“NO DEAL” 2013. MELANIE DE BIASIO

La sencillez y la sensibilidad de la música que hace Melanie de Biasio ha sido un agradable descubrimiento reciente para mí. Esta belga de madre belga y padre italiano nacida en Charleroi, de muy pequeña empezó con el ballet para seguir con la flauta y terminar estudiando canto y armonía en el conservatorio de Bruselas. Sus primeros grupos fueron bandas de pop-rock pero finalmente fue el jazz y la escena jazz belga donde se sumergió musicalmente. Una grave infección pulmonar le costó un año de silencio y la poco agradable experiencia de estar al borde de la muerte. En 2007 publicó su primer disco en solitario. Sobre ella misma habla poco, usando como argumento que su vida carece de importancia, que si alguien quiere conocerla de cerca que escuche su música.

 
“No Deal” es su segundo disco para el cual ella dice haberse tomado su tiempo para encontrar a los músicos adecuados y después de mucho tocar en directo con ellos, meterse en el estudio donde la comunicación fluía sin necesidad de palabras. Este disco es una suave mezcla de diferentes influencias y donde los silencios son parte importante de la ecuación. Hay jazz, hay blues, también soul y matices enriquecedores por doquier. Sus letras versan sobre el amor, unas letras que cogen cuerpo en su voz profunda, sensual y fascinante. Un disco poroso, sombrío, intenso e hipnótico que evoca cierta sensación de ingravidez, tanto más cuanto más subes el potenciómetro del volumen en la intimidad de tu casa. Un maravillosa obra vocal de una hermosura cautivadora, una joya.

Hace poco había programado un concierto suyo en una sala no muy lejos de donde vivo y al cual ansiaba ir pero desgraciadamente suspendió su gira europea. Habrá que estar pendiente por si la oportunidad vuelve aparecer, que espero no tarde mucho.

“I WAS A SWALLOW” 2008. PUERTO MUERTO

Puerto Muerto fueron un dúo de Chicago (aunque creo que originarios de San Luis) y también matrimonio compuesto por Christa Meyer y Tim Kelley. En principio parece ser que la pareja quería abrir un bar bajo este nombre pero que finalmente fue el proyecto musical el que terminó cogiendo forma. Comenzaron en 2003 y tras varios discos, singles y EPs en 2010 pusieron fin a su relación y con ello también a su folk oscuro y melódico con la publicación de su último trabajo (al menos hasta la fecha, que yo sepa).

“I Was A Swallow” fue su cuarto álbum, compuesto por 10 canciones con un imaginero particular con cierto toque cabaretero. Una especie de country-gótico por momentos épico es el que conforma la atmósfera de este disco, donde hay multitud de matices sonoros. Fue publicado por el sello que los descubrió, Fire Records. Un disco nocturno con una aureola extraña y magnética del que disfrutar con luz tenue en la intimidad de una fría tarde de otoño, una de esas en las que tu aprecio hacia tu casa se multiplica debido a lo poco agradable del estar al otro lado del cristal.

A Puerto Muerto recuerdo vagamente haberlos visto en el Teatro Central en Sevilla en el ciclo Pop-Rock de 2008 aunque no me acerqué a sus discos hasta mucho después, craso error.

“LIFE, LOVE AND LEAVING” 2001. THE DETROIT COBRAS

The Detroit Cobras son una banda de rock de la hoy en día decadente ciudad de Detroit. Lo que ellos hacen es casi una labor de arqueología musical, rebuscan meticulosamente entre el rock’n’roll, el rythm&blues y el soul más añejo para encontrar grandes canciones la mayoría de ellas olvidadas y grabar versiones a las que les aportan frescura y que redibujan a base de garage-rock. Aún en activo, esta banda comandada por mujeres –los cambios de formación han sido una constante pero siempre el dúo de féminas Rachel Nagy (voz) y Maribel Restrepo (guitarra) se ha mantenido- publicó su primer disco en 1998 aunque antes de esto ya habían tocado en multitud de clubs de pequeño aforo, de esos en los que corren el sudor y la cerveza.

“Life, Love And Leaving” es su segundo disco donde hay versiones de temas de Ike Turner, Mary Wells, Ottis Redding y Salomon Burke entre otros. Para grabar este disco The Detroit Cobras fueron Rachel Nagy (voz), Dante Aliano (guitarra), Maribel Restrepo (guitarra), Eddie Hawrsh (bajo, órgano y piano), Damian Lang (batería) y también James Wailin (armónica) y Jeff Grand (guitarra slide). El productor fue Al Sutton y fue grabado en los Rusbelt Studios y editado por Sympathy Records (aunque en Europa fue el sello británico Rough Trade quien lo hizo). Un disco fresco y enérgico a base de relecturas de viejos singles, con la potente voz de la ex-stripper Rachel Nagy a modo de batuta, melódico y elegante pero a la vez con la crudeza que Detroit siempre imprimió al rock. Todo un discazo que ya había escuchado antes pero que llegó a mis manos este verano en mis vacaciones en Gijón, cuando después de jugar con las olas en la playa de San Lorenzo me encaminé aún con el flequillo mojado a la estupenda librería Paradiso que tenía allí entre sus cajones de discos esta maravilla con esa magnífica foto de portada que invita a fantasear con esos carnosos labios…

“CHET BAKER SINGS” 1956. CHET BAKER

Chet Baker fue un trompetista de jazz dotado de una sensibilidad y de un extraordinario talento cercano a la genialidad. Fue un gran exponente del sonido cool jazz de la costa oeste americana de los años 50. Comenzó su carrera en Los Angeles junto a Charlie Parker, luego con Stan Getz y después continúo en el cuarteto de Gerry Mulligan donde comenzaron a grabar con el recién creado sello Pacific Jazz. Poco después Chet Baker montaba su propio cuarteto y seguía grabando con Pacific Jazz y alimentando su popularidad hasta el punto de participar en una película (Hell’s Horizon, 1955). Su frágil belleza masculina y su exquisita manera de cantar y de tocar la trompeta le abrían todas las puertas en aquella época, incluso en Europa, por la que giraba habitualmente. Pero también en estos años exitosos fue cuando comenzó su declive debido a su destructiva adicción a la heroína que le llevó a pisar en varias ocasiones la cárcel y que interfirió notablemente en su carrera musical en los años 60, años llenos de problemas legales debido a las drogas. En 1966 sufrió una brutal paliza debido a un asunto de drogas en la que perdió varios dientes y que le afectó a la mandíbula y por ello tuvo que cambiar su forma de embocar la trompeta y cantar, obligándole a comenzar de cero. A finales de los 60 sus apariciones eran esporádicas, a principios de los 70 desapareció por completo. Gracias a Dizzy Gillespie y a la metadona pudo retomar su carrera a mediados de los 70 e incluso volver a tocar en Europa. En 1987 caía por la ventana de un hotel en Amsterdam después de consumir heroína y cocaína según la autopsia, poniendo fin a su caos vital narcotizado y lleno de traiciones y mentiras para conseguir la siguiente dosis. Un trágico final para una carrera musical a la deriva en la que nunca tomó las riendas y que siempre fue conducida por terceros y que seguramente para él no significaba otra cosa que el poder mantener su adicción. Como músico fue un genio, no cabe duda, como persona fue un ser detestable, despiadado y manipulador. Tiene que ser triste que ni siquiera tu madre –entre otra mucha más gente- tenga buena opinión de ti, como fue su caso.

“Chet Baker Sings” fue la primera incursión vocal de Chet Baker, dando a conocer sus aptitudes vocales y a partir de aquí sería una constante en su carrera. Fue publicado en principio en 1954 como un diez pulgadas pero dos años más tarde Pacific Jazz incluyó seis temas más grabados ese mismo año y los incorporó a los ocho originales y lo publicó en formato LP. El protagonismo es indiscutiblemente para la voz de Chet Baker dejando un hueco también para los momentos en los que emboca su trompeta. La suavidad y delicadeza de su voz, pausando cada una de las palabras, y su trompeta frágil y melancólica crean una atmósfera envolvente y conmovedora. Las canciones fueron grabadas en Los Angeles entre 1953 y 1956 junto con un extraordinario elenco de músicos. He aquí una maravillosa colección de canciones evocadoras de épocas pasadas.

“JUST AS I AM” 1971. BILL WITHERS

Bill Withers nació a finales de los años 30 en Virginia Occidental, en los EE.UU. Su infancia estuvo marcada por la tartamudez y el asma, dolencias que superó gracias a su abuela. Al cumplir la mayoría de edad se alistó a la Marina, donde comenzó a interpretar y a escribir canciones. Tras esto se mudó a Los Ángeles con la intención de comenzar su carrera musical. Allí empezó a trabajar como operario mientras grababa singles que pagaba de su propio bolsillo y actuaba en clubes nocturnos. Incluso después de publicar su primer éxito “Ain´t Not Sunshine” (que llegó al No. 3 en las listas yanquis e incluso ganó un Grammy) siguió con su trabajo pues la industria musical era a su parecer poco estable y él humildemente se consideraba un principiante. Grabó 8 álbumes de estudio más otro en directo hasta 1985. En 1989 decide aparcar su carrera definitivamente para volver a su familia y amigos, un círculo de amigos ya formado antes de que le llegara la fama. Sólo reaparecería en contadas ocasiones en discos ajenos. Un giro que no hace más que engrandecer la figura de este soulman que pudiendo haber reclamado el estatus de estrella siempre se negó a hacerlo. Un músico que llegó a la cumbre, se codeó con los grandes, que fue alabado pero que nunca perdió la perspectiva y que decidió apartarse del brillo de los focos y de la fantasía de las drogas.

“Just as I Am” es el primer disco de Bill Withers, grabado en unos estudios en Hollywood bajo la producción de Booker T. Jones para el sello Sussex. Es un disco de soul donde no hay abuso de artificios y en el que la voz de Bill Withers se luce consiguiendo trasmitirte sus estados de ánimo. Todas las canciones del disco están escritas por Bill Withers excepto un par de versiones (entre ellas el “Let It Be” de los Beatles). Como disco de debut sorprende por ser un disco “completo”, posee la rotundidad que otros consiguen sólo después de muchos intentos. 12 canciones magníficas en las que la producción hila fino para agrandar su poderío y su luminosidad. Después de muchos años descatalogado yo he podido hacerme con este disco, reeditado en 2012 en vinilo de 180 gramos. Y he de decir que seguramente es uno de los discos que mejor suenan cuando le pongo la aguja encima de los que forman mi humilde colección. Una joya de un gran resplandor sonoro.

“MOBILISATION GENERALE. PROTEST AND SPIRIT JAZZ FROM FRANCE 1970-1976”

Para reunir una colección de canciones como las que aparecen en este magnífico recopilatorio hace falta una minuciosa labor de rastreo. Es lo que han hecho, con muy buen gusto y no menos buen hacer, la gente del sello francés Born Bad Records. Ellos reúnen aquí 12 singles de música subterránea como forma de sublevación contra el sistema en la Francia de los 70. Músicos de izquierda que a través del free jazz salpicado de sonidos africanos y spoken word de textos comprometidos querían compartir su malestar en aquellos años convulsos y llenos de rabia contra la opresión evidente del estado hacia ciertos sectores de la población y la búsqueda de una realidad social diferente utilizando la protesta como medio de presión. Un reflejo de los movimientos de protesta de entonces cuyo mensaje después de 40 años sigue estando de actualidad a pesar de las capas de maquillaje que se le quieran echar encima. Una estupenda compilación en doble vinilo 180 gramos en carpeta desplegable y cubierta decorada con coloridas ilustraciones de Camille Lavaud, convirtiéndolo también muy apetecible visualmente. Un auténtica joyita esta movilización general de sonidos…

“GANTS AGAIN!” 1966. THE GANTS

The Gants fueron una banda de garage-rock -aunque muy influenciados por los Beatles- del sur de los Estados Unidos, exactamente de Greenwood, Mississippi. Comenzaron llamándose The Kingsmen para luego pasar a ser llamados The Gants. En 1963 se juntaron para hacer covers (versiones) de rythm&blues Sid Arenque (voz y guitarra), Johnny Freeman (guitarra), Vince Montgomery (bajo eléctrico) y Don Wood (batería), muy jovencitos todos, de hecho Johnny Freeman tuvo que abandonar porque su padre no le dejaba salir de su ciudad para dar conciertos. Su trayectoria fue breve, sacaron 3 discos y varios singles y después se acabó, pero su sonido aún a día de hoy sigue siendo fantástico.

“Gants Again!” fue su  segundo disco, lleno de covers en los que las canciones originales cobran una nueva vida y que hacen pensar que hubiera sido de esta banda si hubieran dado rienda suelta a su lado creativo y compositivo en vez de centrarse en versionear (aunque no se dedicaran a ello en exclusiva). Este disco está compuesto de 12 cortes breves pero certeros, donde hay frescura y sabor sesentero, ideal para sobrellevar la canícula…

“PHOSPHENE DREAM” 2010. THE BLACK ANGELS

La psicodelia sigue estando presente y The Black Angels son uno de sus máximos exponentes actualmente. Son tejanos, de Austin, el nombre de la banda lo tomaron de la letra de una canción de la Velvet Uderground. Se juntaron a finales de 2004 y son creadores de un sonido propio y particular -una potente psicodelia garagera de la que no deja indiferente- y en el que se reconocen influencias a las que ellos ponen su sello cubriéndolas de un velo sombrío jugando con ritmos repetitivos y melodías oscuras y el desarrollo sinuoso de las canciones, que son billetes para viajes sin desplazamiento llenos de experiencias sensoriales. También han sido banda de acompañamiento de Roky Erickson (fundador y líder de The 13th Floor Elevators). Los multinstrumentistas que forman The Black Angels son Alex Maas (voz, bajo, teclados), Christian Bland (guitarra, drone machine, órgano), Nate Ryan (bajo, guitarra), Kyle Hunt (Teclados, percusión, bajo, guitarra) y Stephanie Bailey (batería), todos juntos forman un poderoso y experimentador combo sonoro capaces de transmitir coordenadas para traspasar la a veces opaca realidad.

“Phosphene Dream” es su tercer LP, un estupendo disco de psicodelia sesentera, de blues-rock, de psych-rock y de oscuridad lisérgica lleno de atmósferas envolventes  con explosiones guitarreras y ruidismo bien encauzado. Fue grabado en Los Angeles, las labores de producción corrieron a cargo de Dave Sardy y fue publicado por el sello Blue Horizon. El disco gana enteros escucha tras escucha, háganme caso, un discazo “tan pertubador como cautivador”, como leí en una crítica no recuerdo dónde… The Black Angels, punta de lanza de la neo-psicodelia actual.

“SEE YOU IN HELL” 2014. LOS SENTÍOS

Los Sentíos están de vuelta –si es que alguna vez se marcharon-, de vuelta a lo que más les gusta, el rock’n’roll. Ellos son los abanderados de la escena rock’n’roll sevillana, por su buen hacer, por trayectoria y por actitud. Yo siempre he dicho que la actitud no se ensaya, o se tiene o no se tiene, no valen las medias tintas, y ellos la tienen porque les apasiona lo que hacen y lo que hacen lo convierten en forma de vida. 16 años ya del comienzo de la andadura da para mucho y este mucho en manos diestras como las suyas se traduce en calidad en las composiciones y poderío en directo. Los Sentíos lo fundaron Edi Tachera, Antonio León y Miguel Díaz. Ellos han sido los permanentes Sentíos, el “nucleo duro” y el alma de esta banda tan particular y que la perspectiva que da el paso del tiempo pondrá en su sitio, pues como suele ocurrir en la España que padecemos desde hace demasiado tiempo, proyectos geniales como este pasan desapercibidos demasiadas veces.

“See you in hell” es un mini-LP de 5 canciones editado en vinilo de 10” y también en formato digital. Es la antesala de lo que será su próximo LP que tienen previsto grabar el próximo otoño. Con este mini-LP comienza la relación de Los Sentíos con Grabaciones Cowabunga, que también se hará cargo de la edición del próximo LP. Con “See you in hell” Los Sentíos han dado un giro espléndido a su estilo, eminentemente power-popero, virando hacia la americana a base de madera, poderoso contrabajo, lap steel y cambiando las baquetas de la batería por escobillas pero manteniendo su estilo propio en las guitarras y la pluma afilada en sus letras. Ha sido grabado en los estudios La Mina con Raúl Pérez como ingeniero de sonido. Ahora Los Sentíos son Edi Tachera (voz principal), Antonio León (guitarra y coros), Miguel Díaz (guitarra solista y coros), Rafa Torres (contrabajo) y Alberto Romero (batería) y cuentan en este disco con la colaboración de Paul Laborda (lap steel, trompeta y armónica). Este es la 5ª referencia en la larga trayectoria de estos sevillanos para los que el humor y la fina ironía son estandarte -basta coincidir con ellos en una barra de bar cualquiera para dar fe de ello-. Este es un disco “realmente bonito”, como ellos lo definen, una maravilla de disco de esos que te salvan el día y que consiguen sacarte una sonrisa por muchos motivos que tengas para todo lo contrario y que te incita, por qué no, a abrirte una cerveza y disfrutar de la escucha. La cuidada edición en vinilo merece hacerse con ella, ilustrada con una foto de un concierto callejero en la capital hispalense. Pueden hacerlo a precio módico aquí:

http://www.cowabungastore.com/cms/grabaciones-cowabunga-store/

Y para los que lo prefieran en digital (descarga canción a canción) aquí:

http://lossentios.bandcamp.com/

Los Sentíos están de gira para presentar este nuevo trabajo, no lo duden, si pasan por su ciudad vayan a verlos y si no es el caso cojan el coche y hagan kilómetros para hacerlo, valdrá la pena, asegurado, se aceptan reclamaciones a la dirección de contacto de este blog. Larga vida a Los Sentíos, y si no es así nos vemos en el infierno amigos!

“SINGLE-MINDED” 1987. MODEST PROPOSAL

Modest Proposal fueron un cuarteto mod de Washington DC que comenzaron andadura a mediados de los 80. Su sonido era puro power pop con algún tinte punk. El cuarteto eran Neal Augenstein (voz), Bill Crandall (guitarra y voz), Perry Flint (bajo) y Bob Minard (batería). Un único disco grabaron y un par de singles antes de este y después cambiaron de nombre, The Mondays pasaron a llamarse, mismo vocalista aunque no sé si misma formación. En 2009 se volvieron a juntar para dar un concierto en su ciudad, más allá de eso je ne sais pas…

“Single-minded” es su único albúm de estudio. Grabado en cuatro sesiones entre 1984 y 1987 y editado por el sello Unicorn Records. Una maravilla de disco compuesto por 12 enérgicas y vibrantes canciones, donde las melodías y la sección rítmica encajan a la perfección. Un disco rompedor de caderas de principio a fin, infalible en cualquier guateque.

“¡TOCA BREAKBEAT, PERRO!" 2014. BLUSA

De Blusa ya se ha hablado aquí. Fue hace tres años con motivo de su EP “Rotary”. Blusa llevan muchos años haciendo esto, post-rock de calidad. Ahora han vuelto por fin con un disco, en el que han aparcado la electrónica que usaban para sus bases en el anterior EP y la claqueta que impone esto para marcar el tempo, ganando en libertad según cuentan.

Blusa, sevillanos ellos e inquietos exploradores sonoros, son Daniel Barja, Jorge Marmesat (guitarras), Curro Molina (bajo y creador de todo el grafismo del disco así como del inquietante video de su primer single) y Antonio Ortiz (batería). 14 años ya de trayectoria –con algún paréntesis por el camino- dan forma al universo sonoro de Blusa, un universo instrumental de atmósferas guitarreras apoyadas en una base rítmica vigorosa. Blusa siguen siendo unos desconocidos, una rareza que merece atención por la calidad de sus composiciones y por la capacidad de emocionar de estas.

“¡Toca breakbeat perro!” es el segundo largo de Blusa compuesto por 10 canciones de melodías misteriosas cargadas de electricidad donde las guitarras conversan mientras el bajo y la batería se encargan de la propulsión necesaria para el viaje. Es un disco laberíntico donde hay que tomarse el tiempo necesario para su disfrute, abrir el oído y un poco de volumen y no amedrentarse con sus geniales picos de intensidad y dejarse llevar por los diferentes estados de ánimo que provocan. Fue grabado en los estudios sevillanos La Mina, pagado de sus propios bolsillos. La promoción y distribución corre a cargo de Sello Salvaje. El título del disco viene de una anécdota ocurrida durante un concierto hace ya muchos años en algún pueblo perdido cuando uno de los lugareños en estado de embriaguez y seguramente dueño de un coche de estética “tunning” se acercó al escenario y les soltó esta frase. La edición del disco de momento es sólo en cd-digipack en formato físico o descarga digital (esperamos ansiosos la edición en vinilo), aquí:

http://sellosalvaje.bandcamp.com/album/toca-breakbeat-perro

Blusa con este disco siguen avanzado en su personal trayectoria y enriqueciendo la interesantísima escena local sevillana, en flor desde hace años.

“THE PERFECT PRESCRIPTION” 1987. SPACEMEN 3

Hace ya más de tres años que este blog echó a andar por estos lares virtuales. El tiempo pasa muy deprisa, es verdad, sobre todo cuando ya no te interesa. El primer disco de Spacemen 3 fue uno de los primeros de los que se habló aquí. Ahora de nuevo Spacemen 3, con el que le sigue, el 2º disco, este más que maravilloso “The Perfect Presciption”, reeditado por Fire Records el año pasado, vinilo celeste de 180 gramos. Yo lo he recibido por correo hace poco, una delicia el volver a escuchar a esta banda capital -para mí lo son-. Estos intrépidos y psicotrópicos exploradores dan en el clavo con este disco. Sí, la Velvet, los Stooges y otros muchos pululan entre sus canciones, es evidente, pero ellos tienen su propio sonido a través de sus armonías psicodélicas, y lo hacen tela de bien.

La psicodelia de Spacemen 3 comenzó en 1982 en Rugby, Inglaterra. Antes de grabar su primer trabajo se foguearon en salas de pequeño aforo. En 1986 publican su primer disco y el último en 1991, ya deteriorada la relación entre ellos. Spacemen 3 eran Jason Pierce y Peter Kember (líderes y firmantes de sus canciones). Su legado fue y sigue siendo influencia para muchos otros que vinieron detrás y para mí sigue siendo un grupo dueño de un sonido único, muy grandes.

“The Perfect Prescription” es la obra mayor de Spacemen 3, un disco de minimalismo psicodélico. En este disco sus miembros eran Jason Pierce, Peter Kember, Sterling Roswell y Jon Mattock Ya sé que me repito con lo de “viaje sonoro”, ya lo he utilizado antes para definir algún otro disco pero no puedo dejar de referirme a este como tal, un viaje especialmente intenso, y si no prueben a escucharlo en el sofá con volumen y mejor si tienen a mano alguna sustancia para desordenar un poco los sentidos, viaje sin desplazamiento asegurado.

“#3” 1996. DIABOLOGUM

Este disco de Diabologum lo escuché muchas veces, hace años. Llegué a él gracias al sello Green Ufos que lo distribuyó y promocionó en España. Su sonido rock experimental, oscuro e intenso y la rabia que se translucía en las canciones me atraparon a la primera escucha y aunque recuerdo que al principio me chirriaban sus letras en francés a las que no llegaba, sabía que había verso interesante a descifrar en ellas. Ahora los he recuperado y aunque el no llegar a las letras por la barrera del idioma nunca me ha condicionado –siempre he pensado que la voz humana es un instrumento maravilloso sin necesidad de articular palabras coherentes- cierto es que las palabras enriquecen el asunto y para apreciar este matiz evidentemente es necesario entenderlas, al menos a priori. Ahora las letras de Diabologum me resultan menos extrañas, menos lejanas, a pesar de que aún me queda mucho camino para poder comprenderlas totalmente, no me engaño.

Diabologum comenzaron a principios de los 90 en Toulouse, en el sur de Francia. En 1993 Michel Cloup, Arnaud Michniak, Pierre Capot y Anne Tournerie sacaron el primer disco de Diabologum. Después los miembros fueron yendo y viniendo menos el “nucleo sólido” formado por Michel Cloup y Arnaud Michniak, los dos motores creativos del grupo. Ellos hacían un rock ruidoso con melodías pop pero de un fondo sonoro abstracto con muchos añadidos experimentales, consiguiendo darle un matiz a sus canciones impactante y poderoso. Fueron un referente en el rock más underground francés. En 1998 se separan, Michel Cloup sigue con otro proyecto llamado Expérience y Arnaud Michniak hace lo mismo con Programme.

“#3” es su tercer y último disco, publicado en el sello Lithium –al igual que los anteriores-. En este disco sustituyeron el cantar por textos hablados llenos de poesía. Es un disco muy intenso y visceral lleno de atmósferas oscuras, críticas y llenas de indignación en las que se evidencia el desencanto. También hay un monólogo  capaz de romperle el corazón a cualquiera de la actriz  Françoise Lebrun que aparece en la película de Jean Eustache “La Maman et la Putain” (1973). La 1ª escucha quizá no se antoja fácil por su complejidad pero luego la bruma se disipa aunque sin marcharse del todo. Un disco de culto el que grabaron estos audaces aventureros sonoros y que casi 20 años después suena tan actual como entonces, quizá ahora con más motivo.

“BIG WHEEL AND OTHERS” 2013. CASS McCOMBS

Cass McCombs nació en 1977 (buen año, también el mío) en California. Su actitud hacía la vida ha sido la de un nómada durante años pegado a su guitarra acústica, buscando el siguiente sitio donde parar pero no el suficiente tiempo como para dar lugar a echar raíces, sin las facilidades que da el hecho de tener dinero en el bolsillo y siempre con la creatividad como estímulo vital. Además de su carrera en solitario también ha girado con muchas otras bandas que no eran la suya. Su música es intimista, con cierto toque dramático y sobre todo de una maestría y un buen hacer evidentes.

“Big Wheel And Others” es el séptimo disco de este prolífico cantautor editado por Domino Records y producido por él mismo, grabado en diferentes estudios y con diferentes ingenieros de sonido. El disco está dedicado a Karen Black, actriz, guionista y cantautora que murió el año pasado. Ella interpreta una de las canciones del disco. También hay tres cortes curiosos en él pertenecientes al corto “Sean” (1970) en el que se escuchan las reflexiones de un niño en el San Francisco de finales de los 60. Este es un disco enorme y no sólo por sus 19 canciones, lo es porque no es un disco para asimilar en una escucha, requiere paciencia y adentrarse en él con calma, sin buscar el hit y prestando atención a como las canciones se entrelazan, se desarrollan y terminan creando el ente al que pertenecen que no es otro que este discazo, extenso, sí, pero merecedor de la oportunidad de ser escuchado sin prisa, degustado con quietud. La recompensa a este recomendable ejercicio son 85 minutos fantásticos, con una paleta de sonidos muy variada capaces de sacarte de cualquier borrasca mental en la que te halles inmerso o al menos provocar algunos claros por los que escapar.

A Cass McCombs lo pude ver en directo a finales de enero en Rouen, en Le106, un antiguo almacén del puerto reconvertido en magnífica sala de conciertos y exposiciones. Y hace unos días he recibido este disco por correo y lleva poniendo banda sonora desde entonces a mi humilde morada. Doble vinilo de cuidada edición con unas inquietantes ilustraciones en la portada y también en la contraportada. Maravilloso.

“SOMETIMES TOO MUCH AIN´T ENOUGH” 2013. THE EXCITEMENTS

Hace un par de findes me cogí el coche y me fui a Evreux, a la sala l´Abordage a ver a esta fabulosa banda en directo. Se me escaparon el otoño pasado cuando actuaron en Paris pero esta vez no. Y vaya si mereció la pena, menudo conciertazo que se marcaron estos chicos comandados por la voz de Koko Jean Davis y su poderío sobre el escenario aunque bien es verdad que el escenario les quedaba pequeño sobre todo a ella. La próxima vez espero verlos en un escenario a su medida, lo merecen. Y por supuesto les compré el disco.

The Excitements son de Barcelona, formados hace algo más de tres años. Lo suyo es el rhythm and blues y el soul interpretado de manera impecable. La fundación de la banda fue obra de Adrià Gual y Daniel Segura, quienes juntaron a un exquisito elenco de músicos para ello y encontraron vía internet a la piedra angular, es decir, a ella, la mozambiqueña Koko Jean Davis. Como toda banda de soul que se precie la voz ha de ser poderosa y estimulante y ella cumple a la perfección estos parámetros aportando además carisma. Y no sólo eso, también baila, salta, jalea, anima e incluso firma discos y pósteres con su carmín a mano para grabar sus labios en sus autógrafos tras el concierto y si es necesario te canta algún estribillo de las canciones de los singles que venden para que la  identifiques, y eso breves minutos después de darlo todo en el escenario. The Excitements son Koko Jean Davis (Voz), Lalo López (Guitarra solista), Adrià Gual (Guitarra rítmica), Daniel Segura (Bajo), Marc Benaiges (Batería), Marc Lloret (Saxo alto) y Nicolás Rodríguez-Jáuregui (Saxo Barítono). Estos chicos no paran de dar conciertos, sobre todo allende fronteras donde se están haciendo de una buena reputación. Kilómetros y kilómetros por Europa cargados con sus instrumentos, está claro que es su vocación.

“Sometimes Too Much Ain´t Enough” es su segundo disco, editado por el sello barcelonés Penniman Records y grabado en mono, dándole con ello un exquisito toque añejo. De la producción se ha encargado Mike Mariconda. En él hay versiones pero también composiciones propias. Una buenísima sección rítmica apoyada por unos eficaces metales y todo ello catapultado por la feroz energía de Koko. Todo un torbellino sonoro de música negra de calidad que pide a gritos volumen para su escucha. Discazo, sin discusión alguna.

“LEÓN BENAVENTE” 2013. LEÓN BENAVENTE

León Benavente es un grupo reciente formado por músicos ya más que rodados y con kilómetros encima cada uno de ellos, algunos de ellos han compartido kilómetros en la furgoneta de Nacho Vegas como parte de su banda en sus giras por los pueblos de nuestra decadente España. Pero cada uno de ellos tiene un pasado musical que rememorar como parte de otra formación o en solitario. Cuentan que el origen del grupo está en un accidentado viaje de uno de ellos en un viejo coche bajando de Asturias a Madrid, y entre León y Benavente se quedó tirado. Allí, en medio de la nada –y sé de lo que hablo, he vivido en Asturias y en esa parte del viaje el paisaje es simplemente el páramo desmoralizador, más aún si te quedan por delante muchos kilómetros como era mi caso- esperando a que le rescatara la grúa llamó por teléfono a otro de los futuros integrantes planteándole el escribir canciones juntos y formar una banda. Y de ahí se juntaron un asturiano, un gallego, un murciano y un aragonés, ellos son: Luis Rodríguez, el de la llamada desde el arcén de la carretera (guitarra), Abraham Boba (voz y teclados), Edu Baos (bajo, miembro de Tachenko) y César Verdú (batería, miembro de los geniales Schwarz).

Su primer disco homónimo es un disco contundente e intenso de atmósferas oscuras y con una potente sección rítmica como centro de poder. Grabado en Madrid y producido por ellos mismos, como no. Sus letras hablan de la penosa y cruda realidad nacional presente, una crítica social tratada con ironía como no puede ser de otra manera. Las voces femeninas invitadas son Irantzu de La Buena Vida y Cristina de El Columpio Asesino. Un disco vibrante que pide ser escuchado de principio a fin, estupenda banda sonora mientras deambulas por ciudades que no son tuyas y que desde la distancia del expatriado sus narraciones abrasivas y reflexivas cobran mucho más sentido, y el desencanto también. Gran disco.

“A FEAST OF WIRE” 2003. CALEXICO

Calexico es una banda de Tucson, Arizona, cuyos líderes son Joey Burns (voz y guitarra) y John Covertino (batería). Se conocieron al formar parte ambos de la banda Giant Sand (liderada por el gran Howe Gelb) en Los Ángeles, ellos dos conformaban la sección rítmica al bajo y a la batería. Cuando aún tocaban con Giant Sand ya tenían un proyecto paralelo llamado Friends of Dean Martinez, después de este formaron Spoke (bajo cuyo nombre editaron un disco en 1996) que finalmente pasó a llamarse Calexico, . Se mantuvieron ocupados durante un tiempo también en la banda de Howe Gelb para finalmente volcarse con Calexico. Definir la música que hacen se vuelve complicado pues ellos son unos exploradores de sonidos, músicas y culturas que convierten en una refinada mezcolanza,  reconocible –o no- debido al particular sello con el que impregnan sus composiciones. Se dice de ellos que hacen folk-rock fronterizo teñido de americana a lo que yo añadiría jazz y variedad de músicas latinas, en fin, que de patrones convencionales y purismo no va lo suyo.

“A Feast Of Wire” es su cuarto disco de estudio, un disco de ricas mezclas rítmicas. Para grabarlo el elenco fue numeroso, 12 músicos fueron los artífices. La inquietud experimentadora de la banda se plasma en las melodías y la diversidad de instrumentos que se reúnen en este disco donde hay cabida para una exquisita variedad de géneros, texturas e imágenes. Música evocadora magistralmente interpretada con la que pasar la tarde a modo de compañía sonora que finalmente consigue atrapar toda tu atención dejando de lado lo que tenías entre manos por muy urgente o importante que fuera. Una reproche dejaré caer: un gran disco como este se merece una portada a la altura de su contenido y, evidentemente, no es el caso. Una lástima.

“LEADER OF THE PACK” 1964. THE SHANGRI-LAS

Últimamente este blog ha estado un poco en barbecho y no porque la música haya dejado de ser capital en mi vida o porque ya no quiera compartirla a través de este blog sino más bien por razones banales (léase pereza). Intentaremos sacudirnos esta última y recuperar la inercia.

The Shangri-Las fueron uno de los “girls group” más sobresalientes de los años 60. Surgieron en 1963 cuando aún eran teenagers de la curiosa unión de dos grupos de hermanas, por un lado Mary y Betty Weiss (aunque esta última se mantuvo casi siempre en un segundo plano, con poca participación en los directos y ni siquiera presencia en las sesiones de fotos) y del otro lado las hermanas gemelas Marge y Mary Ann Ganser. Eran originarias del barrio neoyorquino de Queens, lo que les hacía diferenciarse del resto de grupos de chicas de la época, ya que crecer en un barrio duro como ese les hacía ser menos recatadas, por decirlo de alguna manera. El dramatismo era el ingrediente principal de sus letras, ellas encarnaron su propia versión del melodrama teenager. Estuvieron activas hasta 1968, cuando el grupo se disolvió. Al año siguiente Mary Ann Ganser murió de sobredosis de barbitúricos (aunque aún hay dudas sobre esto). En 1977 el resto de sus compañeras se juntaron para grabar de nuevo pero no publicaron el resultado por no estar satisfechas con él. En los 80 se reunieron para dar varios conciertos.

 
“Leader of the pack” es el LP de debut de las Shangri-Las, aunque bien es verdad que ellas fueron más un grupo de canciones (singles) que de discos. El hacedor de este disco a modo de productor y compositor principal fue George “Shadow” Morton, aunque no todas las canciones son originales, también hay 3 versiones de canciones que no pertenecen a las Shangri-Las. Como curiosidad la canción que da título al disco –y que fue su mayor éxito en EE.UU.- fue censurada durante años por la BBC, demasiado violenta en opinión de sus censores, poco recomendable para oídos adolescentes. Ellas fueron pioneras en incluir pistas sonoras extramusicales en sus canciones (ruidos varios, chasquidos de dedos, graznidos, cristales rotos, motores de motocicleta…). Las Shangri-Las fueron y siguen siendo grandes, ellas rompieron con los clichés de la época con sus tragedias y melodramas y con su rock´n´roll cubierto de un velo de inocencia, para mí ellas son imprescindibles, no hay debate que valga sobre esto.