija Nick son una banda de rock granadina con connotación punk formada en 1991 y aunque su formación ha variado con el paso de los años, originariamente la formaban Antonio Arias, voz y bajo (antes en 091), Juan Codorniu, guitarra, Miguel Ángel Rodríguez Pareja, guitarra y Eric Jiménez a la batería (hoy en día en Los Planetas).
“Omega” es un experimento musical algo extraño, sin precedentes y que hizo poner el grito en el cielo a los puristas del flamenco. En este disco se canta a Federico García Lorca y a Leonard Cohen y se confronta el cante jondo de Morente con el rock de Lagartija Nick. Cuando se comenzó a gestar el disco, Morente andaba trabajando en un disco de homenaje a Leonard Cohen y también quería trabajar los poemas de su admirado Lorca en “Un poeta en Nueva York”. Por otra parte Lagartija Nick estaba buscándolo para una colaboración y cuentan que una noche en un bar Morente escuchó a Eric Jiménez aporrear la barra por bulerías y ahí comenzó todo. Sony, por aquellas discográfica de Lagartija Nick, se negó a financiar el proyecto y no fue la única que les dio un no por respuesta. Hubo que crear un sello discográfico expresamente para este disco. Lo llamaron Discos Probéticos por aquello de los “probes” flamencos. Casi año y medio de ensayos y pruebas después “Omega” vio la luz. Fueron muchos artistas los que colaboraron en el disco, entre ellos Vicente Amigo y Tomatito. Al salir el disco Leonard Cohen dijo desde Canadá que era uno de los discos que más le habían emocionado jamás. Un disco para escucharlo tranquilamente y emocionarse conforme avanza. Una obra maestra, sin duda. In Memoriam.
Cranes son una banda formada en torno a los hermanos Jim y Alison Shaw a mediados de los 80 en Portsmouth, Inglaterra, una ciudad portuaria del Canal de La Mancha. El nombre del grupo, “grúas” en inglés, viene de la multitud de estas que existen alrededor del puerto de Portsmouth. Doy fe de que son muchas las que hay. Su propuesta va desde el shoegaze al dream pop. El sonido del grupo gira en torno a la voz de Alison, una voz como de niña perdida pero una niña perdida tranquila y susurrante. Las guitarras también son protagonistas.
“Loved” es para mí su mejor disco. No es un disco alegre precisamente. Es un disco de canciones frágiles pero hermosas, con melodías ambientales. El estado anímico al que te puede llevar este disco es a un estado de suave ensoñación. El toque naif del disco es inevitable con la infantil voz de registro agudo de Alison Shaw. El año pasado pude verlos en directo dentro del Nocturama –conciertos en el Monasterio de la Cartuja que nos salvan el verano en esta muy calurosa ciudad- y aunque al principio tuvieron o problemas de sonido o de comodidad, disfruté mucho, un noche memorable.
Benjaminn Biolay es un músico, compositor y productor francés nacido en 1973. De abultada discografía a día de hoy, ha sido comparado muchas veces con el gran Serge Gainsbourg (pero en guapo) y nombrado abanderado de la nueva chanson francesa. Su música es intimista y se sitúa entre la chanson y el pop con toques jazz.
Chiara Mastroianni es actriz con una privilegiada genética. Es hija de Catherine Deneuve y de Marcelo Mastroianni. A raíz de su matrimonio con Benjamin Biolay empezó a hacer colaboraciones en el mundo de la música. Suyos son los coros de “Negatif”, disco de Benjamin Biolay de 2003.
“Home” es un disco íntimo grabado cuando Benjamin y Chiara aún eran matrimonio. Fue un matrimonio breve pero afortunadamente antes de divorciarse nos dejaron esta, en mi opinión, pequeña joya. Un disco luminoso, muy melódico. Las canciones, cuando participan ambos, parecen convertirse en diálogos. Él siempre detrás de ella, con un tímido murmullo. Ella con su preciosa voz etérea. Un disco en francés pero en el que también se cuela el inglés. La música es de Benjamin así como la mayoría de las letras aunque en algunas también participa Chiara. Un disco perfecto como banda sonora de tardes de sofá.
