“BEEN HERE AND GONE” 2001. THALIA ZEDEK

Thalia Zedek es una gran dama del rock. Criada en Washington D.C. aunque a finales de los 70 se trasladó para estudiar a Boston. Antes de que el rock llegara a su vida le interesaba mucho la poesía. Según ella, prefiere las letras que evocan más que las que afirman, los textos más simbólicos que literales. Esta talentosa mujer, fumadora empedernida de voz desgarrada –y también con algunos problemas de adicción en el pasado- participó en varios proyectos antes de embarcarse junto a Chris Brokaw (ex-batería de Codeine) en Come. Activos hasta 1999 después de esto comenzó su carrera en solitario. Con España tiene una relación especial que data de la primera vez que giró con Come por aquí y de la amistad que trabó de aquellas con los chicos de Manta Ray y otros músicos de Gijón.

“Been Here And Gone” es su debut en solitario. Acompañada de una solida banda, en este disco enorme desgrana canciones sobre el pasado, canciones de rock crudo, rock intenso y dramático. A través de su voz rota y arrastrada, de guitarras oscuras y musculosas, teclados y cuerdas consigue marcar a las interpretaciones con una intensidad emocional que no deja indiferente. Destaca una gran versión del “Dance me To The End Of Love” de Leonard Cohen. Un disco capaz de producir cierto malestar emocional pero que puede servir de puente tendido hacia otros lugares alejados del dolor.

A Thalia Zedek la he podido disfrutar en directo un par de veces. Una de ellas fue hace muchos años en el Teatro Central. En esa ocasión tocaba la guitarra con ella Nacho Vegas y esa misma noche también tocaron sobre el mismo escenario Manta Ray. Una noche a recordar. Y la otra fue el año pasado en el Gran Teatro de Huelva, otro conciertazo de esta señora, merecedor de sobra de cogerse el coche rumbo a otra ciudad un día entre semana. Grande, muy grande Thalia Zedek.

“DETAILS NOT RECORDED” 2009. GLEN JOHNSON

Glen Johnson es un prolífico  e inquieto músico británico dotado con una sensibilidad especial que ya se le intuye al verlo en persona. Es el líder de mis admirados Piano Magic pero también ha creado música exquisita con otros proyectos suyos como Future Conditional y Textile Ranch.

“Details Not Recorded” es una colección de pausadas canciones intimistas cargadas de romanticismo y con un atrezzo mínimo. Este disco es el primero que firma con su nombre en su carrera de más de una década escribiendo y publicando canciones. Este es un disco de producción casera. Para grabarlo ha contado con la colaboración de David Sheppard (guitarras, bajo y batería), Keiron Phelan (flauta) y Josh Hillman (violín y viola), entre otros. Un disco precioso que suena a soledad y a frialdad nostálgica. Compañía perfecta para pasar la tarde en casa, sin interrupciones, sumergido en lecturas interesantes…

“NOTES TO AN ABSENT LOVER” 2009. BARZIN

Tras Barzin está Barzin Hosseini, un canadiense estudiante frustrado de literatura que abandonó sus estudios cuando se entregó por completo a la música. Grabó su primer disco en 2000 aunque no se publicó hasta 2003.

“Notes From An Absent Lover” es un disco de sonido reposado y con bonitas melodías y cuidados arreglos de piano y de cuerdas. Las composiciones tratan sobre el recurrente tema del amor, el desamor y el miedo. Y de la melancolía causada por estos sentimientos pero sin hacer drama de ella. Según él durante la grabación sufrió un sinfín de contratiempos a los que tuvo que adaptarse. Pero quedó satisfecho con el resultado final y la honestidad conseguida con las letras. La importancia de esta honestidad tenía que ver con la deuda que mantenía con la persona sobre la que van la mayoría de los textos. La sinceridad alcanzada ha sido su forma de saldar cuentas con este fantasma del pasado y del presente con el que tuvo una relación extinta ya. Un disco de ruptura a través de canciones desnudas pero alejadas del resentimiento y la culpa. El desarrollo del disco es uniforme y lineal  aunque también con algunos quiebros y recovecos. Un disco que suena  a clásico. Y que lo puedes usar para aislarte de toda la vorágine que conlleva pasear por el centro de la ciudad con todas sus cargantes luces navideñas encendidas y los ríos de gente a las que tienes que sortear hábilmente. Un disco íntimo pero no sólo para escucharlo en la intimidad. Funciona también en otras situaciones en compañía de gente.

 

“HEPTAGONO” 2001. MANTA RAY & SCHWARZ

Este es un disco conjunto de los asturianos Manta Ray y los murcianos Schwarz, por entonces compañeros de sello en Astro Discos. Para Manta Ray no era su primera colaboración a la hora de publicar un disco, ya lo habían hecho años atrás con Corcobado y con Diabologum. Manta Ray y Schwarz eran de aquellas dos bandas experimentadoras y revolucionarias dentro de la escena nacional. Dos bandas con puntos de vista parecidos que se juntan en esta ocasión para grabar en directo sin trucos ni retoques. Manta Ray surgió en el Gijón de los 90 y se les incluyó en el Xixón-Sound aunque ellos odiaban esta definición y en mi opinión no compartían mucho con el resto de grupos de aquella escena, quizá lo único que compartían eran cervezas y culines de sidra. Para mi Manta Ray son lo mejor surgido musicalmente en este país en los 90, una banda rompedora, de importancia capital y con un directo muy potente. Schwarz comienza a finales de los 90 en Murcia como un proyecto personal de Alfonso Alfonso que luego derivó en banda con la incorporación de otros músicos.

En “Heptágono” interpretan como una sola banda piezas de sus respectivos repertorios, un tema conjunto y un par de versiones, una de Kraftwerk y otra de Brian Eno. La definición de heptágono es un polígono de 7 ángulos y 7 lados. Este disco lo forman 7 temas interpretados por 7 músicos. Grabado la mayor parte en un par de días en los estudios Kyrios en Madrid. Participaron en la grabación Alfonso Alfonso (guitarra, sampler, sintetizador y voz), Juanma Martínez (bajo y teclados), César Verdú (batería y percusión), José Luis García (guitarra y voz), Frank Rudow (teclados, batería, loops, theremin y voces), Nacho Álvarez (bajo, farfisa y voces) y Xabel Vegas (batería, percusiones, metalófono y voces). Los tres primeros eran los miembros de Schwarz y los cuatro restantes los miembros de Manta Ray. Este es un disco inmenso de ritmo y desarrollos, lleno de matices. La edición en vinilo –que aún se puede comprar a través del Myspace de Schwarz- es una cuidada edición desplegable con vinilo de 220 gramos.

Dedicado a mi amiga Bti, agradecido por su hospitalidad durante estos días atrás que he pasado en Gijón -mi ciudad favorita después de la propia-disfrutando del Festival Internacional de Cine de Xixón. Y a mi amigo Curro, que también lo tiene entre su colección y que también es muy fan de Manta Ray.

“SPIDERLAND” 1991. SLINT

Slint fueron una efímera y muy influyente banda formada en 1987 en Louisville, Kentucky (en la Norteamérica profunda donde nunca ocurre nada). Para cuando se empezó a hablar de ellos ya se habían disuelto. Esto ocurrió en 1992. En 2005 se volvieron a reunir con motivo de una breve gira que hicieron. Oportunidad perdida, me hubiera encantado verlos. Slint eran en principio Brian McMahan (voz y guitarra), David Pajo (guitarra), Ethan Buckler (bajo) y Britt Walford (batería). Buckler abandonó el grupo en 1990 y fue sustituido por Todd Brashear días antes de la grabación de “Spiderland”. Slint sólo publicaron dos discos y un Ep pero ejercieron una fuerte influencia en gran parte del rock alternativo que se hizo en Estados Unidos en los 90. Ellos eran poseedores de un sonido propio muy característico que no se parecía en nada a lo que se hacía entonces. Cuando Slint dejó de existir sus miembros siguieron por otras sendas musicales. Por ejemplo David Pajo continuó con Tortoise y Britt Walford con The Breeders.

“Spiderland” es el segundo y casi póstumo disco de Slint. Las sesiones de grabación de este disco fueron bastante intensas. Brian McMahan tuvo que ser ingresado en un sanatorio mental a la finalización. El sonido de este disco es envolvente, las atmósferas recreadas en él muy densas y de evidente carácter introspectivo. Dentro del rock alternativo de la época esto era otra cosa. Un disco con un tempo especial. Un disco lleno de misterio y secretismo, un avance ralentizado hacia lo desconocido con un fuerte poder de fascinación. Un disco perturbador, una experiencia hipnótica llena de rincones oscuros. Un disco que hay que escuchar de principio a fin sin interrupciones. Seis canciones mayúsculas que rellenan este disco de poco más de ½ hora. Steve Albini (Shellac), que fue productor del primer disco de Slint, habla en una reseña sobre “Spiderland”: “En el mejor de los casos el rock me vigoriza, cambia mi estado de ánimo, dispara mi introspección o me envuelve con su sonido. “Spiderland” consigue todas estas cosas simultáneamente.” La foto de portada de este “tierra de arañas” con sus creadores con el agua al cuello es de Will Oldham. Este es otro de mis discos favoritos, de imprescindible escucha. La primera vez que escuché este disco fue como un golpe  en la cabeza, me quedé aturdido a la vez que impactado. Pero cuidado, este disco te puede cambiar el estado de ánimo irremediablemente y más aún a los de espíritu aprensivo.

“THE DEVIL, YOU + ME” 2008. THE NOTWIST

The Notwist se formaron cerca de Munich en 1989. En la actualidad el grupo está formado por los hermanos Markus (guitarra y voz) y Michael Acher (bajo), Martin Gretschmann (programaciones) y Andy Haberl (batería). Sus comienzos no tienen mucho que ver con su sonido actual. Un sonido que evolucionó en los 90 con la inclusión de la electrónica de la mano de Gretschmann. Los hermanos Acher también forman parte de otros proyectos en los que la electrónica es elemento importante. Markus lo hace en Lali Puna y Michael en Ms John Soda.

“The Devil, You + Me” es su sexto disco, publicado tras 6 años de silencio. Un disco detallista con canciones emotivas bien estructuradas. En él hay algunos parajes poco iluminados y algo desoladores aunque no es la sensación general del disco, también hay esperanza. Los arreglos del disco son obra de la Andromeda Mega Express Orchestra, especializada en interpretaciones de modern jazz. En este disco el pop y la electrónica sosegada se dan la mano junto a la voz calmada de Markus Acher. También hay texturas rock pasadas igualmente por el tamiz de la electrónica y algunas atmósferas introspectivas. Música muy personal y acogedora la de estos chicos alemanes, para disfrutarla en la intimidad, con compañía o sin ella.

“#1 RECORD” 1972. BIG STAR

Big Star fueron una banda formada en Memphis en 1971 que pasó desapercibida en su época. Todo el reconocimiento y los halagos les llegaron de manera retrospectiva, con la banda ya disuelta. La crítica no les prestó atención hasta la década siguiente. La influencia de Big Star sobre músicos y bandas posteriores es innegable. Ellos recuperaron las canciones pop inmediatas y breves en tiempos de psicodelia por doquier. Considerados también pioneros del power-pop. En principio formaban parte de Big Star Alex Chilton (guitarra & voz), Chris Bell (guitarra & voz), Andy Hummel (bajo & voz) y Jody Stephens (batería). El dúo compositivo de la banda lo formaban Chilton y Bell, aunque este último abandonó por diferencias con Chilton tras publicar su debut, que es al que se refiere esta entrada.

“#1 Record” es un debut mayúsculo. Un disco faro para generaciones posteriores, único legado de la pareja compositiva Chilton & Bell. Fue un fracaso de ventas debido a la incompetencia del sello que lo editó y a una pésima distribución. Guitarras eléctricas poderosas en algunos momentos y en otros más melódicas y acústicas. Las voces en las canciones se las turnaban Chilton y Bell. El año pasado fue reeditado este disco, con una edición en vinilo de 180 gramos y de color amarillo. Bonitas melodías pop para comenzar alegre este soleado domingo –aunque el viento y las nubes que trae consigo quizá lo torne en lluvioso-, justo antes de echarte a la calle, periódico bajo el brazo, en busca de un banco en algún rincón agradable del centro de la ciudad…

“HOLD ON LOVE” 2003. AZURE RAY

Azure Ray son Maria Taylor y Orenda Fink, dos chicas yanquis que se conocieron en la adolescencia en la escuela de arte de Alabama. En sus discos crean encantadoras atmósferas de duermevela y en ellos la producción es fundamental para crear su particular sonido. Maria Taylor también tiene una interesante y productiva carrera en solitario.

Este es su tercer disco. Un disco intimista de pop a cámara lenta con voces susurrantes y sonidos experimentales, además de arreglos de cuerda. Aparte de instrumentos acústicos también hay en sus canciones bases y loops de electrónica doméstica. Un bonito disco de bonita portada. Música intimista e introspectiva para pasar una agradable velada en casa.

“THE NATURAL BRIDGE” 1996. SILVER JEWS

Silver Jews era el proyecto de David Berman más los invitados para cada ocasión –quiero decir discos-. Entre estos invitados han estado varias veces integrantes de Pavement, por lo que en principio se le tuvo en cuenta como un grupo satélite de estos. No opino igual. Para mí los discos de Silver Jews poseen el suficiente carácter como para ser dueños de un espacio propio, aunque si se nota en su discografía la influencia de la escena neoyorquina de los 90 a la que pertenecían. La poca o ninguna estabilidad emocional de David Berman además de sus peligrosas y destructivas aventuras con las drogas provocaron el silencio del grupo durante varios años. Finalmente se disolvieron en 2009.

“The Natural Bridge” es un disco desnudo y confesional en el que tiene mucho peso la particular vibración de la voz de Berman. Para este disco dejó atrás a sus amigos de Pavement, siendo muy diferente a su anterior disco de debut. Grabado en una antigua fábrica de armas, fue un disco de complicada grabación. Un disco con cierta aureola country. Sosegado, simple al oído. Para escucharlo de principio a fin al salir de la ducha después de un día laboralmente largo, tirado en la cama con una toalla mal amarrada como única indumentaria. Un ejercicio este muy recomendable, relajación física y emocional asegurada.

“WE´LL DRIVE HOME BACKWARDS” 2008. COCOSUMA

Sobre Cocosuma no tengo muchos datos. Sólo sé que son un trío de Paris compuesto por Chab, Michelle y Amanda –ella es londinense-. También sé por experiencia propia que merece la pena pagar por verlos en directo. Lo hice el año que sacaron este disco, tocaron en el Monasterio de La Cartuja. Un concierto muy alegre y muy disfrutable. Aquí fue donde los descubrí y los hice míos.

Este disco del que hablo es su cuarto trabajo. Amanda, la vocalista, se incorporó al grupo en este disco. Un disco muy completo lleno de bonitas melodías acompañadas de la algo infantil y cristalina voz de Amanda. Canciones muy completas de pop naif con toques psicodélicos en algunas partes y optimismo a raudales, acorde con mi estado de ánimo actual. En la última pista después de muchos segundos de silencio hay una sorpresa final a modo de nana. Un disco para comenzar el día sonriendo, incluso para los que las circunstancias dificultan el encontrar la sonrisa. Dedicado a Cristina de Castellón, que una mañana escuchó este disco en mi coche mirando al mar después de una noche etílicos e insomnes y le gustó mucho.

“REMUÉ” 1999. DOMINIQUE A

Dominique Ané es un francés nacido en la antigua capital de la Bretaña francesa, Nantes, aunque reside en Bruselas. Un clásico del rock europeo, punta de lanza de la nueva canción francesa en los 90. Un gran compositor y un intérprete magistral, con un enorme poderío escénico. En sus composiciones rock y minimalismo se dan la mano de una forma muy particular. Su referente es Jacques Brel, al que llama “el Johnny Cash belga”. Según él la inspiración la busca en el trabajo de otros, su “alimento espiritual”. El que cruzara los Pirineos y se diera a conocer en España hay que agradecérselo al sello sevillano Green Ufos, que empezó a distribuirlo por aquí y que terminó editando sus trabajos. Con ellos el de Nantes mantiene una relación estrecha.

“Remué” es su quinto trabajo. Un disco de ruptura lleno de acordes repetitivos y algún elemento trip-hop. También hay espacio para alguna floritura rock. Inquietud, melancolía y brumas de tristeza provocada por los recuerdos sobrevuelan este disco. Un disco lleno de dramatismo y tensión.

A mi admirado Dominique A lo he visto en directo muchas veces y nunca me ha defraudado. Con banda y sin ella conciertazos todos los que le he visto. Recuerdo el del año pasado en el teatro Lope de Vega en el que cosechó una muy merecida ovación de varios minutos de todo el público puesto en pie. Este fin de semana ha actuado en el SouthPop de Isla Cristina, en Huelva, cerca de la frontera portuguesa, para los afortunados asistentes a este muy especial y sibarita festival. Yo no he estado allí –y será la primera edición desde sus orígenes que no lo haga- y no por que no quisiera sino porque cuando intenté reservar habitación en el Barceló (hotel en torno al que gira el festival) ya no quedaban. Y yo a este festival o voy de señor o no voy. En fin. Dominique A, un grande con mayúsculas, uno de mis favoritos.

“LOLITA GO HOME” 1975. JANE BIRKIN

Jane Mallory Birkin es una corredora de fondo, 40 años de carrera lo avalan. Londinense de nacimiento aunque residente en Francia desde los años 60. Parte de su infancia la pasó en la isla de Wight en un internado. Actriz y cantante al igual que su madre, su padre era comandante de marina. Junto a su segundo marido, el gran Serge Gainsbourg, formó la pareja de moda de la época. Una relación muy fructífera artísticamente de la que nació Charlotte Gainsbourg, continuadora de la saga familiar. Con Gainsbourg grabó un disco en el que aparece la sensual canción -censurada en muchas radios y denunciada por el Vaticano- “Je t´aime… moi non plus” en la que termina fingiendo (o no) gemir de placer al hacer el amor. El compondría gran parte de sus canciones incluso después de separarse.

“Lolita Go Home” es su tercer disco en solitario. Con ella cantando en inglés y francés rodeada de ritmo y teclados, aportando susurros y sensualidad con su voz quebradiza y frágil. Ninguna de las composiciones o las letras son suyas –de hecho hasta hace pocos años no se había atrevido a escribir letras propias-. Un disco tildado de mediocre pero que a mí me hace buena compañía cuando lo pongo, una compañía de poco más de media hora. Para mí su valor radica en el dulce encanto que desprende, la foto de la portada con ella esposada ya lo deja intuir. Recomendable para andar por casa.

“LAS LEYES DEL EQUILIBRIO” 2006. JULIO DE LA ROSA

Julio de la Rosa es un jerezano inquieto con años de carrera musical a la espalda. Formó parte importante de El Hombre Burbuja hasta su disolución. Después de aquella fructífera aventura musical continuó con su carrera en solitario. Sus habilidades literarias han sido publicadas en un par de libros además de ser evidentes en sus canciones. También ha compuesto bandas sonoras para el cine. Todo un artista proveniente de una familia de artistas.

“Las leyes del equilibrio” es su segundo disco en solitario. Un disco donde según él cada canción es un capítulo de una novela, un disco narrativo. El protagonismo es en torno a Manuel, cuya historia empieza con una ruptura sentimental y continúa con situaciones llenas de dramatismo. La instrumentación está llena de texturas y matices. Ambientes evocadores, huyendo del patrón rock, marcan el ritmo de este buen disco en el que hay que prestar atención a sus letras. Perfecto para escuchar en el salón de casa con un buen whisky envejecido como compañía.

Anoche lo estuve viendo en directo en el Monasterio de La Cartuja, dentro del ciclo Nocturama.  Afinando constantemente su guitarra y desgañitándose al final. Acompañado de banda dio un buen concierto aunque a mí no me gustó mucho excepto en momentos puntuales. Me gustó más en la intimidad del Fun Club hace años presentando este disco. Estaba él sólo en el escenario y con la ayuda de un auto-loop se bastó y se sobró para emocionar a los que estuvimos allí aquella noche. Grato recuerdo conservo de aquel concierto. La noche de ayer me la salvó la compañía y la cerveza.

“HABIAK” 2000. ANARI

Detrás de Anari esta Ana Rita Alberdi, una guipuzcoana de Azkoitia profesora de hispánica y filosofía en un instituto. Dueña de un imaginario propio en el que tiene gran importancia la naturaleza. Imagino que para los nacidos y criados en el País Vasco, la naturaleza tiene que ser una fuente de inspiración poderosa. Ella canta en Euskera, orgullosa de sus raíces, y la sonoridad de las palabras tiene mucha importancia.

“Habiak” es su segundo disco, en el que hay dolor soterrado y pérdidas de rumbo. También miedo a los demás y a uno mismo. La escucha de este disco requiere de asiento y atención. Unas letras muy buenas llenas de metáforas. El disco se mueve entre lo acústico y lo eléctrico, con unos bonitos arreglos de cuerda y piano y la voz de Anari que suena a vulnerabilidad . Los coros son una colaboración de Ruper Ordorika. Rock seco para combatir la sensación de soledad en la ciudad, en agosto, con el sol cayéndose a cachitos. Se debe de estar bien ahora por Euskadi con un txakoli en las manos, mirando al Cantábrico, al fresquito…

“NOTES AND THE LIKE” 2006. MS. JOHN SODA

Ms John Soda son Stephanie Böhm y Michael Acher. Son alemanes, amantes de la estética futurista. Michael Acher también forma parte de The Notwist (buenísimos) y Stephanie Böhm toca los teclados en Couch. Sus discos y EPs han sido editados por el sello berlinés Morr Music. Ellos crean sus canciones a partir de multitud de instrumentos y electrónica, prestando especial atención a los detalles.

“Notes And The Like” es su segundo disco, formado por –según ellos mismos- canciones que tratan sobre los problemas de comunicación, los malentendidos y la necesidad de buscar y encontrar. Canciones que poseen un gran abanico de sonidos. Guitarras, bajos, ruiditos electrónicos, arreglos de cuerda, sintetizadores y la tierna voz de Stephanie convierten a este disco en toda una delicia, una escucha agradable a cualquier hora.

Recuerdo su concierto en el SouthPop Festival de 2007 en el teatro Alameda. Stephanie y Michael llevaban colgados sendos bajos que rasgaban con fuerza e iban acompañados de un batería y otro chico a los mandos de los sintetizadores. Me dejaron boquiabierto y no fui el único. Conciertazo que ofrecieron delante de los afortunados que nos pusimos aquel año la pulserita del ya clásico festival sevillano.

“BURNING SAND” 2008. SOUTHERN ARTS SOCIETY

Southern Arts Society es mi banda sevillana favorita. Es la banda de Andy Jarman, un londinense afincado en Sevilla desde hace 20 años aunque por su acento pareciera que es un recién llegado. No es su primera aventura musical, anteriormente ya se había embarcado en otras, entre ellas Strange Fruit. Él formo junto a otros a principios de los 90 “El Colectivo Karma”, mítico sello sevillano que editó los primeros trabajos de Sr. Chinarro y Maga, entre otros. En este disco del que hablo la formación eran Andy Jarman a la voz y al bajo, Jesús Bascón “Chumi” a los teclados y arreglos de cuerda, Israel Diezma a la guitarra y lap steel, Albert Pielfort a la viola y Manuel Martínez a la batería.

“Burning Sand” es su segundo trabajo. Un disco muy cuidado en la producción y con las colaboraciones de Gary Olson (The Ladybug Transistor), François Breut, Muni Camon y Toger Quigley (The Mongolfier Brothers, At Swin Two Birds). Formado por canciones recurrentes a temáticas españolas e incluso una de ellas sobre la particular Sevilla. La portada está sacada de un cartel de nuestra guerra civil dirigido a campesinos. Un disco de bonitas melodías, delicadas armonías, arreglos preciosistas y melancolía y luminosidad a partes iguales. Un discazo de pop clásico, muy bueno.

Las veces que he visto a la Sociedad Artística Sureña en concierto siempre he disfrutado –y son muchas- e incluso he hecho kilómetros para verlos. El año pasado tocaron en el FIB (por lo que tuvieron que invitarme a alguna cerveza, ellos saben por qué).

“NO SEASONS” 2009. JACUZZI BOYS

Para estos días de calor y sopor persistente, de idas y venidas a la costa compaginadas con la rutina laboral –o mejor aún de vacaciones si eres afortunado-, apetecen discos frescos e inmediatos. Este es uno de esos.

Jacuzzi Boys son un trío de amigos de ascendencia hispana originarios de Miami, en la soleada Florida. A la guitarra y la voz está Gabriel Alcalá, al bajo Danny Rojas y a la batería y también la voz Diego Monasteri. Ellos hacen un rock garagero con reminiscencias al pasado pero muy actual. Incluso el mismísimo Iggy Pop –que ahora vive inexplicablemente en Miami- se ha referido a ellos en alguna entrevista como un grupo muy interesante. Comparto la opinión de La Iguana.

“No seasons” es su disco de debut, previamente habían editado varios singles. Un disco de portada con connotación sexual lleno de hits a base de power-pop con tintes psicodélicos. Una amalgama de riffs de guitarra y buenas melodías. Canciones frescas e inmediatas, de las que te tiran de la camiseta para ponerte a bailar. Al terminar el disco te quedas con ganas de más, el minutaje es escaso. Pero siempre puedes volver a reproducirlo, con un poco más de volumen incluso.

“ONGIARA” 2007. GREAT LAKE SWIMMERS

Desde Ontario, Canadá, viene esta banda de folk con tintes country. Es el proyecto de Tonny Dekker (voz y guitarra acústica) junto con Erik Arnesen (banjo y guitarra eléctrica) y Colin Huebert (percusión). Juntos desde 2003, sus discos contienen un particular folk etéreo y minimalista, con melodías muy cuidadas.

“Ongiara” es su tercer disco. El nombre viene del barco que les llevaba a la isla donde grabaron las primeras sesiones del disco. Son varias las colaboraciones que se dan cita aquí de otros músicos con aportación de voces e instrumentos varios. Un disco luminoso y alegre pero también cargado de melancolía y con parajes en penumbra, lleno de sentimientos, directo a la fibra sensible. Evocador de la ingenuidad que ya dejamos atrás. 44 minutos de buena compañía en la intimidad de esos días en los que uno se levanta con una sosegada y vaga tristeza nacida de los sentimientos. Un disco hermoso y alentador.

“2” 2010. RETRIBUTION GOSPEL CHOIR

El asistir a conciertos entresemana de la intensidad del que pude disfrutar anoche conlleva sufrir de “día después” un miércoles, teniendo que afrontar una jornada laboral que la resaca hace que sea más pesada de lo habitual. Pero merece la pena. Anoche en la sala Malandar por aquí por la ciudad del calor pude ver al incendiario trío Retributión Gospel Choir. También pude verlos el año pasado en el teatro Pedro Muñoz Seca del Puerto de Santa María, en la gira de presentación de este disco del que hablo en esta entrada, pero aquella vez era un espacio grande, de techos altos y estábamos forzosamente sentados. Anoche no, no había techos altos ni butacas, y la cercanía con los músicos y la intensidad de principio a fin de su concierto hacía que te salpicara el sudor que desprendían y que tu sed de cerveza creciera a medida que avanzaba el concierto. Conciertazo de los de recordar, con un Alan Sparhawk desprendido de toda mesura que no paraba de gesticular mientras soltaba con furia su mano derecha para sacar sonidos a su Gibson, un bajo tocado magistralmente y un batería enérgico y con evidente pasado heavy. De lo mejor que he visto este año. Pasemos a hablar de ellos.

Retribution Gospel Choir son de Minnesota, Estados Unidos. Alan Sparhawk es su cerebro, guitarrista y cantante, Steve Garrington es su bajista y Eric Pollard su batería. Los dos primeros también son miembros de mis amados Low, el proyecto principal de Sparhawk junto a su mujer Mimi Parker, un proyecto más pausado y espiritual. Con Retribution Gospel Choir Sparhawk deja a la vista su lado más tormentoso, rockero y salvaje.

“2” es su segundo disco, un disco de rock de alto voltaje, incluso atronador por momentos con una cuidada edición en vinilo, con el nombre del grupo en relieve en la portada y el vinilo de color azul con vetas. Guitarrazos, mucha batería y un rítmico bajo junto con la voz de Alan, formando un sonido potente y compacto. Rock intenso, exaltado y visceral pero que te deja espacios para respirar puntuales. Evidentemente este disco pide subir el volumen, que se jodan los vecinos. Muy grandes estos chicos de Minnesota, y en directo brutales.

“VEILS” 2011. THE OSCILLATION

Cuando organizas tu ocio mayormente en torno a conciertos, a veces –bastantes- vas a algunos con poca o ninguna información previa. O bien porque te han dicho que merece la pena o bien porque confías en el buen hacer del programador de la sala, del ciclo o incluso del festival y a veces –bastantes- descubres grupos que te dejan con la boca abierta y que te hacen disfrutar muchísimo con su directo. Pues bien, eso mismo me ha ocurrido este fin de semana. Gracias al buen hacer de los programadores del ciclo veraniego 21 Grados de la Universidad de Sevilla –ciclo que incluye aparte de conciertos también cine y teatro- he descubierto a The Oscillation. Desde Londres, este es el proyecto de Demian Castellanos aunque en directo se hace acompañar de Tom Rellen al bajo, Chris Wackrow a los teclados y Jon Abbey a la batería. Castellanos se encarga de la voz y la guitarra. Con influencias reconocidas y reconocibles en torno a The Cure, Can, Pil, Spacemen 3 y Death In Vegas, el sonido de The Oscillation parte de la hipnosis sonora del krautrock con aires psicodélicos. Su directo es de los que te cogen de las entrañas, toda una experiencia sonora, apoyado también por visuales. Un muy buen sonido y una gran banda, con un virtuoso bajista y un batería de potente pegada. Al finalizar te quedas con ganas de más. Les agradecí el hacerme vibrar y por supuesto les compré el disco (doble vinilo). Me haría kilómetros por volver a verlos, buenísimos.

“Veils” es su segundo largo. Un disco lleno de psicodelia, krautrock, space rock, shoegaze y post-punk. En él Demian Castellanos compone y produce y casi se las arregla solito para interpretarlo, excepto por alguna ayuda a la batería, a los teclados y al saxo. Lo forman canciones que se desarrollan y crecen para terminar finalmente en explosiones de sonido. Atmósferas pausadas y tétricas por momentos para luego pasar a convertirse en muy enérgicas. Oscuridad y mucho delay y reverb. Un disco de oscilaciones sonoras para disfrutar sin escatimar en volumen. Buenísimo, no paro de escucharlo.

“LES PIQÛRES D´ARAIGNÉE” 2006. VICENT DELERM

Vicent Delerm es un músico francés nacido en Normandía, hijo único de un escritor y de una ilustradora de novelas. Un renovador de la chanson francesa influido por el pop anglosajón, que susurra y divaga en sus discos dejando a un lado la pasión. Según él, en sus canciones mezcla lo real y lo inventado, la verdad y la ficción.

“Les piqûres  d´araignée” es su tercer disco, distribuido en España gracias al sello sevillano Green Ufos, a los que tanto agradezco desde hace años el poder acceder y descubrir tanta y tan buena música de nuestros vecinos del norte. Un disco formado por una colección de exquisitas canciones pop con toques bohemios en clave chanson francesa de los 60. Este disco fue grabado en Suecia a sugerencia de Peter Von Poehl, al que Delerm conoció en Paris. Este músico sueco es el que se encarga de la producción de este disco además de interpretar un dúo vocal con Delerm en una canción. Otro ilustre que aporta su voz en otra canción es Neil Hammon (The Divine Comedy). Un disco sustentado en las melodías, que puedes usar a modo de postre después de comerte en casa un arroz con pescado preparado por ti y que te hubiera gustado compartir de rico que te ha salido.

                                                                                            

“MARRY ME TONIGHT” 2009. HTRK

Estos chicos australianos de Melbourne, de nombre pronunciado “hate rock”, se  juntaron en 2003 para crear música basada en el cine y el universo de David Lynch. El trío lo formaban Jonnine Standish (a la voz y la percusión), Nigel Yang (a la guitarra y con las programaciones) y Sean Stewart (al bajo y también con las programaciones). Este último se suicidó el año pasado. A pesar de tal trauma, han vuelto a sacar disco sin él.

“Marry Me Tonight” es su debut. Un disco de portada de gran contraste en cuanto a colores pero de sonido monocromático. Un viaje sombrío de casi 36 minutos, donde se repiten los loops una y otra vez acompañados de un penetrante y omnipresente bajo además de ráfagas de guitarras, lleno de sonidos introspectivos con reminiscencias a Suicide. Un disco que si consigues entrar en él, cosa que quizá no ocurra con la primera escucha, te puedes quedar atrapado dentro. 

Dedicado a todos los que perdieron el sombrero por el camino, entre los que me incluyo, y terminaron con todo el pelo alborotado –y la cabeza también-. Y a mi amiga Cristi, que me presentó este disco.

“RATTLESNAKES” 1984. LLOYD COLE & THE COMMOTIONS

Lloyd Cole & The Commotions son una banda escocesa formada en 1982, aunque su lider, Lloyd Cole, es inglés y actualmente vive en un pueblo en yanquilandia. Estuvieron en activo sólo cinco años, después Cole continuó con su también interesante carrera en solitario. Formaban parte de ella Lloyd Cole (voz y guitarra), Neil Clark (guitarra), Laurence Donegan (bajo), Blair Cowan (teclados) y Stephen Irvine (batería).

Este “serpientes de cascabel” es el estupendo disco con el que debutaron. Un disco redondo de pop elegante, lleno de canciones luminosas y con un sonido amable para cualquier oído. En éste disco el tono de voz de Lloyd Cole es protagonista. Luego están los entramados de guitarras cristalinas –una rítmica, otra solista-, y también algún arreglo de cuerda de toque orquestal. En mi no concluyente opinión es uno de los mejores discos de pop de los 80. Un disco emocional que gusta más tras varias escuchas. Un poco de luz y optimismo en estos días de cruda realidad social, de la que puede llegar a afectar al ánimo de las personas. “Rattlesnakes”, muy recomendable.

“SOLO PIANO” 2004. GONZALES

Gonzales es el nombre artístico de Jason Charles Beck, cantante, productor, compositor, actor y guionista. Un polifacético y excéntrico artista canadiense aunque residente en Francia cuya carrera musical está llena de saltos mortales en cuanto a estilos musicales se refiere. Posee una formación académica como pianista que empezó a muy temprana edad.

“Solo Piano” es un disco con el que rompe con todo lo anterior. Un disco totalmente instrumental en el que muestra sus habilidades al piano. Un disco con ambientes del siglo XIX lleno de melancolía y minimalismo, y de una sobria belleza como resultado final. En este disco aparte del sonido provocado por el golpeo sobre las cuerdas del piano hay otro sonido que es el producido por el roce de los dedos –o las uñas- de Gonzales, que le da un curioso matiz a las composiciones imprimiéndoles ritmo. Un disco editado por el sello No Format!, ya que el sello con el que tenía contrato se negó a hacerlo, dándole permiso para que lo hiciera en la competencia. Pues bien, este disco ha sido el que más copias ha vendido de todos los de Gonzales. Un disco para escuchar en silencio y que puedes usar para terminar de convencerte de que has hecho bien no yendo a la fiesta a la que tenías pensado ir este finde temiendo la resaca de la que vendría acompañada. No se puede ir a todas. En casa con buena compañía musical también se está bien.

Doy fe de que Gonzales es un gran pianista. Pude verlo en concierto durante la gira de presentación de este disco. Fue en La Casa Encendida en Madrid, con una puesta en escena que consistía en un piano de pared con parte de la caja transparente y que dejaba ver las cuerdas. También había un gran pantalla rectangular con un encuadre desde arriba de la totalidad de las teclas del piano y con las manos de Gonzales bailando sobre ellas, una de las cuales iba adornada por un enorme anillo. Pues con solo su piano de pared, Gonzales nos hizo reir, bailar y disfrutar muchísimo a los allí presentes. Memorable, un gran showman.

“PINK FLAG” 1977. WIRE

Wire son una muy influyente banda británica formada en 1976 y aún en activo a día de hoy, aunque tuvieron un paréntesis de cinco años en los 80 en los cuales algunos de sus miembros se embarcaron en otros proyectos. En principio la banda la formaban Graham Lewis (bajo y voz), Bruce Gilbert (guitarra), Colin Newman (voz y guitarra) y Robert Gotobed (batería). Wire son toda una leyenda, una banda vanguardista que le dio un sentido más profundo e intelectual al punk y también interesada por el arte. Ellos nombran como gran influencia al artista francés Marcel Duchamp.

“Pink Flag” es su disco de debut, un debut lleno de rabia y fuerza pero también de elegancia. Un disco completo y bizarro. Intenso, crudo y potente pero también melódico, con un sonido atmosférico a base de guitarras distorsionadas. 21 canciones breves e inmediatas llenas de rabia conforman este disco, un disco imprescindible sin duda y disfrutable aún más abusando del volumen. Otro de mis discos favoritos.

Aún me queda el regusto de su concierto de madrugada en el Primavera Sound del año pasado. Tremendo conciertazo el que dieron estos señores del rock, 34 años después del inicio de su andadura. Clásicos, incontestables.

“GOD HELP THE GIRL” 2009. STUART MURDOCH

Stuart Murdoch es el líder y compositor de la banda escocesa Belle & Sebastian. God Help The Girl es un proyecto personal compuesto y producido por él mismo, cocinado a fuego lento durante 5 años y es un homenaje a las mujeres, de las cuales Murdoch es un enamorado. Es un disco conceptual a modo de banda sonora para una futura película en torno a la figura de Eve, una chica que deja sus estudios y su hogar en busca de sus sueños e inquietudes y termina en un hospital psiquiátrico. A su salida tiene que volver a encontrarse a sí misma, y a la vez comienza su particular búsqueda del amor.

Las voces femeninas que aparecen en el disco son en su mayoría desconocidas. Fueron seleccionadas a través de un anuncio puesto por Murdoch. El protagonismo de la mayoría de canciones es para la voz de Catherine Ireton, pero también aparecen las voces de Brittany Stallings, Dina Bankole, Celia García, Asya, Anna Miles y Alex Klobouk. Aparte de la voz masculina del propio Murdoch también está la de Neil Hannon (The Divine Comedy). Los componentes de Belle & Sebastian colaboran en este disco. Un disco donde predominan los arreglos de cuerda y el sonido orquestal. Un muy bonito disco de pop, evocador de imágenes, muy cinematográfico. Perfecto para enamorarte aunque sólo sea mientras suenan sus 14 canciones.

“YOUR FUTURE OUR CLUTTER” 2010. THE FALL

The Fall son una mítica banda inglesa de Manchester en activo desde 1977, con casi un disco publicado por año a sus espaldas. El nombre viene de una novela de Albert Camus. Su líder indiscutible es Mark E. Smith, un personaje que encaja perfectamente en la definición de “raro” que aparece en el diccionario –una de las acepciones del diccionario de la RAE dice de esta palabra: “Extravagante de genio o de comportamiento y propenso a singularizarse.”-. Por The Fall a día de hoy han pasado casi 50 músicos, cosa que hace intuir el difícil carácter de Mr. Smith. John Peel, el mítico DJ de la BBC, decía de ellos que eran siempre lo mismo pero siempre diferente. La música de The Fall es de difícil clasificación, aunque siempre se le puso la etiqueta post-punk yo prefiero definirla como particular rock crudo.

“Your Future Our Clutter” es su disco número 28. En él la banda está formada por Mark E. Smith (voz), Peter Greenway (guitarra), Dave Spurr (bajo), Eleni Poulou (teclados y coros) y Keiron Melling (batería y percusiones). Un disco donde la melodía no tiene protagonismo, se lo queda todo el ritmo, aunque también está marcado por los teclados la guapa Eleni Poulou (pareja de Mr. Smith). Un discazo que demuestra la buena forma de la banda de Mr. Smith y de su particular voz, clave del sonido de The Fall. Incluso 34 años después.

El año pasado me hicieron vibrar en el Primavera Sound antes de que cayera la noche y este viernes volveré a disfrutar de su potente sonido en directo por aquí por mi ciudad, en el Monasterio de La Cartuja, Festival Territorios.

“1971” 2009. ELLE BELGA

Elle Belga son un dúo asturiano formado por Jose Luis Garcia (voz y guitarra, que también lo fue en Manta Ray) y Fany Álvarez (voz y teclados). Ellos son pareja y no sólo musicalmente. El nombre del grupo viene del apodo de cuando crio de Jose Luis, que pasó parte de su infancia en Bélgica, y a la vuelta a Gijón sus amigos le llamaban “el belga”. Para dar cabida a Fany convirtieron “el” en “elle”.

“1971” es su disco de debut. Un disco elegante donde las voces son protagonistas. En él los ritmos son samples, y está formado por nueve canciones con aire de nana y un poema musicado del poeta gallego José Ángel Valente. ½ hora de música pausada, perfecto narcótico relajante para el final del día. En la parte técnica del disco colabora Pedro Vigil (Penelope Trip, Edwin Moses). Las fotos promocionales del disco son en la Universidad Laboral de Gijón, un enorme y pintoresco complejo construido en los años cuarenta en principio como centro de formación para huérfanos de la minería. Un disco grabado con pocos medios pero de muy cuidado resultado.Un curioso ejercicio por parte de esta pareja, en la que uno de ellos cita como gran influencia propia a Jacques Brel, y también a Spacemen 3, Spectrum y Spiritualized, a los que se refiere como “la santísima trinidad”. 

“KNOW BY HEART” 2001. AMERICAN ANALOG SET

American Analog Set son una banda de Austin, Texas, formados en 1994. Ellos son Andrew Kenny (guitarra & voz), Tom Hoff (teclado), Sean Ripple (guitarra & vibráfono) , Lee Gillespie (bajo) y Mark Smith (batería). Su música es introspectiva y profunda, con toques krautrock y post-rock, y con gusto por los desarrollos instrumentales y el sonido analógico.

“Know By Heart” es su cuarto disco, un disco con texturas cálidas y melodías evocadoras, con sensibilidad y delicadeza y formado por canciones desnudas con pocos artificios tecnológicos, susurradas al oído. En este disco colabora Ben Gibbard (Death Cab For Cutie). Un disco de escucha siempre bienvenida y apto para todos los oídos. Recomendado para abstraerse de toda la problemática diaria.

“VANISHING POINT” 1997. PRIMAL SCREAM

Primal Scream son una banda originaria de Glasgow, Escocia, formada a mediados de los 80. Su formación ha variado con el paso de los años. Para la grabación de este disco que nos ocupa, pertenecían a la banda Bobby Gillespie (voz, antes batería de Jesus & Mary Chain), Andrew Innes (guitarra), Gary “Mani” Mounfield (bajo, antes en los Stone Roses, se incorpora a partir de este disco), Martin Duffy (teclados) y Paul Mulreany (batería), aunque este último fue sustituido por Darrin Mooney para la gira de presentación del disco. Primal Scream ha ido cambiando de registro a cada disco que ha publicado, no sé si evolucionando, o buscando un sitio que no acababa de encontrar o simplemente prostituyéndose.

“Vanishing Point” es su 5º disco y supuso un reforzamiento de la autoestima de la banda después del fracaso de ventas y crítica de su anterior trabajo. Este disco se compuso y se grabó en un par de meses, con mucha improvisación de por medio, y después un mes más para las mezclas. Andrews Innes hizo las labores de ingeniero de sonido y los productores fueron Brendan Lynch y Andrew Weatherall. El disco está inspirado en una película yanqui de 1971 con el mismo título, una road-movie considerada como una de las primeras películas con una banda sonora eminentemente rock. Este es un disco de rock y sonidos exóticos con electrónica de por medio . En él fusionan sonidos, con actitud shoegazing y ritmos dub, pero siempre desde la perspectiva rock. Un disco hipnótico y psicodélico por momentos, y guitarrero, electrónico y bailable por otros. Un buen disco.

A Primal Scream los he visto hace años en directo varias veces, han sido asiduos a grandes festivales varios años seguidos, imagino que gracias a tener un buen mánager y bastante tirón a la hora de vender entradas. Y la verdad es que me lo he pasado muy bien con sus directos, idóneos para escenarios y público festivalero.